Бикбаева 360: Феномен, эмоции, NPS

Он пришел на подиум с чайником вместо сумки. И это стало модой.

•Этот бренд существует с 1983 года
• Его вещи носили Мадонна, Леди Гага, Кэти Пери
• Коллаборация с H&M в 2018 году вызвала очереди по всему миру
• Сумки-провокации уходят с аукционов за тысячи долларов спустя десятилетия
• Сумка-сельдерей и сумка-спагетти 2025 года стали вирусными по всему миру

Почему люди готовы платить полторы тысячи долларов за сумку в форме вилки? Или за клатч в виде тюбика солнцезащитного крема? Или за крошечную сумочку-фен на золотой цепочке? Или за моточек спагетти с помидорами черри на застежке?

Его звали Франко Москино.
Маленький городок в Ломбардии, 22 километра от Милана. Отец хотел, чтобы он работал в металлургии, но Франко хотел быть художником. В итоге поступил в академию искусств, рисовал костюмы для журналов, чтобы платить за учебу. Случайно попал в индустрию моды как иллюстратор. Работал на разные дома, смотрел как устроено производство изнутри, набирался опыта.
И в какой-то момент решил делать по-другому. Потому что у него было четкое несогласие.

Он открыто критиковал моду как систему. Говорил, что она превращает людей в жертв, которые гонятся за чужими правилами вместо того, чтобы быть собой.

«Модно то, что вам нравится. Не будьте жертвами моды».

Это было не просто фразой. Он буквально вшивал это послание в одежду.

В 1983 году он открыл свой бренд. И сразу сделал то, что никто не ожидал. Отправил моделей на подиум с чайниками в руках вместо сумок. Вечерние платья украсил столовыми приборами. На пиджаке написал «Дорогой жакет». На поясе: «Талия, стоящая денег». Одну модель одел в смирительную рубашку с надписью на спине: «Только для жертв моды».

Критики не поняли: часть смеялась, часть злилась. А люди полюбили. Потому что это было честно, это было смешно. И это впервые говорило им:

«Мода не должна тебя угнетать.»

Потом появились сумки в форме мотокуртки.
Сумка-бутылочка для молока. Сумка-тыква на Хэллоуин. Сумка-вилка.
Сумка-фен.
Сумка-бумажный стакан с медвежонком.
Клатч в виде тюбика крема от солнца.
Рюкзак в виде упаковки McDonald's.

Каждая из них существует как арт-объект. Люди не просто носят их, они их коллекционируют.

Франко успел проработать всего 11 лет. В 1994 году его не стало. Но бренд не умер. Потому что идея была сильнее одного человека.

Сегодня Moschino это несколько линий, отель в Милане, коллаборации с McDonald's, Sims, H&M и Губкой Бобом.
И в 2025-2026 году бренд снова на пике. Теперь у руля аргентинец Адриан Аппиолаза. Он не сломал традицию, он её подхватил.

Его сумка-сельдерей и клатч в форме моточка спагетти с помидорами черри на застежке разошлись по всем модным медиа и вызвали волну повторных заказов.

На последнем показе осень-зима 2026 финальный выход был с кожаной копилкой-свиньей в руке модели.

Дизайнер прокомментировал:

«В конце концов, мода - это всегда про деньги».

Moschino умудряется одновременно делать сумку-спагетти, которую обсуждают все, и классическую замшевую сумку, которую носят те, кто понимает без слов.
Провокация для одних, качество для других - полный охват.
Механика, которая работает уже 40 лет.

Когда ты видишь сумку-чайник или вилку на золотой цепочке, ты сначала смеешься, потом думаешь: «Это гениально». Потом хочешь такую. Потому что она говорит что-то про тебя: ты человек, который не воспринимает моду слишком серьезно. Ты в теме.

Удивление -> восхищение -> желание принадлежать.

Есть ли у вас несогласие с тем, как устроена ваша ниша, которое вы пока придерживаете, потому что боитесь, что не поймут?

