Современный танец | Теория и практика

Мне кажется, многие недооценивают все вызовы и трудности, с которыми сталкивается независимый танцор, являющийся одновременно и автором, и исполнителем собственных работ. В первую очередь, сам танцор. Создание соло – это много-много часов в студии, где вы один на один с самим собой. Иногда это психологически тяжело. Это также множество других вопросов, которые вам приходится решать самостоятельно. В том числе, как встраивать свою деятельность в качестве танцевального артиста в контекст преподавательской деятельности (а она может занимать практически все ваше время). Никто не будет двигать вас извне – только вы сами. Хорошо, когда у вас есть коллега или куратор. Но иногда у вас есть только вы.

В школе Outokumpu готовили именно таких танцоров. Независимых немейнстримных танцоров-фрилансеров. Художников движения. В Финляндии (да и вообще в Европе) среда для деятельности в этом качестве более благоприятна. Хотя и там они ведут очень прекарное существование. В России их "нет в реестре". Россия – это про массовость. Я слышала это от многих людей. Художник-одиночка здесь особенно уязвим во всех отношениях : эмоциональном, материальном, социальном. Для нашей танцевальной среды характерно клановое сознание. Уверена, многие понимают, о чем я.

Чуть позже я напишу о том, кто такие "коллективы". Почему многие мыслят танцевальную деятельность именно как деятельность "коллективов" и к чему это приводит. Но хочется завершить этот пост чем-то практически полезным (рефлексирующие на практику тексты многими не воспринимаются таковым). Поэтому делюсь ссылками на каналы знакомых танц-художников и на другие ресурсы. В сети есть много информационных пабликов со ссылками на фестивали, конкурсы, классы. Гораздо меньше – на ресурсы с аналитическими текстами. Особенно от художников-практиков (они обычно пишут про свою практику в самопродвиженческом контексте). Если вы знаете какие-то паблики, содержащие такие тексты – поделитесь в комментариях.

Сайт Ирины Сироткиной, известного танцевального исследователя (сейчас она в Англии)

Сайт Кати Ганюшиной. Давний ресурс, свежих публикаций нет, но почитать интересно

FAUN_CONTEMPORARY - ресурс, публикующий актуальную информацию о танцевальных событиях в Питере

Телеграм-каналы танцхудожников :

Анастасии Ребкало
Эльзы Абдулхаковой
Ивана Белозерцева

Фото: solo work (University of Limerick) 2018

#солотанцор #contemporarydancesolo #danceartist #soloartist
#dancewriting

Недавно я прослушала интересный подкаст танцовщицы Meytal Blanaru с музыкантом Oded Tzur. Они говорили о разных вещах – в том числе о том, как перформеру войти в ресурсную зону, из которой можно транслировать зрителю свою энергию, входить с ним в диалог, подключать к своему перформансу. Я поделюсь инсайтами, возникшими в этом диалоге, в следующем посте. Но этот подкаст неожиданно направил мои мысли по другому руслу. Речь о том, что означает быть solo artist.

Танцор танцевальной компании и танцор, который создает свой индивидуальный продукт – это два разных способа существования. Фактически, две разные парадигмы. Если вы независимый танцор/танц-художник/перформер, то ваш проект – это вы сами. Вы – институция для себя самого. Вы несете ответственность за свою физическую форму, за создание, продвижение, представление своего творческого продукта зрителю. И это большая ответственность, подразумевающая определенные стратегии самоподдержки в обстоятельствах, которые могут быть очень разными.

Мои новогодние каникулы ушли на то, чтобы структурировать огромное количество информации , касающейся технической базы в современном танце. Я поняла, что даже если я делюсь своей практикой, а не преподаю технику, то всегда есть некоторые опорные точки, которые для меня важны. Особенно - в постановочном процессе.

Техника - понятие, которое сильно эволюционировало за последние годы. И речь не о виртуозности в обычном понимании. Для меня главный принцип любой техники современного танца состоит в том, что тело - это пространство свободы, а не ограничений. И техничный танцор - тот, у кого есть пространство свободы и пространство выбора.

Скоро в блоге выйдет целая серия видео о технике. Упражнения, методология, примеры из личной практики. В том, что хорошо известно и изучено, можно найти массу новых деталей и нюансов. Это не видеоуроки - скоре, видеоразмышления. Про артикуляцию, гравитацию, внутреннюю мобильность. А видео про концепцию тела, которое мы сняли ещё в прошлом году можно посмотреть здесь.

Новый Год - некая символическая точка перехода для большинства людей. Надо доделать все дела до наступления Новогодней Шавасаны. Поставить все дела на паузу – почти священное умение в современном мире. А я вдруг задумалась, где людей настигают мои тексты ? В транспорте? На работе? Утром за чашкой кофе? Вечером перед сном? Мелькают среди других постов-сообщений ?

