🎧eensxt music

Забыл добавить один очень важный момент, который от части и может быть связан с потерей этой радости.

Работа в джаз-клубе вынуждает тебя слушать много музыки как на живых выступлениях, так и для написания постов, текстов, статей, а теперь еще и для сценариев.

Ты вынужден искать новую музыку, тебе нужно слушать конкретные альбомы, но зачастую приходится делать это через силу, чтобы зацепиться за что-то, о чём можно рассказать.

Я пишу только о той музыке, которая цепляет меня в моменте, но иногда приходится cидеть часами, перебирая кучу альбомов, чтобы сделать хороший текст. Круто, что это стало моей работой, но всё равно как-то досадно, что иногда приходится себя заставлять.

Не говорю, что мне не нравится этим заниматься. Просто теряется когда-то очень важный для меня момент.

Как давно вы прямо готовились к прослушиванию музыки?

Знаю, вопрос звучит странно. Но я сейчас попробую объяснить, что я имею в виду

В последнее время я начал за собой замечать, что у меня пропало чувство эйфории от прослушивания музыки. Также я уже давно перестал ждать каких-то новых альбомов. Если что-то новое и выходит, то я скорее удивляюсь и без эмоций нажимаю на play.

Я почти всю музыку сейчас слушаю фоном. Когда работаю, когда куда-то иду, когда купаюсь. Сам процесс прослушивания стал скорее привычкой, без которой уже трудно себя представить. Хотя раньше я делал это по другому

Я помню, как судорожно ждал новые альбомы любимых групп и артистов. Я помню как прогулял 2 урока в школе, спрятался в гардеробе и сидел слушал ранний слив "IGOR" Тайлера. Помню, как пронёс телефон с наушниками на городскую олимпиаду по русскому, пряча проводные наушники за волосами, чтобы не спалиться на камерах, потому что сильно хотел послушать "One More Light" от Linkin Park, хотя они давно мне уже перестали нравиться. Я постоянно планировал прогулки так, чтобы максимально сильно проникнуться релизами. Выбирал районы, одежду под вайб, рассчитывал время так, чтобы уложиться в хронометраж альбома. Это всё было романтизированно, кончено, но приносило в разы больше эмоций, чем прослушивание после мыслей, — "О новый альбом от ..., надо чекнуть чё там".

Я понимаю, что я рос в эпоху расцвета вк, когда в России не было стримингов, не было такого количества медиа, которое даст тебе кучу подборок с нишевой музыкой. Я сам создавал себе свой собственный мир, в котором мне нравилось находиться. Кому-то я мог показаться хикой или дединсайдом, но мне нравилось. Я искренне кайфовал от всей новой музыки, что находил и мне нравилось создавать вокруг такого обычного действия целый ритуал.

Возможно, поэтому мне и хочется вернуть себе хотя бы часть этого ощущения. Я думал про винил: в нём есть физический ритуал, которого мне сейчас не хватает. У меня даже есть проигрыватель, но мои 17 квадратов не дают поставить его так, чтобы постоянно им пользоваться. Да и покупать новые пластинки регулярно довольно дорого.

Сейчас всё по-другому. Хочется вернуть себе эти эмоции, но в нынешнее время как-будто это сложно сделать. Всё так быстро меняется, выходит так много контента, появилась работа, которая тоже может выматывать. Нет времени строить себе воздушные замки, но иногда так хочется...

У меня у одного так или все сейчас так живут?

Я чёт какой-то кривой получился, но опыт мне понравился

Пилотный выпуск про ДЖАЗ от ДЖАЗ-КЛУБА 🎷

ЭССЕ в Ростове появился 5 лет назад. За это время у клуба появилась большая аудитория любителей джаза — людей, которые регулярно приходят к нам на концерты, интересуются жанром и слушают его самостоятельно.

Нам приятно видеть, как люди тянутся к джазу, узнают больше о его истории и открывают для себя новую музыку. При этом мы понимаем, что для многих джаз пока остаётся чем-то сложным и непонятным. Кажется, что это музыка «не для них».

Мы с этим не согласны.
Нам хочется показать, что джаз может быть понятным и интересным каждому.

Поэтому с этого видео мы начинаем свою образовательную миссию. В пилотном выпуске расскажем о трёх альбомах, которые могут изменить ваше представление о джазе.

