зелёный вигвам

magnólia – ternura e violência (2026)

Genres: screamo // midwest emo // post-rock // mall screamo // indie rock

Простите, что качество и количество постов просело – вихрь работы забрал абсолютно всё, оставив лишь сильную истощённость, но, надеюсь, в ближайшее время всё вернётся в прежний режим.

Ну а пока что – казалось бы, крайне обычный, но в то же время очень душевный и тёплый скримо-релиз от сравнительно неизвестной бразильской "bedroom skramz" группы magnólia. Изобилие мелодичных, местами уходящих в виндмильную инди-роковость (amar é assistir alguém morrer), а местами – в индитронику (canção de amor para amigos), пассажей, отлично соседствует с истошными воплями вокалистки Кару Фроскароли. Напряжённые пост-роковые билдапы, несмотря на некоторое стандартное для современного прочтения жанра гипериспользование, совсем не ощущаются фальшивыми, а вкидываемые то тут, то там драматичные речитативы, блэкгейзные риффы и постоянные игры с часто меняющейся динамикой песен, придают какую-никакую идентичность проекту.

Отдельный хайлайт – незапятнанный хитромудрым продакшном, гипнотически красивый чистый вокал Кару, логически связывающий разные части пластинки воедино. Периодически начинает казаться, что слушаешь какую-то архивную запись жизни какой-то давно покинувшей наш мир матери, то признающейся в любви своему партнеру и ребёнку, то взвывающей от боли по их безвременной утрате. В общем, фанаты скримо – не пропускайте.

Standout: moinho de vento
Highlights: canção de amor para amigos, temporada de amoras, sentença, desperdício de tinta, seja delicado por favor

Grade: ★★★★★★★☆☆☆ (7.0)

Emma Ruth Rundle – These Killing Times (2026)

Genres: singer-songwriter // slowcore // doomgaze // ethereal wave // alternative rock // contemporary folk

За 15 лет своей сольной карьеры Эмма Рат Рандл прошла большой творческий путь. После прорывного Marked for Death были пост-метальные эксперименты с Thou, исследования разных граней минимализма на фолковом Engine of Hell, ритуальном EG2: Dowsing Voice и нео-классическом Music From the Bella Vista. И вот, в 42 года, калифорнийка переосмысляет свои корни, параллельно рефлексируя о человеческом грехопадении в тонких отзвуках персональных экспириенсов.

Но упрекнуть исполнительницу в упрощении звука или лишения его былых смелых экспериментальных изысков язык не поворачивается. Эмма удивительно чутко находит баланс между своей заставляющей свербеть где-то в районе сердца, обезоруживающей энергетикой, ведомой сочетающим ранимость и силу голосом, и полученными в процессе поиска себя музыкальными знаниями. Результатом становится облачная пелена нежнейшего звука, переходящего от акустических переливов в плотные стены думгейза, из-за которой украдкой выглядывает экзистенциальная тяжесть, то и дело выхватываемая периферическим зрением.

И то, на как незримо и ненавязчиво вышеупомянутые переходы происходят, лишний раз подчёркивает огромный рост Эммы в качестве композитора. Чем-то напоминающий раннюю Кейт Буш перебор в Powerless прекрасно сочетается с следующим за ним опустошающим немногословным припевом, и когда похожий приём в Anvil дополняется эхо неторопливых слайд-гитар и дребезжанием клавиш пианино, These Killing Times окончательно сжимает тиски и затягивает глубоко в свой эмоциональный омут – чтобы не выпустить до самых последних гудящих аккордов экстатической Human Kindness, где певица с уставшей ухмылкой завершает свой манифест директивным 'Fall, human kind // I am full the milk of human kind'. Сильнейшее утверждение Эммы, и, кажется, мой любимый её альбом.