Любой хороший текст выполняет ту же функцию, что и хорошее произведение искусства. Он способен выдернуть вас из повседневной суеты и режима постоянной скачки. Наверное, потому что все хорошее рождается не из спешки, а из глубокой сосредоточенности. Состояние, в котором происходят инсайты, но на него требуется время. Хореограф Теро Сааринен на одном своем воркшопе как раз задавался этим вопросом - почему людям так трудно дать себе время? Но в Финляндии время течет по-другому.

Моему блогу уже несколько лет, и я решила провести ревизию текстов. За это время я написала много : про лексику, технику, музыку, критику, танцевальные фразы и индустрию (аудитория в Телеграм как будто бы более смелая - возможно, потому что лайки тут анонимны). Мои посты всегда будут длинными - тем, кто их читает, придется смириться с этим. Но они эволюционировали - я научилась разбивать тексты на абзацы. Подборка самых удачных, на мой взгляд, текстов за всю историю блога :

Про стиль и жестокость
Про Релиз
Про йогу и "танцевальное тело"
Про то, как мы оцениваем работы
Про импровизацию и movement exploration
Про "мышечный паттерн"
Про аутентичную танцевальную лексику

Из рекомендаций - замечательный подкаст про буто с Кацура Каном. Там столько выходов в самые разные измерения, что его надо слушать с блокнотом и карандашом. "Тело – это последняя свобода и опора интоксикации. Единственное, в чем мы не можем сомневаться". Кажется, нам предстоит в ближайшие несколько лет отрефлексировать эту мысль на новом уровне.

Фестиваль "Теловидение" объявил опен-колл и начинает принимать заявки. Последний в 2024 текст про артистическую практику в контексте преподавания каким-то образом перекочевал в запрещённую сеть. Но я собираюсь преподнести свои рассуждения здесь в более структурированном виде.

Мне кажется, многие мечтали, чтобы 2024 ушел поскорее в небытие. Поэтому всех с наступившим 2025❄️

#танецблог #dancewriting #заметкиотанце #бутоподкаст

WATERFORMS
Фото: Надежда Косточка
Фестиваль современного танца
Новосибирск (декабрь, 2024)

#фестивальтанец #dancefestival

В последнее время я все чаще начинаю писать пост об одном, но пишу в результате совсем про другое. Другое оказывается важнее. Важнее текста о ненасильственных практиках и о том, как перформеру правильно настроиться на свой перформанс. Недавно я поняла, о чем по-настоящему "темное буто". “Танец тьмы” Тацуми Хиджиката (Хидзиката). И какое отношение к нему имеет мое соло.

Я когда-то занималась буто. Можно даже сказать, что изучала. На длинном воркшопе танцовщицы Su-En в Швеции и на курсе Миньи Мертанен в школе Оутокумпу. Я мало что помню, кроме отдельных упражнений. Воспоминания хаотичны и дискретны – это было очень давно. В телесной памяти осталось только эхо. Но я помню, что знания давались в системе - хотя сам Хиджиката никогда о своем танце как о системе не говорил. Европейцы из всего делают систему, а потом ее продают. Поэтому буто не было для меня чем-то полумистическим, не совсем понятным, обернутым в притягательные таинственные фразы. И, конечно, не тем, с чем он ассоциируется у большинства: белые лица, скрюченные стопы и расфокусированный взгляд.

У Su-En мы разгребали сухие листья в саду в ее загородной усадьбе. Она говорила, что тело создано для физической работы. The body is very functional. Ее воркшопы были весьма продуманно приурочены к определенному времени года. Мое любопытство по поводу буто тогда было достаточно сильным. Сейчас я уже вряд ли согласилась бы медитативно очищать от сухих листьев чужой сад ради этих знаний. Но спустя четырнадцать лет буто в моей работе случилось само собой. При этом я до сих пор затрудняюсь дать тому, что случилось, какое-то определение.

Наверное, лучше всего понять, что такое буто, прочитав знаменитый текст Хиджикаты "Танец , рожденный из грязи". Грязь - это пыль, смешанная с водой. А пыль - это то, во что все когда-нибудь превратится. Мне кажется, что это один самых пронзительных, исцеляющих и вдохновляющих текстов - и не только среди текстов о танце. “Детство запечатлелось у меня в памяти как бесконечная монотонная равнина, на которую с неба постоянно сыплется снег”. У меня в голове часто всплывают фразы из текста.