Если вам понравилось видео — поддержите нас: поставьте реакцию и отправьте его друзьям 🤍
Так следующий выпуск выйдет быстрее!

Я кста иногда ещё постримливаю на своём твиче. Сегодня камбек после полугодовой перерыва. Кому интересно заходите


https://www.twitch.tv/eensxt?sr=a

#music
(2ч.) Мир, в который попадают другие люди

В 2008 году Flying Lotus основал Brainfeeder — лейбл, который постепенно превратился в отдельную экосистему.

Вокруг него собрались музыканты, которым тоже было тесно внутри привычных жанровых рамок: Thundercat, Teebs, Lapalux, позже Kamasi Washington и другие артисты, работавшие где-то между джазом, хип-хопом, электроникой и экспериментальной музыкой. У каждого был свой звук. Именно это и было важно.

Brainfeeder не пытался превратить всех своих артистов в одну группу с одинаковым почерком. Скорее он создал пространство, где разные музыкальные языки могли спокойно существовать рядом.

Тот же принцип работает и в коллаборациях Flying Lotus.
Kendrick Lamar появляется на «Never Catch Me». Thom Yorke — на альбоме Cosmogramma. Позже с ним работают Erykah Badu, Herbie Hancock, Solange, Anderson .Paak, George Clinton, Toro y Moi и многие другие.
Но интересен здесь не список имён.

Flying Lotus не обязательно приглашает музыканта, чтобы тот просто сыграл хорошую партию. Ему нужен конкретный голос, тембр или характер. Что-то, чего нет в его собственной палитре. Поэтому приглашённый музыкант приносит с собой часть другого мира, а Flying Lotus ищет для неё место внутри своего.

Так Brainfeeder стал продолжением его продюсерского подхода уже на уровне целой сцены. Он создал пространство, где музыканты могли оставаться разными, но при этом двигаться в одном направлении — исследовать, что ещё можно сделать с джазом, битом, электроникой и живым звуком.

В какой-то момент этот мир перестал быть только миром одного человека.

Музыкальный язык

И здесь становится понятнее, почему Flying Lotus так легко узнать. У него есть характерные приёмы: ломаная ритмика, тяжёлые барабаны, живой бас, странные сэмплы, синтезаторы, неожиданные гармонические движения. Но дело не в самих приёмах. Flying Lotus думает не жанрами, а звуком. Он может взять хип-хоповый бит, джазовый бас, электронную текстуру, голос и какой-нибудь совершенно бытовой шум и поставить их в одну композицию. Для другого продюсера это могут быть пять разных музыкальных миров. Для него — пять материалов.

Поэтому его музыка не звучит как попытка скрестить несколько жанров. Она звучит так, будто этих границ изначально не существовало. Cosmogramma — хороший пример такого подхода. You're Dead! идёт ещё дальше и превращает эту идею почти в психоделическое путешествие. На Flamagra мир становится ещё шире: там появляются десятки голосов, стилей и настроений, но альбом всё равно сохраняет узнаваемую логику Flying Lotus.

Это и есть его собственный язык.
Не набор определённых звуков, которые можно скопировать, а способ обращаться с ними.

В чём его феномен

Flying Lotus оказался человеком, который связал несколько сцен, существовавших рядом, но долгое время не обязательно разговаривавших друг с другом. Хип-хоп получил сложность джаза. Джаз получил эстетику современной электроники и битмейкинга. Электроника получила человеческую, почти импровизационную нестабильность.

А вокруг этого появился Brainfeeder и целая группа музыкантов, которые начали развивать похожую идею каждый по-своему.

Поэтому его влияние сложно измерять только собственной дискографией. Flying Lotus создал мир из звуков, затем населил его другими музыкантами, а со временем этот мир начал существовать уже по своим правилам.

Наверное, поэтому его музыка и сегодня ощущается немного инопланетной. Ты можешь разобрать её на барабаны, бас, сэмплы, синты и гармонию. Можешь узнать участников и проследить влияние джаза или хип-хопа.
Но после этого всё равно остаётся ощущение целого.

Ты находишься в мире Flying Lotus.
И, пожалуй, именно это сложнее всего повторить.