Франко не боялся. И его чайник стал иконой.

Сегодня поделилась а своей инсте сокровенным рассказом и серией сторис . Зайдите , думаю для многих это событие и история будет вдохновением и поддержкой ❤️

https://www.instagram.com/reel/DX4L3NONX04/?igsh=MTdpdW0wbWJ3b3J2bw==

Ридли Скотт. Часть 3: Первый фильм в 39 лет. Сегодня его фильмы собрали более 10 миллиардов долларов.

К этому моменту у него уже есть все: своя компания, постоянный поток проектов, тысячи снятых рекламных роликов и репутация одного из сильнейших режиссеров в индустрии.

Он сам называл рекламу своей киношколой. Именно там, по его словам, он «научился думать через соединение образов» и понял, как создавать смысл через визуальный язык.

При этом путь в кино не был быстрым. Он пробует писать сценарий сам, делает несколько версий и в какой-то момент приходит к выводу, что это не его способ работы.

Позже он говорил, что это «свело его с ума», и он решил сосредоточиться на том, в чем силен - на режиссуре.

Параллельно его коллеги из рекламного мира начинают переходить в кино. Алан Паркер уже снимает свои фильмы и получает признание.

Скотт вспоминал: «Я захворал, когда узнал, что он уже снял фильм. Я не спал неделю».

Его первый фильм - «Дуэлянты».
Без громкого старта, но уже с тем подходом, который он выработал раньше.

История через образ.
Смысл через свет.
Эмоция раньше объяснения.

Дальше появляются фильмы, которые определяют его имя:
«Чужой»
«Бегущий по лезвию»
«Гладиатор»
«Марсианин»

Он не меняет способ мышления. Он переносит его в другой масштаб.

То, что раньше умещалось в 30 секунд, начинает работать в полном метре. Он по-прежнему строит историю через визуальные образы и атмосферу, а не через объяснение.

Позже он говорил, что именно в рекламе научился главному - как за короткое время создать ощущение и удержать внимание.

В его истории есть ещё один важный момент. Смерть его брата, Тони Скотта.

Они были не просто братьями.
Они вместе строили Ridley Scott Associates, вместе прошли путь от первых рекламных съемок до крупнейшей продюсерской компании, и все это время оставались рядом в работе и в жизни. Его смерть становится сильным ударом. После этого Скотт продолжает снимать еще больше - по фильму в год. Как будто еще яснее становится, что время - это единственное, что нельзя отложить.

После «Гладиатора» он получает «Оскар» за лучший фильм, возвращает в кино жанр исторического эпика и закрепляет за собой статус режиссера, который работает на уровне ощущений.

Дальше - новые проекты, новые масштабы, работа с крупнейшими студиями и актерами, но при этом тот же принцип: образ, атмосфера, эмоция.

История Ридли Скотта для меня - это не просто история чужого успеха.

Сколько идей вы откладываете, потому что «еще не время»?

Можно начать в 28 и рискнуть всем.
Можно начать в 39 и зайти в новую индустрию.
Можно продолжать, даже когда уже все доказал.
Вопрос не в том, когда начинать. Вопрос в том, что вы не делаете сейчас?

Ридли Скотт. Часть 2: две рекламы, которые индустрия признала одними из лучших в истории.

2 ролика, 40 и 60 секунд, которые в 1999 и 2006 признали лучшими рекламами всех времен.

Мы знаем Ридли Скотта по фильмам, но именно в рекламе он сделал то, что потом определило язык визуальной культуры. К этому моменту он уже снимает сотни роликов, но при этом отказывается играть по правилам индустрии, где реклама должна объяснять, убеждать и продавать напрямую.

Для него становится важнее не донести сообщение, а создать переживание, которое останется с человеком. Он убирает объяснение и оставляет ощущение, как будто у него в руках не рекламный слот, а полноценное кино, просто сжатое до предела.