“Танец тьмы” родился в 50-х годах прошлого века, в послевоенной Японии : разгромленной, униженной, разоренной. Хиджиката переехал из деревни в Токио. Воровал. Выживал. Держал бар. Изучал европейский танец, а затем создал свой собственный. На фото он очень худой, сухожилия и мышцы будто прорисованы на теле. Много алкоголя, а из еды - одно яблоко в день. Так говорила нам Минья Мертанен. Не стоит следовать его примеру.

“Мой танец является материализацией того, что скрывается в глубинах моего тела”. Казалось бы, так просто. Но в этом вся суть. Понять - или вспомнить - что именно там скрывается. Пойти этому навстречу и прожить. Танец, который признает все, что происходит вокруг. И признает, что все, что происходит вне тебя, происходит и с тобой тоже. Который не отвлекает. Не развлекает. Не рассуждает. Не поучает. Не сочувствует. Который может находиться в общем поле со всем, что ужасает - и не быть при этом ни терапией, ни кощунством.

“Движения, собравшиеся в моем теле, становятся видимыми через руки. Когда я пытаюсь что-то взять, рука, находящаяся внутри меня, отдергивает мою руку, и она не добирается до цели ... На полпути моя рука занемевает как у старых людей. Или же она не возвращается с полпути, или она исчезает на полпути. Вы, наверное, думаете, что мой рассказ лишен смысла. Но будьте внимательны. И когда-нибудь вы заметите, что в этом кроется смысл.” (Тацуми Хиджиката “Танец, рожденный из грязи ”)

Copyright ©️ Evgenia Sizmina 2024

Фестиваль современного танца "Домашний" (Новосибирск, 6-8 декабря, 2024). Перформеры : Евгения Сизмина, Любава Белько, Люба Перова, Маша Шешукова и Юля Авраменко, Саша Любашин и Андрей Горлачев, Chroma Dance Company, танцевальная компания Glyptic с премьерной работой "ФАЗА НОЛЬ".

#фестивальсовременныйтанец #glypticdancecompany #современныйтанецновосибирск

Что нужно для того, чтобы сделать фестиваль современного танца? Люди и их желание его сделать. Десять дней назад я вернулась с фестиваля современного танца в Новосибирске , который делает хореограф Анна Хирина и ее танцевальная компания Glyptic. Трехдневная программа перформансов, мастер-классов и лекций. В Новосибирске холодно, зритель своеобразный, но очень милый. А я осознала, что такое большая разница во времени, и что репетиция в 8 утра и в 4 по Москве – это ненужный перфекционизм. Мне бы хотелось подробно отрефлексировать все свои впечатления. Но гораздо интереснее узнать, как мыслят люди, которые инициируют огромное количество процессов, чтобы подобные события происходили. Несколько слов о фестивале от самого главного человека – Анны Хириной - в форме небольших тезисов.

• Это третий фестиваль в НСК который мы организуем. Первый был формат резиденции, где три приглашенных хореографа ставили в разных пространствах на отобранных танцоров (студентов) и показывали итоговые работы. Второй фестиваль был с конкурсной программой. Для меня формат конкурса совсем не работал, но там было много участников с разных регионов. Третий фестиваль - уже фестиваль малых форм “Домашний”.

• При выборе работ я руководствуюсь личным художественным вкусом. Для меня очень важно осознанное присутствие, разность работ , внятность художественного высказывания. Я вижу таким современный танец и люблю его именно таким : глубоким, искренним , актуальным в контексте времени. Я никогда не иду за мейнстримностью - только то, что трогает мое нутро, даже если это супер не продаваемая вещь , но для меня именно это - искусство . Живое, честное, прожитое. По опен колл была отобрана работа Любы Перовой и Олега с Юлей (Chroma Dance Company). Были работы, которые не взяла, так как они были технически и финансово неподъемными, когда ты делаешь фестиваль за свой счёт. Ещё мне очень важна личность – люди , кого я знала (Сашу Любашина, Любаву, Олега – с ним я познакомилась на лаборатории от Context, Машу узнала лично только в этом году приехав в СПб ). За остальными давно наблюдаю, но лично не знала. Но видеть страсть и любовь к своему делу для меня важно.

• Зритель был немного другой в этот раз, и для меня это ещё связано с тем, что я ушла с колледжа где 9 лет работала – те, кто не принимают то, чем я занимаюсь, не были на этих показах. Пришли те, кто честно решил прийти. Не кого насильно привели, а для кого это ценно. Зритель готов смотреть качественные работы , зрелые и честные работы , он подключается к ним.