#music

(1ч.) Flying Lotus: как звучит собственный музыкальный мир

Иногда включаешь Flying Lotus и первые несколько секунд пытаешься понять, что именно слушаешь. Кажется, что начинается хип-хоповый бит, потом в него проваливается джазовый бас, где-то на заднем плане появляется электронный шум, ритм начинает ломаться, а мелодия будто существует сама по себе. Ты узнаёшь отдельные элементы, но не понимаешь, как они оказались в одной композиции.

А потом проходит несколько минут — и этот хаос уже начинает казаться естественным. Ты привыкаешь к его правилам. Понимаешь, где здесь грув, где пауза, куда движется бас. И самое интересное — всё это время музыка остаётся узнаваемой.

У Flying Lotus есть редкое свойство: он может собрать трек из совершенно разных музыкальных языков, но в итоге ты слышишь не джаз, не хип-хоп и не электронику. Ты слышишь именно его.

Поэтому мне нравится думать о Flying Lotus как о человеке, который построил собственный музыкальный мир. Сначала он собрал его из звуков. Потом в этот мир пришли другие музыканты. А со временем вокруг него появилась целая сцена — со своим лейблом, эстетикой и собственными правилами.

Мир из звуков

Стивен Эллисон, более известный как Flying Lotus, вырос в Лос-Анджелесе и пришёл в музыку из довольно необычной точки. Он учился в киношколе, стажировался на Stones Throw и параллельно писал собственный материал.

Большой ранний толчок ему дал Adult Swim. В 2006 году канал начал использовать его треки как рекламные отбивки, и Flying Lotus довольно быстро оказался в поле зрения более широкой аудитории.

Но уже тогда было понятно, что обычного битмейкинга ему мало.

Обычный битмейкер может взять сэмпл, нарезать его, поставить барабаны и получить грув. Flying Lotus часто делает следующий шаг: разбирает сам принцип грува на части. Барабаны могут внезапно сместиться, бас начать жить собственной жизнью, поверх появиться несколько мелодических слоёв, а затем вся конструкция на секунду развалиться и собраться. Из-за этого его музыка иногда больше похожа на поток сознания, чем на привычную песню.

И при этом за всей этой хаотичностью довольно много контроля.
Flying Lotus может начать работу с чего угодно: с сэмпла, кика, перкуссии или голоса. Важнее найти первый звук, вокруг которого начнёт развиваться композиция.

А дальше этот звук может превратиться практически во что угодно.
Сэмпл у него редко остаётся просто сэмплом. Его можно растянуть, порезать, исказить, наложить на другой звук, отправить через эффекты и снова использовать уже как новый элемент. Поэтому иногда невозможно понять, что именно ты слышишь: синтезатор, обработанный инструмент, полевой звук или кусок старой записи.

Это одна из причин, почему его музыка звучит так живо.

Flying Lotus как будто сначала собирает материал, а уже потом решает, какую форму примет композиция.

Джаз внутри этого мира

Flying Lotus часто называют джазовым продюсером, но это немного упрощает картину.
Он не пытается играть джаз средствами электроники. Его интересует скорее джазовый способ мышления: свобода внутри композиции, сложная ритмика, неожиданные гармонические движения, взаимодействие нескольких самостоятельных партий.

И здесь есть любопытная деталь. Flying Lotus — двоюродный внук Элис и Джона Колтрейнов.
Но его связь с джазом интересна не только семейной историей. Он не пытается напрямую продолжать эту традицию. Скорее берёт её принципы и переносит в другую среду.

Особенно заметно это на Cosmogramma 2010 года.
Одним из ключевых людей альбома стал басист Thundercat. Их сотрудничество вообще сильно повлияло на звук Flying Lotus и всей будущей сцены Brainfeeder. Живой бас на совместных композициях становится частью музыкально ландшафта, хотя чаще всего такие коллаборацие артисты делают как фишку альбома.

И это важный момент.

Для Flying Lotus джазовый бас, хип-хоповый бит и электронная текстура могут быть не разными жанровыми элементами, а просто разными способами двигать одну композицию.

Его музыкальный мир начинает расширяться.