Как он сам это называл - «30 секунд совершенства».

В 1973 году появляется ролик для хлеба Hovis, где почти ничего не происходит с точки зрения действия: мальчик медленно тянет велосипед в гору по старой мощёной улице, пространство наполнено светом и музыкой, и при этом в кадре нет ни текста, ни прямого сообщения.

И именно в этой тишине возникает перелом, потому что люди вдруг начинают чувствовать ностальгию по времени, в котором никогда не жили, и этот ролик перестает быть рекламой, становясь образом страны, за что позже его и признают лучшей рекламой Великобритании.

Спустя несколько лет ему позвонил Стив Джобс и предложил снять ролик для запуска Macintosh.

И здесь он снова идет тем же путем, только усиливает его до предела, выстраивая почти кинематографическую антиутопию, в которой давление системы сталкивается с одиночным актом сопротивления.

Ролик показали всего один раз во время Super Bowl, но этого оказывается достаточно, чтобы запустить цепную реакцию из обсуждений, новостей и внимания, которое невозможно было бы купить даже за огромные бюджеты, после чего его признают лучшим рекламным роликом всех времен.

В обоих роликах работает один и тот же принцип: не объяснять, а погружать, не рассказывать о продукте, а давать человеку прожить идею.

Он не снимал рекламу в привычном смысле, а сжимал кино до предельной формы, упаковывая в короткое время не информацию, а эмоциональный опыт, который запускает решение быстрее, чем успевает включиться рациональное мышление.

А что вы почувствовали, когда посмотрели эти ролики?

Какая эмоция появилась первой?

И что после этого вам захотелось сделать?

В 39 лет Ридли Скотт оставляет рекламу, в которой уже стал лучшим, и уходит в кино, начиная все заново, но уже с тем же принципом, доведенным до предела.

Что делает человек, который умеет за 30 секунд вызывать у вас чувства, но когда у него появляется два часа?

Об этом в следующем посте.

Ридли Скотт. Часть 1: мальчик, который был последним в классе.
Его фильмы знают все:
«Чужой». «Бегущий по лезвию». «Гладиатор». «Марсианин». Но мало кто знает, с чего это началось.

Север Англии. Военная семья. Отец почти всегда отсутствует, служба. Мать одна поднимает троих сыновей. Семья постоянно переезжает. За школьные годы около десяти школ. В классе Ридли последний.

«Я был на дне своего класса пять лет. Двадцать девять из двадцати девяти. И никак не мог понять почему. Может, я был немного дислексиком. Мне было скучно слушать учителя.»

Единственное, в чем он был первым - это рисование.

Мать заходила и спрашивала: «Почему ты не идёшь с ребятами?» Он отвечал: «Мне и так хорошо».

Родители думали, что с ним что-то не так. Но мама кое-что ему дала. Она любила кино и передала эту любовь сыну, каждую субботу они ходили в кино, неважно, что смотреть, Именно это поспособствовало развитию в нем насмотренности, не школа и не университет.

Он поступил в Хартлпульский колледж искусств. Потом в Королевский художественный колледж в Лондоне. Там расцвел, наконец, среди людей, которые думали как он. Потом - BBC. Стабильная работа, корпоративные правила. Карьера дизайнера и режиссера - все как надо, все правильно. Но правила его душили.

В конце 1960-х на все свои сбережения, без кредитов, он основал собственную компанию «Ridley Scott Associates». Снял здание на Лексингтон-стрит. Сам разработал планировку. Позвал брата Тони.

Шесть недель - и ни одного звонка. Они уже были готовы опустить руки. И в последний момент появился первый клиент.

«Я всегда был немножко ковбоем. Если учишься сам, то никогда не забываешь ошибок. Я своим трудом заработал эту возможность.»

Реклама стала его киношколой. Его словами. Именно так он ее и называл. Потому что именно там он научился главному - как уложить большую историю в маленький формат. Как создать ощущение быстро. Как заставить человека почувствовать что-то раньше, чем он успел подумать.