• Я всегда за оплату труда, хоть мы и влезли в долги, много взяли средств со своего преподавания (примечание: фестиваль оплачивал перформеру дорогу, проживание и гонорар). Я знаю, сколько стоит держать тело в форме, лечить его, что этот инструмент изнашивается. Раньше меня звали и сейчас зовут туда, где я сама оплачиваю свой проезд, проживание и питание. Но мне хочется создавать среду, которая поддерживает как эмоционально, так и физически танцовщиков/перформеров/ художников. Но здесь как будто важна зрелость, так как если всем платить, особенно молодым, они потом считают что все им должны. Зрелым и осознанным , кто прошел долгий путь, сам понимает ценность происходящего а не пользуется просто, я считаю, оплата за труд очень нужна.

Такими были ответы Ани на мои вопросы о фестивале. Я все чаще думаю, что современный танец - это не то явление, которое надо активно пропагандировать. Ему надо давать возможность случаться. Создавать пространство для пересечений и взаимодействий, которые позволяют нам ощущать связь со своим временем и друг с другом через танец. Я скептически отношусь к слову “сподвижник” - у общества было достаточно времени, чтобы понять, что современный танец нужен ему не меньше, чем тем людям, которые его делают. С другой стороны, современный танец - всегда о том, что несет с собой или фиксирует какие-то перемены. А все важные перемены - это результат стратегического сподвижничества. Долговременного, рутинного и на регулярной основе. Желаю фестивалю поддержки и долгих лет жизни.

Ноябрь и начало декабря выдались настолько насыщенными, что я не успеваю структурировать все свои впечатления и мысли – успеваю только фиксировать их в виде коротких заметок. Поэтому какое-то время посты будут выходить спонтанно и непредсказуемо даже для меня. Скоро поделюсь маленькими инстайтами и прозрениями , которые у меня случились во время недавнего интенсива в Москве – о технике, восприятии и усвоении информации. Практика дает много пищи для размышлений. А также напишу о фестивале Новосибирске от компании Glyptic Dance Company, в рамках которого состоится показ соло "Waterforms".

Репетируя “Waterforms”, я снова задумалась о феномене формы. О форме в разных контекстах, проявлениях и парадигмах. Слово “форма” не всегда имеет положительные коннотации. Производное от “форма” – это “формальный”, то есть условный. Внешне эффектная форма может как впечатлять, так и отталкивать. Каким образом зритель улавливает и чувствует разницу между “пустой” формой - и формой, наполненной телесным содержанием? Всегда ли это так очевидно? Или дело в наших установках, восприимчивости, приоритетах? Что должен делать перформер, чтобы, воспроизводя материал на сцене снова и снова, подключать какие-то более глубокие слои телесного знания, проживать, а не просто воссоздавать форму?

Потому что дело, конечно же, не в самой форме. Не в ее внешних очертаниях. А в том, что за ней стоит. Все, что мы чувствуем - мы чувствуем, так или иначе, посредством тела. Оно соединяет нас с окружающей средой и формирует свое собственное знание. И это не абстрактное знание. Оно материально. Оно может создавать внешний образ движения и наполнять форму. Обычные рутинные танцевальные связки, который мы проучиваем в контексте тренировочных классов, могут быть наполнены этим телесным содержанием, а могут быть лишены его.

Мы можем сознательно генерировать определенную форму - или проявлять ее, следуя ощущениям, трансформируя их в движение. Внешняя форма этих ощущений может быть очень символичной. Вопрос в том, насколько мы восприимчивы к собственным ощущениям и насколько честно и точно мы интерпретируем их в движении. Если мы отделены от собственных ощущений, создается не совсем точная либо фальшивая форма. Поэтому важна точность восприятия ощущений. И честность их трансформации в визуальную форму. Честность процессов - то , что интереснее и сложнее всего в контексте нашего социального бытия, который всегда подразумевает конформизм в той или иной степени.

А я недавно прослушала интересный подкаст танцовщицы Meytal Blanaru о том, как сознательно помещать себя в перформативное состояние, то есть в пространство, из которого возможна более глубокая коммуникация со зрителем в процессе выступления. Как ментально и физически подготовить себя к тому, чтобы “быть” в своем материале и транслировать его зрителю наиболее полно? Некоторые вещи оказались настолько актуальными и резонирующими, что я поделюсь ими в отдельном посте в виде списка лайфхаков, которые всегда стоить помнить любому перформеру - не обязательно танцору.

Еще один подкаст на эту тему – о том, как соединиться с собственным телом (how to re-connect back with your body) - можно прослушать здесь. Он на английском , но я постараюсь позднее раскрыть его содержание. А также напишу об импровизации, о лекции хореографа Фернандо Бельфиоре trans(per)formative bodies, о Мередит Монк (единственная из всех авторов, чью музыку я не могу просто прервать, коснувшись экрана телефона). И пост о том, что может произойти с танцем, если вынуть его из международного контекста и оставить наедине с самим собой.