продолжение ниже

Решил чуть поэксперименторовать с форматом. Не хочу делить текст на части, если есть возможность сделать такую штуку

#music #games

Мне всегда казалось странным, насколько хорошо мы помним музыку Dark Souls, учитывая, как редко она вообще звучит. Большую часть путешествия по Лордрану сопровождает тишина, и именно поэтому музыка получает возможность рассказывать то, чего игра не проговаривает напрямую. В этом тексте разбираю темы Арториаса, Сифа, Гвина и демонов Изалита и пытаюсь понять, как меняется их восприятие вместе с контекстом игры. А ещё — почему тема Храма Огня ощущается как возвращение домой и зачем Dark Souls вообще оставляет нас без музыки на большую часть путешествия.

Разбираемся в новом материале

Июль вообще вернул мне веру в музыку. Сразу 2 сильных альбома за месяц, которые ещё и придерживаются похожих принципов. Так ещё оба и фитанули друг с другом на своих релизах. Пока в чартах только нейро-песни такие работы очень вдохновляют.

#music
Мне очень понравилась Euphoria у Saluki

С Bolshie Kurtki у нас отношения не сложились. Я понимаю, почему именно этот релиз оказался самым успешным из последних. Он собран вокруг песен, которые легко представить в чартах, и, наверное, лучше остальных работает как набор потенциальных хитов. Но именно поэтому он показался мне самым безопасным альбомом Saluki.

Euphoria ощущается полной противоположностью.

Здесь Saluki снова мыслит альбомом. Его не хочется разбирать на плейлист — он работает именно как цельное произведение. Настроение постоянно меняется: холодная электроника, будто пришедшая из конца нулевых, сменяется почти летней эйфорией, а затем снова уступает место мрачным синтезаторам. При этом переходы не выглядят случайными — они складываются в одну историю.

Больше всего меня впечатлил звук. Сегодня электронная музыка снова переживает подъем, но возвращается она уже в другом виде. Отголоски Crystal Castles, Salem, хауса, UK Garage, техно и даже IDM здесь не воспринимаются как ностальгия по Tumblr-эпохе. Saluki использует этот язык по-своему, смешивая его с современным хип-хопом и собирая из знакомых элементов что-то новое.

Моментами альбом мне вообще напомнил мне Let's Start Here. от Lil Yachty. Не потому, что они похожи буквально, а из-за самого подхода. Рэп перестает быть центром композиции и становится частью общего звукового полотна. Продакшн здесь важнее привычной структуры из куплетов и припевов.

Появление Муджуса кажется абсолютно закономерным. Он давно стал одной из ключевых фигур авторской электронной музыки в России, и его участие ощущается как естественная часть этого альбома. Жаль только, что их совместной работы оказалось так мало — хотелось услышать больше.

Есть и очень личный момент. После рождения дочки Saluki написал для неё колыбельную. Мне вообще кажется, что каждый музыкант однажды должен оставить своему ребенку такую песню.

Если посмотреть на последние четыре релиза Saluki, становится заметно, что именно Bolshie Kurtki принесли ему самый громкий массовый отклик. Но самые интересные его работы, как мне кажется, рождаются тогда, когда он перестает думать о формулах успеха и начинает экспериментировать со звуком.

Мне вообще кажется, что Saluki в итоге запомнят не как автора самых больших хитов. Его главный талант — чувствовать, куда движется музыка. Он мыслит не жанрами, а звуком, и именно поэтому каждый новый альбом так сильно отличается от предыдущего. Euphoria только подтверждает эту мысль.

Про высказывание я, конечно, сказал громко. Но просто сам факт, что все эти мысли появились от первой большой работы двадцатилетного пацана, меня восторгает. По текстам альбом слабый, но они тут не главное, самое главное раствориться в звуке.

#music
тёмный принц — Militantum

Честно, вся СК-эйфория прошла мимо меня. Я включал эти релизы скорее из любопытства — хотелось понять, почему эта музыка настолько цепляет людей и за счёт чего работает. Но сам к ней так и не привязался. При этом мне всегда было интересно наблюдать, как развивается вся сцена и куда движутся её главные герои.