Есть ли в вашей жизни что-то, что вы делаете не потому что получается, а потому что не можете не делать?

В следующем посте я расскажу то, о чем почти никто не знает. Как мальчик с севера Англии снял две лучшие рекламы в истории человечества. И ему позвонил Стив Джобс.

Все ждали от нее хиты, а она погружалась в богословские книги.
Есть вещи и события, после которых невозможно перестать думать: как человек вообще это придумал? Концерт Rosalía один из них. Не технически. А внутри. Откуда эта идея или решение?

После успеха ее предыдущего альбома  все ждали продолжения: хиты, регги, электроника. Но вместо  этого она взяла богословские книги и два года читала жития святых. Искала женщин из разных культур и религий.

И родилось не просто шоу. Это путешествие через четыре состояния женщины.

Акт 1. Идеал.
Белая эстетика, пуанты, балет. Прямая отсылка к Дега и образ женщины как произведения искусства, созданного чужим взглядом. Хрупкая, красивая, управляемая.

Акт 2. Выход из рамки.
Образ меняется резко. Отсылка к картине Гойи «Шабаш ведьм». Черный наряд, все темнеет. Женщина становится неудобной, роковой, неуправляемой. Той, которую не получается поместить в раму.

Акт 3. Живая скульптура.
Снова белое, но уже не хрупкость. Отсылки к Венере Милосской. Женщина вышла из рамы и существует сама по себе.

Акт 4. История и власть.
Костюм «инфантадо» из картин Веласкеса, одежда 17 века, которую носили и мужчины, и женщины при дворе. В финале крылья, падение как Икар, и тихий уход с последней песней. Без поклона. Без триумфа.

О чем это?
На первый взгляд может показаться, что это рассказ об истории женщины. Но на самом деле она проживает на сцене вопрос: кто создает образ женщины и кто имеет право его разрушить?

Балерина Дега, ведьма Гойи, скульптура Венеры, придворный портрет Веласкеса. Это все формы, в которые помещали женщину, чтобы сделать ее понятной и управляемой. Rosalía проходит через каждую из них и выходит другой.

➡️Визуальный разбор всех образов по 🔗ссылке

Как дизайнер эмоций я вижу здесь четкую механику: когда все ждали больше, быстрее, громче - она дала сложность, тишину и требование внимания. Мозг получил что-то непривычное. И не смог забыть.

Три вопроса, которые стоит задать себе, исходя из пережитого опыта:

1. Что в вашем проекте делается потому, что «так принято», а не потому,  что вы так чувствуете?

2. Где вы даете людям то, чего они ждут, вместо того, что их удивит?

3. Какую вашу странную идею вы откладываете, потому что боитесь реакции?

Напишите в комментариях, какая ваша идея сейчас ждет своего момента?👇

Instagram: как отказаться от всего, во что ты уже вложился, и попасть в точку.

Более 2 миллиардов пользователей. Одно из самых скачиваемых приложений в мире. Миллионы фото и видео каждый день. В 2012 году Facebook купил Instagram за 1 миллиард долларов. За приложение, которому было два года. Сегодня Instagram оценивается примерно в 500 миллиардов долларов как часть Meta.

Я думаю, что почти каждый, кто делает продукт, хочет одного, чтобы им пользовались, много и массово.

Так же начинался и Instagram.
Его создатели, включая Кевина Систрома, шли по очень понятному пути- сделать «крутое» приложение, добавить функции, возможности, сценарии, чтобы человек мог делать все. И они это сделали.

Но люди не начали пользоваться.
Почему?
Потому что было сложно.
И вот здесь начинается самое важное.

У них не было идеи «сделать минимализм». У них была цель - сделать популярное приложение. И ради этой цели они начали внимательно смотреть на людей. Не на продукт, а на поведение.