Copyright © Evgenia Sizmina, 2024

#современныйтанец #перформанс #фестивальтанец

Фото для афишы Step Up Project (Лимерик, сентябрь, 2018). Проект с большой стипендией для танцоров, который продолжает существовать и сейчас, ежегодно получая грант.

Но это в Ирландии. Как часто в нашей среде хореографу в виде ценности предлагается именно “возможность” ? Возможность показать свою работу. Возможность войти в “поле видимости”. Возможность привлечь внимание. Возможность заявить о себе. Да, хореографу может оплачиваться показ его работы. Проблема в том, что грантовые деньги никогда не идут на какой-то абстрактный показ. Они идут на зарплату конкретным людям, которые его обеспечивают : работникам площадки, световикам, звуковикам, фотографам, уборщицам. Иногда еще экспертам и эксперткам. Будут ли эти люди работать “за возможность” ? Нет. Все они получают живые деньги за свой труд. На которые можно купить анальгин, если болит голова. Чашку кофе. Которыми можно оплатить проезд на общественном транспорте. А танцоры, которые “бесплатно” танцуют у хореографа? Как часто им их собственный труд преподносится как "возможность" ?

Проблема в том, что ничего бесплатного не бывает. Бесплатное – это то, что оплачено кем-то когда-то, чьим то трудом. В основе любой работы лежит жизненная энергия, которую всегда можно пересчитать на деньги. И если тратится жизненная энергия одних людей, но на этом процессе зарабатывают другие люди , то это – использование. И не важно, считаем ли мы труд хореографа и танцора “работой”. Их деятельность – это основание для получения финансовых выгод (зарплат, гонораров) других участников проекта. Я думаю, что мы настолько привыкли к цинизму в этом вопросе, что уже просто перестали его замечать. Нас к этому приучили. Приучили основательно. Мы радуемся уже хотя бы возможности. Нас выбрали, заметили, это уже привилегия. Финансовая подоплека и настоящие бенефициары как-будто уходят на второй план. Но интересная вещь: фестивали, которые осуществляются вообще без какой-либо грантовой поддержки, зачастую куда более щепетильны в этом вопросе гонорара или оплаты дорожных расходов хореографу и танцорам, чем грантовые мероприятия.

Когда я писала этот пост, у меня возник вопрос: а когда вообще у людей появляется потребность в этике? Что может их подтолкнуть к тому, чтобы начать разбираться в этических вопросах? Что должно случиться? Почему в какой-то момент люди начинают об этом думать? Мне кажется, что этика нужна, чтобы общество могло двигаться куда-то. Развиваться, не деградировать. Это как лакмусовая бумажка любого общества. Неэтичны процессы, которые могут повлечь материальный и моральный ущерб для какого-то участника. Если эти процессы игнорируются, значит, общество деградирует. Первый вопрос, который нас на магистратуре всегда учили задавать, это вопрос об этике. Этично ли мое исследование? Этичен ли мой проект? Этичен ли мой опен колл? Мой пост? Этично ли публично "жестко разбирать" работу, которую хореограф сделал и привез за свой счёт, а вы получаете за эти "разборы" деньги? Наверное, лучше всегда начинать с этих вопросов, а не заканчивать ими.

Copyright ©Evgenia Sizmina, 2024

#танецфестиваль #искусствогранты #artiswork

Все любят говорить про искусство. Мало кто любит говорить про деньги. Но именно о деньгах этот пост (длинный, поскольку на прошлых выходных пост не вышел). В 2018 я участвовала в качестве танцора в одном проекте в Ирландии. Проект был ориентирован на недавних выпускников танцевальных вузов. Была команда из 3 хореографов и 6 танцоров. Танцоров выбирали по кастингу. Хореографов в проект приглашали люди из Dance Limerick (пространство в Лимерике, созданное для осуществления проектов в сфере современного танца). Проект проводился на средства гранта. В течение месяца мы работали над тремя танцевальными спектаклями. В одном из спектаклей были музыканты, исполняющие живую музыку, написанную специально для хореографа. Был также лайт дизайнер, менеджер, промоутер, фотограф, звукорежиссер. Обычная команда. Мы работали каждый день, кроме воскресенья. Перед каждой репетицией у нас был утренний класс, который проводили разные приглашенные педагоги. Организаторы иногда устраивали совместные обеды – для улучшения коммуникации внутри группы. Проект был заявлен как точка входа недавних студентов в мир профессионального современного танца : знакомил хореографов с танцорами, танцоров друг с другом, способствуя установлению контактов на будущее. После репетиционного было несколько представлений в разных городах.