Альбом принца включил только из-за обложки. Я очень люблю Берсерка, а музыка Сусуму Хирасавы для аниме 1998 года — один из моих любимых саундтреков. Такой лобовой референс мог означать только две вещи: либо отсылка ради отсылки от нетакуси-нефора, потому что Берсерк это круто, либо попытка зацепиться за те же идеи и настроение. Мне кажется, что это всё-таки второй вариант. Принц заимствует не столько эстетику манги, сколько сам принцип, по которому работает музыка Хирасавы.

Ранний тёмный принц всегда ассоциировался у меня с подростковой энергией. Это музыка, которая существует почти на инстинктах: перегруженный звук, крик, бас, постоянное ощущение движения вперёд. В ней есть романтика, но это романтика человека, который ещё не научился разбираться в собственных эмоциях. Всё происходит одновременно, всё на максимуме, и именно в этом её сила.

На Militantum эта энергия никуда не исчезла. Изменилось другое — теперь она подчинена общей идее. Хаос больше не разваливает музыку изнутри, а становится её инструментом. Перегруз здесь работает как художественный приём, быстрые ритмы — как часть драматургии, а саунд ощущается не случайным набором решений, а цельной конструкцией. Пластинка по-прежнему агрессивная и эмоциональная. Просто теперь за этой агрессией чувствуется авторский контроль. Он уже не пытается удивить количеством энергии, а использует её как материал для большого высказывания.

Отсюда и ощущение масштаба. Приглашённые продюсеры, внимание к деталям, цельное звучание — всё это говорит о том, что качество здесь стало важнее мгновенного эффекта. Militantum не отказывается от корней СК-сцены, а показывает, какой эта музыка может стать, если перестать воспринимать хаос как самоцель.

#music

(2ч.) Интересно, что "Alfredo 2" показывает уже другую сторону этого дуэта.

Alfredo 2 не копирует первую часть, хотя сохраняет её основу. Вместо итальянской кухни появляется японская. Вместо пасты — рамен. Вместе с альбомом выходит короткометражный фильм, в котором Gibbs и The Alchemist управляют небольшой лапшичной и оказываются втянутыми в конфликт с якудза. Концепция меняет место действия, но не меняет своих принципов о целостности релиза.

Если первая часть во многом построена вокруг жёсткой эстетики бум-бэпа, то второй альбом звучит свободнее. Здесь заметнее стремление выйти за рамки привычного минимализма: появляются более мягкие аранжировки, соуловые оттенки и больше внимания к развитию композиций.

Это хорошо видно даже по гостям. На первой части появляются Rick Ross и участники Griselda — артисты, которые во многом стали символами современной версии мрачного бум-бэпа. Их присутствие идеально соответствовало атмосфере первого "Alfredo".
Во второй части появляются JID и Anderson .Paak. Оба музыканта давно работают на стыке хип-хопа, соула и живого исполнения. Особенно показательно участие Paak — артиста, который сделал живые инструменты важной частью современного звучания R&B и хип-хопа.

Получается интересная история развития. "Alfredo" начинается с холодного и минималистичного звучания, а "Alfredo 2" показывает, что этот мир может быть шире.

При этом оба альбома объединяет одна вещь — внимание к деталям. Название, обложка, тексты Гибсса, продакшен The Alchemist и даже подбор гостей работают внутри одной идеи. Здесь нет ощущения, что визуальная концепция появилась отдельно от музыки или что продолжение существует только ради повторения успеха первой части.

Именно поэтому "Alfredo" воспринимается как один из главных рэп-релизов 2020-х.
Это история не только о двух талантливых музыкантах, которые записали хороший альбом. Alfredo запомнился не только из-за сильных куплетов Freddie Gibbs или узнаваемых битов The Alchemist. Его сила в том, что все части альбома говорят на одном языке: криминальные истории Gibbs, минималистичный продакшен Alchemist, визуальная эстетика и продолжение этой идеи во второй части. Именно такие работы со временем становятся точками отсчёта для своих эпох.

#music

(1ч.) Если бы меня попросили назвать один совместный рэп-альбом 2020-х, я, скорее всего, выбрал бы "Alfredo". Не потому, что считаю его лучшим — такие споры редко к чему-то приводят. Просто именно с него, как мне кажется, будут вспоминать это десятилетие так же, как сегодня вспоминают Madvillainy, когда говорят о 2000-х.