И увидели очень простую вещь.
Люди делают фото и пытаются сделать его красивее. Всё! Не пользуются остальным.
В этот момент появляется решение, которое почти всегда самое сложное. Отказаться.
От функций, от времени, от денег, которые уже потрачены. Они убирают почти все и оставляют только:

сделать фото
сделать его красивее
выложить.

И здесь проявляется их настоящая идея - попасть в реальное состояние человека.
Человек хочет делиться, но чувствует себя недостаточно хорошим. Фильтр дает не эффект - он даёт разрешение:

Можно выложить.
Можно показать.
Можно быть увиденным.

И в этот момент всё начинает работать. Потому что продукт совпал с внутренним ощущением человека.

С точки зрения дизайна эмоций, здесь очень точная связка:

Неуверенность → улучшение → действие.

Человек сомневается - ему дают простой инструмент. Он делает шаг и возвращается.

А где вы сейчас держитесь за то, во что уже вложились?
Функции, идеи, решения, которые не работают, но жалко отпустить. И готовы ли вы это обрезать, чтобы попасть в реальную потребность человека?

Instagram вырос, потому что решился оставить меньше.
От чего вам нужно отказаться сегодня, чтобы ваш продукт наконец начали использовать?

Код популярности. Месси.

Папуа Новая Гвинея. Один из самых изолированных уголков на планете. Люди здесь живут так же, как жили сотни лет назад. Другой язык, другой мир, другое время.

И дети в майках Месси.

Я смотрела на них и думала, как? Как человек из маленького аргентинского городка Росарио стал настолько своим для людей, которые никогда не были на футбольном стадионе?

Месси не просто футболист. Он единственный в истории, кто выиграл восемь «Золотых мячей». Его Instagram 500 миллионов подписчиков. Это больше, чем население любой страны Европы. Майки с его именем продаются практически во всех странах мира.

Но все началось не с рекордов. Отец Месси привез своего тихого, маленького сына в Барселону в 2000 году. Мальчику было 13. У него был диагноз - дефицит гормона роста. Директор молодёжной академии Барселоны был так впечатлён Месси на просмотре, что не хотел его отпускать. Клуб согласился оплатить лечение и  подписал с ним контракт.

Мальчик, которому врачи сказали «не вырастешь», вырос. И стал лучшим в истории.
Восемь «Золотых мячей». Чемпион мира. Это не требует объяснений ни в Барселоне, ни на островах Папуа.

Маркетологи говорят про него так: нет рынка, где Месси не актуален. Нет континента, где его не знают.

Ребенок на острове в Папуа носит майку с именем человека, которого никогда не видел. Знает его имя, хочет быть как он и играет в футбол на земле, где нет электричества. Возможно, среди этих мальчишек уже есть тот, чье имя однажды будет написано на майках по всему миру.

Это и есть настоящая популярность. Когда история человека становится больше его самого.

Как думаете, почему история про человека, которому сказали «не вырастешь», цепляет людей на всех континентах?

Сегодня в моем запрещенограме простая , но очень полезная и интересная игра .
Подключаетесь - привезу из Папуа подарок самому внимательному и смелому ❤️

https://www.instagram.com/reel/DXk7LJmD4dk/?igsh=dzVqdzNucnhqdzgz

Schiaparelli: как найти свое и больше не соглашаться на «нормально».

•Основан в 1927 году
• Закрыт в 1954
• Возрождён в 2012
• Сегодня один из самых обсуждаемых домов высокой моды.

Я долго не могла найти бренд, который будет отражать меня. Я вообще не покупала бренды, носила no name. Потому что все, что я видела, было одинаковым. Красиво, аккуратно, но как у всех. И мне это не откликалось.

А потом я увидела Schiaparelli. Это была любовь с первого взгляда. Потому что это совпало со мной.

С тех пор каждый год я возвращаюсь на Вандомскую площадь в Париже и покупаю, несмотря на стоимость. Потому что каждая покупка - это про ощущение себя.