Нам, танцорам, платили стипендию и обеспечивали жильем в одном из университетских кампусов (репетиции проходили на базе Ирландской Академии Музыки и Танца). Размер стипендии был внушительным – во всяком случае, в масштабе российских зарплат. Этой стипендии мне хватило на перелет в Ирландию из России и обратно, на ежедневные расходы и даже на кое-какие развлечения по выходным. Стипендия была щедрая. Но меня однажды поразила одна вещь. Для каждого спектакля нам подбирали костюмы. Не шили специально, а просто костюмерша приносила то, что у нее завалялось в закромах, плюс покупала какие-то вещи в масс маркете. Вытряхивала это все из мешка на пол и раскидывала нам. Главное, чтобы подошло по размеру. Костюмы были почти что нищенскими для такого крупного по ирландским меркам проекта. Никаких декораций и реквизита не предусматривалось и подавно. Я, естественно, поинтересовалась размерами гранта и почему на эти средства нельзя было приобрести менее стремные костюмы. Что мешало, например, заявить проект как“бесплатный” для танцоров ? Что мешало преподнести участие в нем как некую ценность, в ходе которой танцоры получают опыт в работах именитых хореографов, плюс профессиональные контакты? Еще можно было в качестве бонуса преподнести “бесплатный фидбэк”. А сэкономленные средства потратить на костюмы, рекламу, реквизит. Мало ли на что можно потратить. Или увеличить гонорар самих организаторов или хореографов.

Я до сих пор помню взгляд главного менеджера проекта, которой я озвучила свои соображения в ходе одной дружеской беседы. Так смотрят на умственно отсталых. С сочувствием и сожалением. Еще ей было неловко. Когда она пришла в себя, то пояснила : им просто бы не дали грант, если бы в заявке не было указано, что определенный процент денег (большой) будет потрачен именно на танцоров. Им должны были платить деньги - за профессиональные навыки, за энергию, которую они вкладывают в работу над спектаклями. Потому что иначе это эксплуатация, пояснила она. Использование. И мы не можем использование выставлять как продвижение и поддержку. Так сказала она. И это именно та этика, которой придерживается Ирландия - не самая богатая и благополучная страна в мире. Придерживается на официальном, государственном уровне. "Танцор и хореограф - в центре внимания нашей деятельности". Это прописано на сайте Dance Ireland. Танцорами хореографам должны платить. Даже если эти танцоры – вчерашние студенты. Даже если их мало, этих средств. Иначе вы просто не получите грант.

Этот пост про Джоди, Урсулу и Элен. Джоди – это Джоди Мельник. Элен – это Элен Катала (ударение на последний). А Урсула – это Урсула Робб из компании "Rosas". А это - пост, куда я намерена затолкать столько мыслей и тем, сколько позволит мне моя совесть и формат блога.

Джоди и Элен были танцовщицами-создателями. Танцовщицами-хореографами художницами. Урсула была танцовщицей-исполнителем. А еще они были гэст тичерами в Лимерикском Университете, когда я там училась. Им всем было за 50. Элен - почти 60. Но возраст в их случае означал, что у них был опыт (причем актуальный опыт). Но не означал, что у них было архаичное и ригидное мышление. Никакого эйджизма, но архаичность и ригидность - это распростарненный признак человека старшего поколения у нас в творческой среде (у вас есть право не соглашаться со мной). Примечательно, что у Урсулы была семья (муж и дети), а у Джоди и Элен - нет. Но я когда-нибудь коснусь отдельно судьбы женщины - художника в танце.

Почему я решила написать о них? Урсула, Элен и Джоди полностью перевернули мое понимание того, чем может быть танец – и в плане телесного опыта, и в плане танца как жизненного пути и процесса. Как танцоры они сформировались во многом под влиянием танца постмодерн, но их путь становления как самостоятельных творческих единиц был гораздо длиннее, запутаннее и сложнее. И это было одной из причин, почему они (а не бывшие выпускники) преподавали танец в университете. Ваш путь в танце и сформированный на его основе опыт должны расширять сознание студента. Причем это должен опыт извне. Опыт, постоянно пересматриваемый и сопоставляемый с реальностями сегодняшнего дня. Постоянно актуализируемый опыт. Распространенная у нас практика брать на работу своих же студентов в Академии была не принята.