У этого сравнения есть важная оговорка. Freddie Gibbs и The Alchemist не стали первым великим дуэтом рэпера и продюсера. До них были десятки проектов, которые вошли в историю. Но именно "Alfredo" оказался одним из тех релизов, через которые можно объяснять звучание своего времени.

К моменту выхода альбома оба музыканта уже находились на пике формы. Freddie Gibbs давно закрепил за собой статус одного из самых техничных рэперов своего поколения. После "Piñata" и "Bandana" с Madlib стало очевидно, насколько органично он работает с разным продакшеном. The Alchemist за это время превратился в одного из главных архитекторов современного андеграундного хип-хопа. Его дискография с Boldy James, Roc Marciano, Earl Sweatshirt, Action Bronson и другими музыкантами выглядит как отдельная история развития жанра.

Но именно в "Alfredo" их подходы совпали особенно точно.
Первое, что обращает на себя внимание, — насколько цельно здесь работает вся концепция альбома.
Название "Alfredo" появилось из соединения двух имён: Al от The Alchemist и Fredo от Freddie Gibbs. Уже после этого вокруг него появилась вся эстетика проекта. Обложка первой части переосмысливает знаменитый логотип "Крёстного отца": вместо марионетки появляется тарелка фетучини.

Эта отсылка работает не только как визуальная шутка.
Freddie Gibbs давно обращается к теме криминала в своих текстах. Его песни часто строятся вокруг воспоминаний о прошлом, денег, сделок, риска и людей, которым нельзя полностью доверять. При этом он редко превращает эту сторону жизни в красивую легенду. В его историях криминальная среда остаётся сложной системой, где успех всегда связан с последствиями.

Именно поэтому образ "Крёстного отца" подходит этому альбому. Это история не о романтике мафии, а о мире со своими правилами и внутренними конфликтами.

The Alchemist переносит это настроение в музыку.

Его почерк часто связывают с короткими сэмплами, соулом и джазом, но главное в его продакшене — чувство пространства. Он умеет строить треки вокруг минимального количества элементов, не перегружая композицию.

На этом фоне особенно хорошо раскрывается Freddie Gibbs.
Мой любимый пример — "God Is Perfect". Этот трек показывает его не только как рэпера с сильной лирикой и сложной рифмовкой, но и как исполнителя с уникальным чувством ритма. На первый взгляд инструментал кажется почти предельно сдержанным: повторяющийся сэмпл, спокойная ритмическая основа и минимум элементов.й. Но Gibbs полностью меняет восприятие этой основы.

Он постоянно играет с флоу: меняет длину строк, смещает акценты, ускоряет отдельные фрагменты и оставляет паузы. Благодаря этому даже минималистичный бит получает дополнительное движение. Его техника работает не ради демонстрации возможностей, а становится частью ритма самого трека.

Очень тяжёлый у меня выдался июнь. Я обещал пост-репортаж о поездке, но в процессе написания я понял, что не так уж и много событий происходило, о которых можно было бы интересно рассказать. Много было рутинных обязательств, которые требовали полного погружения в процесс. От того и было ощущение насыщенной недели и невероятной усталости по окончанию. При этом всём, я был ещё больной и многие вещи делал на автомате, не отдавая себе отчет о происходящем.

Единственный вывод, который я для себя сделал — это то, что я был причастен к масштабному событию, которое имело какой никакой, но резонанс у музыкального сообщества в Питере и Москве. Количество музыкантов (в основном из инди сегмента) и шишек из индустрии (директоров лейблов, менеджеров и просто медийных личностей) на концертах мой вывод только подверждало. Я не думал, что так много людей заинтересованы в джазовой и имправизационной музыке у нас в стране. В Ростове встретить человека, который будет со мной на одной волне, это целое событие, а в столицах обыденность.

По возвращению в Ростов, я был высосан и искренне не понимал, как работать дальше в рамках небольшого клуба, когда у тебя за плечами проект такого масштаба. Но сейчас, переварив все мысли, просто двигаюсь дальше. Уже в черновиках лежит несколько текстов, буду понемногу возвращаться в писательский режим. За июнь только выдавил из себя 5 полноценных статей, которые можно почитать в соцсетях Джаз клуба Эссе (в вк и дзене). Остальное время потратил на поиски вдохновения.

Канал не умер, не расходимся. Я просто дал себя время отдохнуть.