За этим стоит Эльза Скиапарелли.
У нее не было задачи делать красиво. Ее бесила одинаковость. Одинаковые силуэты, одинаковая «правильная» мода. И у нее была очень четкая позиция: я не хочу быть как все.

Она начала делать вещи, которые невозможно перепутать. Платье с омаром вместе с Сальвадором Дали, шляпы, которые выглядят как перевернутая обувь, одежду, которая больше похожа на искусство. Каждая вещь- это выражение.

Сначала это вызывало шок, потом разговоры, а потом происходило главное: кто-то видел в этом себя.

Бренд исчез на десятилетия, а потом вернулся. Даниэль Розберри не сделал «новую моду» - он вернул идею. Не быть удобным. Быть собой.
И поэтому это снова работает. Ты либо не понимаешь, либо чувствуешь сразу.

Здесь очень точная механика:
Идентичность → узнавание → выбор.
Ты не выбираешь вещь, а узнаешь себя.

Если перевести это в практику, то вопрос очень простой.
Вы делаете продукт, который нормальный для всех, или продукт, в котором кто-то скажет «это про меня»?

Schiaparelli сегодня снова формирует визуальный язык высокой моды, а его образы становятся вирусными и обсуждаемыми по всему миру.

Где вы в своей жизни все еще соглашаетесь на «нормально» вместо «это мое»?

Hello Kitty: как один простой рисунок оказался буквально везде.
Сегодня я в Папуа - Новая Гвинея. Мы приехали на остров к племени, где нет интернета, мобильных телефонов и электричества, почти нет связи, и вообще ощущение, что мир сюда доходит очень выборочно.

И вот что меня по-настоящему удивило. Среди белья, которое сушится на веревках, на майке у девочки, еще где-то в мелочах я несколько раз увидела Hello Kitty. И ни одного другого персонажа. В месте, где, казалось бы, не должно быть ничего «глобального».

И в этот момент я снова задала себе вопрос. КАК? Как персонаж без фильма, без громкой истории оказался буквально везде?

В 70-е дизайнер Юко Симидзу в компании Sanrio рисует очень простого персонажа. Это не просто кошка. Это девочка-кошка, маленькая, с бантиком и без рта. Это решение выглядит странно, но в нем половина успеха. Потому что она не говорит, что чувствует. И человек сам достраивает эмоцию.

Но дальше происходит то, что, на мой взгляд, и сделало масштаб. Они не остановились на «мы придумали персонажа», а начали думать, как он окажется в жизни человека.

Первое, что они делают - ставят ее на самые простые и дешевые вещи: кошельки, ручки, блокноты. То, что покупается быстро и без раздумий. Персонаж не ждет любви, он просто попадает в руки.

Дальше еще сильнее. Они начинают отдавать персонажа другим брендам бесплатно. Не закрывать его, а наоборот, распространять: одежда, аксессуары, разные категории. Чем больше точек контакта, тем быстрее рост.

И еще одно важное решение. Они не делают один громкий запуск, они делают ставку на повседневность, чтобы человек видел ее утром, днем, вечером. И в какой-то момент ты уже не помнишь, где увидел ее впервые. Но она везде. Даже на острове, где нет интернета.

Что здесь важно с точки зрения дизайна эмоций.
Они соединили три вещи: простота образа, возможность проекции и частота контакта. Человек видит, чувствует «свое» и начинает привязываться.

Подумайте не только о продукте. Подумайте о том, где и как часто человек с сталкивается в вами.
В какие простые, повседневные точки вы можете встроиться.
Где можно упростить первый контакт. С кем вы можете объединиться, чтобы быстрее распространиться.

Иногда рост не в масштабе одного действия, а в количестве маленьких касаний.

Hello Kitty - один из самых лицензируемых персонажей в мире: десятки тысяч продуктов, миллиарды долларов на лицензиях.