Танец , который несли Джоди, Урсула и Элен – это был танец-“не-экспрессия”. Танец суставов, костей, связок. Не абстрактный танец, а глубоко укорененный в физике тела. При всем этом такое количество ментальной работы, которую пришлось выполнять на их классах, мне не приходилось выполнять нигде за все 20 лет в танце. Материал, который они давали, был очень непривычный и неудобный материал (каким бывает все, что действительно вас трансформирует). Вас не трансформируют органичные связки, который всем нравятся. “Танцуйте , как ведьмы, а не как феи” - говорила Элен, и заставляла танцевать фразы со сжатыми кулаками. Чтобы в движении, основанном отнюдь не на работе мускулами, появились вес, текстура, направленность, наполненность. Ее наставления звучали как экзорцизм – она изгоняла из движения кокетливость, феминность и образы хрупких фей. Она проповедовала танец, который никого не провоцирует и ни с кем не заигрывает. Танец, который не ритуал, не очистительная или оздоровительная практика. Который ничего из того, с чем он у большинства ассоциируется. Не концептуальный танец "из головы" и не маскулинный контемпорари. Который - новое установление отношений с самим собой. Манифестация ментальной силы, проявленной в движении. Сочетание интуиции и рационализма, которое развивало и структурировало танцевальное мышление, а не закрепощало его.

К чему все это. К тому, что мощность воздействия личности преподавателя всегда основана на многослойности его опыта. Его опыт меняет ваш опыт. Более того, он меняет ваше видение. Чтобы сформировать свое танцевальное тело и интеллект Джоди, Элен и Урсуле понадобились годы. Чтобы научится транслировать свой опыт другим понадобилось еще десять лет. Но у многих людей как будто бы разорвана эта логическая цепочка “телесный/артистический опыт-качество преподавания”. Один известный преподаватель йоги (Юра Кочетков) как-то в своем влоге сказал про асаны : вы можете изучить всю информацию об асане. Вы можете грамотно объяснить, как ее делать. Но если вы не освоили асану, то вы ее не прожили. Опыт - это вещи, прожитые вами. По этой причине я не верю статьям и суждениями о современном танце от искусствоведов и критиков. Их статьи - всегда взгляд со стороны на чужой опыт, не прожитый ими самими. Статья о Джоди Мельник (на английском) здесь

Copyright ©️ Evgenia Sizmina 2024

Я, Бьянка Старр и Саша Айвазова в работах Джоди Мельник и Элен Катала (Университет г. Лимерик)

Бонус к тизерам - ссылка на беседу с Кристин Штандфест (куратором ImPulsTanz) от "Гаража" (garagegema). Интересный разговор про индустрию, фестивали и задачи куратора. Любопытные ремарки про отбор работ, критику и энергию, заключенную в танце. Витальную энергию танцевальной работы, которая проистекает из энергии хореографа, из его жизненных сил. И мнение про российский современный танец, разумеется. Мы ведь любим честные мнения?

Сopyright ©Evgenia Sizmina, 2024

Как выглядит сейчас европейский современный танец? Тот самый, на который мы привыкли ориентироваться и у которого привыкли учится. Я, как и многие, уже пять лет смотрю на него преимущественно сквозь экран телефона или компьютера (последний большой фестиваль, где я смотрела работы вживую, был фестиваль танца в Монпелье в 2019). И хотя есть мнение, что современный танец в Европе зашел в тупик, и хореографы поэтому ударяются в различные перверсии – это всего лишь мнение. Я думаю, что он выглядит по-разному. Правда в том, что он уже многое себе разрешил (хореографы точно не стремятся ставить "нравственно"). Есть большие мейнстримные компании, есть индивидуальные художники, есть небольшие коллективы и группы. Даже географический фактор уже не играет, на мой взгляд, такой большой роли как то, в каком контексте работают компании, в каком масштабе и структурном слое.

Но не так давно я стала участницей интересного разговора о том, куда движется современный танец. Дело в том, что он действительно движется. Тенденции действительно существуют - объективные тенденции времени. Каким-то образом вы начинаете чувствовать общую направленность и общее поле разных работ и разных практик. Действительно разных, но не противоречащих в этой разности друг другу. И это невероятно интересный момент, потому что именно он является платформой для коммуникации. Вы интересны тем, с кем у вас есть что-то общее. И вам интересно то, что резонирует с вами.

Мне кажется, что ключевая тенденция - это окончательный уход от определения танца как перформативной, исключительно сценической формы искусства. Танец уже давно перестал восприниматься как нечто орнаментальное, развлекательное и существующее только на сцене. Танец - это life-long practice. Практика длиною в жизнь в разных формах, в разных пространствах и в разных обстоятельствах. Сейчас я проживаю вот этот фрагмент моей жизни и этот отрезок времени. И я могу практиковать танец или движение в той форме, которая доступна для меня здесь и сейчас - в том числе в вербальной форме, как в этом блоге. Я не делаю того, что я не могу. Но то, что могу, я делаю (как обычно, в теории выглядит замечательно, но на практике бывает нелегко).