Где сегодня ваш продукт может появиться так, чтобы человек начал встречать его снова и снова, даже там, где вы этого не ожидаете?

Guinness: как один спор превратился в глобальную игру.

Мне очень нравятся истории, где все начинается с мелочи.

Не с «мы хотим изменить мир»,
а с момента, который можно было просто пропустить.

1950-е. Ирландия. Guinness.

Директор компании, Хью Бивер, сидит в баре. Разговор. Пиво. И вдруг спор: «Какая птица быстрее?»

Никто не знает. Все уверены.
И доказать невозможно.
И в этот момент происходит то, что для меня ключевое.

Он не просто участвует в споре. Он замечает сам факт. Люди постоянно спорят. И у них нет способа проверить.

Можно было посмеяться и забыть. Но он идёт дальше. Он решает создать книгу, где будут собраны ответы на такие вопросы.

И привлекает исследователей - Норриса Макуиртера и Росса Макуиртера.

Они начинают собирать факты, проверять, фиксировать. В 1955 выходит Книга рекордов Гиннесса. И происходит неожиданный поворот.

Люди начинают не просто читать.
Они начинают хотеть попасть внутрь. Соревноваться. Доказывать. Придумывать. Книга становится не справочником, а частью поведения.

☝️Что здесь важно с точки зрения дизайна эмоций.
Он заметил уже существующую эмоцию: желание быть правым, желание доказать, и превратил ее в систему.

Эмоция → спор → желание доказать → действие.

💡Как это применить?

Посмотрите на свою аудиторию.
О чем они уже спорят? Что хотят доказать? Где у них есть азарт? И подумайте, как это можно оформить в формат, где люди сами захотят участвовать.

📊Факты:

Книга рекордов Гиннесса - один из самых продаваемых справочников в мире. Миллионы экземпляров ежегодно. Тысячи новых рекордов каждый год.

❓Вопрос:

Какую уже существующую эмоцию своей аудитории вы можете превратить в действие?

Anyma — ещё один гений современности. Он не стал “ещё одним DJ”, он создал новое.

Anyma — это тот случай, когда человек не заходит в индустрию, он её перепридумывает.

Факты, после которых становится понятно, почему:
1. Это не просто DJ.
Это альтер-эго Matteo Milleri, выстроенное как отдельная цифровая сущность. Не артист, а персонаж.
2. Он не “делает музыку”.
Он строит вселенную, где каждый релиз — часть одной истории про человека и технологии.
3. Он первым сделал полноценный NFT-клип.
Не как эксперимент, а как новый формат искусства.
4. Его шоу — это не выступление.
Это иммерсивный sci-fi опыт, где визуал = смысл, а не декор.
5. Он работает с пространством, а не со сценой.
Например, в Sphere — это экран на 360°, который полностью окружает тебя.
Ты не смотришь шоу, ты находишься внутри него.
6. Его альбом Genesys — это не альбом.
Это концепция о цифровом сознании и будущем человека.
7. Он работает не “в жанре”.
А на пересечении: музыка, кино, digital-арт, AI.
8. Его визуалы синхронизированы с музыкой как код.
Поэтому ты не смотришь, ты проживаешь.
9. Он собирает артистов из разных миров.
И превращает это не в коллаборации, а в единый художественный язык.
10. Его рост — не из-за хитов.
А из-за идеи, которая оказалась сильнее формата.

И главный инсайт:
он не пытался стать лучше других.
Он сделал то, чего до него не существовало.

Скажи честно, ты бы хотел оказаться внутри такого опыта или тебе всё-таки ближе классический формат концерта?

Поставь реакцию или поделись постом , если тебе откликается идея не улучшать старое, а создавать новое.

Пикачу: как один человек вернул людям чувство игры

Факты.

Pokémon — самая прибыльная медиа-франшиза в мире.
Более 90 миллиардов долларов совокупного дохода.
Несколько поколений людей, которые выросли внутри этой системы.



Я часто думаю о том, что сильные идеи рождаются не из амбиций, а из потери.

У Сатоси Тадзири в детстве была простая радость.
Он ловил насекомых. Ходил по полям, искал, находил, обменивался с друзьями.

Это было про азарт. Про интерес. Про живое ощущение, что ты что-то открываешь.

Потом он вырос.
И этого мира не стало.

Города, асфальт, экраны.
Дети больше ничего не ищут. Они просто смотрят.

И у него возникла мысль, которая, как мне кажется, всё и решила.

А что если это чувство можно вернуть.

Не объяснить. Не рассказать.
А именно вернуть.

Он не делал «персонажа».
Он придумал систему, в которой человек снова начинает искать.

И сделал игру, где:
ты ловишь
ты собираешь
и ты не можешь пройти всё один

Тебе нужно общаться. Меняться. Взаимодействовать.

Когда вышли первые игры, случилось интересное.
Дети начали делать ровно то же самое, что он делал в детстве.

И уже внутри этой системы появился Пикачу.
Простой, понятный, живой.

Он стал лицом, но не был причиной.

Причина была в действии.

Потом всё выросло в огромную вселенную.
Игры, карты, сериалы, миллионы людей.

Но если убрать всё лишнее, останется одно.

Он вернул людям поведение.

Что здесь важно с точки зрения дизайна эмоций.

Эмоция сама по себе ничего не делает.
Работает связка: эмоция → действие.

Он не пытался вызвать ностальгию.
Он создал условия, где человек начинает действовать и через это чувствовать.

Как это применить.

Посмотри на свой продукт и задай себе вопрос.
Какое действие должен совершить человек, чтобы почувствовать то, что ты хочешь ему дать.

Не «что он должен понять», а именно «что сделать».

И как ты можешь это действие встроить.


Вопрос.

Какое поведение ты можешь запустить в своей аудитории,
вместо того чтобы просто пытаться вызвать эмоцию?

Here lies a woman/man who never even tried

Это фраза на надгробии от гениальной Анны Радченко

Это даже не про смерть.
Это про жизнь, которую не прожили.
Про идеи, которые были, но так и остались мыслями.
Про решения, которые можно было принять, но их отложили.
Про шаг, который хотелось сделать, но не сделали.

Эта мысль пришла ко мне после большого количества откликов на мой пост про Иосифа Бродского.
Про одну его сумасшедшую идею, которая продолжает жить даже после его смерти.

И я вдруг очень чётко увидела разницу.

Есть идеи, которые остаются в голове или на кладбище.
А есть, которые выходят в мир и начинают жить своей жизнью.

И вот это надгробие, как будто про первых.
Про тех, кто так и не сделал первый шаг.

Потому что почти у каждого есть что-то своё.
Своя идея. Свой проект. Свой следующий шаг.

И чаще всего разница не в таланте.
Не в деньгах. И даже не в возможностях.

Разница в том, что кто-то всё-таки делает.
А кто-то нет.

Я много наблюдаю за людьми, которые создают что-то заметное.
И каждый раз вижу одну и ту же точку.

Момент, где можно было не делать. Не рисковать. Отложить. Подождать.
И именно в этот момент кто-то делает шаг.

Я хочу начать здесь серию таких историй.

Каждый день я буду рассказывать про одного человека. Про одну идею.
И про конкретные действия, которые он / она сделали.

Как это вообще рождается.
Как это становится популярным.
И почему люди начинают вовлекаться и хотеть.

Это то, чем я занимаюсь.
Я называю это дизайном эмоций.

Когда ты создаёшь не просто продукт, а реакцию на него.
И эта реакция приводит к действию.

В каждом посте я буду показывать, что именно сработало и как это можно применить у себя.

Потому что можно просто читать и вдохновляться.
А можно взять и попробовать.

Я, если честно, за второй вариант.
Если тебе это откликается, напиши «я попробую».

И давай посмотрим, что изменится, если начать делать.