Ещё одна тенденция - даже не тенденция, а своего рода ценность для меня в танцевальной работе - это нонконформистский и поэтому непривычный и неудобный для массового зрителя танцевальный язык. Танцевальный язык, который не является репрезентацией кодифицированных техник и подвергает сомнению устоявшиеся эстетические каноны. В том числе, в отношении тех же танцевальных тел, которые обычно оцениваются преимущественно с перспективы их "поверхности", то есть внешней, "косметической" перспективы. Я поняла недавно, что мне уже совершенно не хочется употреблять слово "танец". Мне хочется употреблять слово "движение". Именно потому, что с танцем до сих пор связывается слишком много вещей, которые не имеют к "моему" танцу никакого отношения. Он для меня подразумевает совершенно другой слой ассоциаций.

Российский современный танец как-будто бы заметался в последнее время в поисках своей идентичности и начал придумывать собственные тенденции. Это довольно интересный вопрос – про соотношение идентичности и тенденций. Мне кажется, что идентичность - это не про соответствие тенденциям, а про распознавание своей ценности. Которая всегда только внутри вас - не снаружи. Она нужна, чтобы стать видимым, распознаваемым. А значит, иметь возможность коммуницировать с кем-то, экспортировать свои идеи. Иначе зачем все? Стратегический вопрос – это куда экспортировать идентичность и с кем ей делиться.

На следующей неделе обещаю практическое видео. А пока несколько трейлеров с фестиваля ImPulsTanz в Вене (кому-то из моих знакомых даже удалось посетить его лично). Как здорово выглядят на сцене танцоры 50 плюс. С их морщинами и стареющими телами. Приоритет индивидуальности над идеальностью - это то , что так сложно понять и принять очень многим, и не только в танце. О хореографах и их работах можно поискать информацию самостоятельно в интернете.

Начиная со следующей недели в блоге будет меньше рефлексирущих на практику размышлений и больше самой практики. Но мы только что вернулись с фестиваля, поэтому небольшая фото экскурсия с этого путешествия. Фестиваль –  тоже практика и повод для размышлений. А пространство российских фестивалей современного танца - это для меня blind spot.

Я недавно я стала обращать внимание на то, кто из хореографов смотрит чужие работы. То есть находит в себе ресурс внимания к чужому творчеству. Мне кажется, что есть такой феномен: фиксация хореографа на собственном творчестве. И хореографы делятся на тех , кто смотрит работы других хореографов. И на тех, кто нет. Мы не смотрим работу в двух случаях: априори считая, что работа не может быть нам интересна и только снизит концентрацию, необходимую для того, чтобы создавать и продвигать свой продукт (а это огромная концентрация внимания и сил, при этом чужое творчество как будто бы отвлекает нас от самих себя). Либо мы не хотим встретиться с тем, что вскроет наши собственные триггеры восприятия и снизит самооценку (иногда первая причина маскирует вторую).

На мой взгляд, фестивальное пространство – это пространство не для демонстрации себя в первую очередь, а пространство для формирования новых точек роста. Пространство для коммуникации. Мне кажется (я уже писала об том), что современный танец - он весь о коммуникации. Тенденции развития в любой области искусства объективно существуют. Их можно почувствовать, уловить, нащупать, наблюдая за собой и наблюдая других. Поэтому умение находить в себе ресурс внимания, отстраняясь от своих паттернов восприятия (самый забавный – это вести себя так, будто работа на тебя нападает) - очень полезное умение.

Что касается экспертов, то я всегда переживаю за них и внутренне готова к любому кринжу. Но в этот раз, если не считать небольших лексических шероховатостей и оговорок, которые можно списать на волнение, было достаточно корректно. Никто не призывал к ответственности перед зрителем. Была высказана интересная мысль (без иронии, действительно, интересная) о том, что в поисках аутентичности танцевального языка мы часто приходим к микродвижениям, микрожестам и мелкой пластике. Это повод для дискурса : танцевальный язык в принципе наиболее проваленный в восприятии и недооцененный у нас параметр работы.
Аутентичность, действительно, проявляется в деталях, интонациях и оттенках – но она может проявляться в разных формах, динамиках и амплитудах. Это мое мнение. А интерес к "маленькому" движению, которое способно передавать нюансы внутренних состояний – это, скорее, манифестация интереса к уязвимому, личному и интимному внутреннему миру. Правда, только внутренний мир и может быть по-настоящему аутентичным.

" Waterforms" на фестивале отметили специальным призом. А я поняла, что за два года эволюционировала от хореографа, который множит клише и штампы, до хореографа со своим собственным уникальным языком. Правда, возможно, все зависит от контекста. Напишу чуть больше о втором дне фестиваля (когда мы только смотрели) в запрещенной сети.