Standout: Human Kindness
Highlights: Powerless, Anvil, Catherine Wheel, Don't Delay Heaven, Enough

Grade: ★★★★★★★★☆☆ (8.5)

Colin Stetson & Brìghde Chaimbeul – All the Light in the World (2026)

Genres: post-minimalism // drone // scottish folk music // avant-folk

Музыка Колина, прославленного минималиста-саксофониста, никогда не грешила недостатком меланхолии, меняя свою форму от релиза к релизу, но сохраняя своё эмоциальное нутро. К схожим характеристикам тянулись и вдумчивые, пронизанные гулом волынки, зарисовки шотландки Бриды Чамбел, что позволило двум исследователям флуктуаций звуковых колебаний сходится как на проекте шотландки Carry Them With Us, так и стетсоновском When We Were That What Wept for the Sea.

Теперь, когда имена обоих гордо красуются рядом с All the Light in the World, можно не без удовольствия констатировать, что это крайне удачный союз творческих душ. Почти всю протяжённость пластинки переплетающиеся в мистическом танце высокочастотные скачки двух духовых работают исключительно в унисон, галантно уступая друг другу место под светом софитов, ни разу не сбиваясь с заданного ритмического рисунка.

Удивительно, как зимние канадско-шотландские пейзажи, выведенные парой, несмотря на общую свою нелюдимость и отрешённость, сохраняют человеческое лицо и единый мотив надежды, то и дело проклевывающийся среди остужающих морозом партий первым весенним подснежником. Там, где вышедший ранее в этом году Nethering, пытался продраться через мрак за счёт своих массивных выплесков энергии, All the Light in the World ищет спокойствие и тихий приют для преодоления неспокойных времён – и неплохо с этим справляется.

Standout: To Me, My Love

Grade: ★★★★★★★☆☆☆ (7.0)

Carmen Villian – Memoria (2026)

Genres: ambient dub // tribal ambient // post-minimalism // dub techno

Американо-норвежка Кармен Мария Хиллестад, оперирующая под псевдонимом Carmen Villian, к большому сожалению, остаётся весьма неизвестной даже в узких кругах. Тем не менее, завораживающий трайбал-эмбиент вышедшего в 2022 году Only Love From Now On определённо стал одним из самых интересных релизов небольшого скандинавского лейбла Smalltown Supersound, а свежая работа, Memoria, укрепляет уже освоенные позиции – и делает творческий шаг вперёд.

В центре звучания всё еще остался очень абстрактный эмбиент, на этот раз уходящий в сторону ревайвала пространного даба – недавняя диджейская коллаборация с корифеем британской электронной сцены The Bug явно не прошла мимо. Возникающие на фоне магических эхо переливов клавиш пианино, протяжных струнных и минималистичных духовых приземлённые техно-inspired ритмы придают всей пластинке какую-то необычную тревожность, происходящую не из дешёвого саспенса, создаваемого всё более и более диссонатными тонами, а лишь полунамёков на него, оставляя мозгу работу в виде дополнения частичной картинки.

Неудивительно, что главным концептом пластинки стало проигрывание звуков из воспоминаний внутри своей головы, попытки зацепиться за ускальзывающие образы когда-то услышанной музыки, и создание на их основе новых композиций, ранее никогда не существовавших в мире – похожие темы отпечатков памяти и их влияние на наше активное восприятие реальности также поднимались и в замечательном фильме Память Апичатпонга Вирасетакула, собственно, и давшего название альбому.

Но даже если опустить философские подтексты, поднимаемые пластинкой – это всё еще хороший эмбиент-даб альбом, никогда не уходящий в тотальную претенциозность ради претенциозности, а лишь предоставляющий своей пространностью много места для додумываний и интерпретаций, и стимулирующий делать этого своими неторопливыми, но крайне продуманными нежными, собранными с огромной заботой текстурами. Определённо пока что лучшая работа Кармен.

Standout: Entre Nosotros
Highlights: Memoria, Blue, Omriss

Grade: ★★★★★★★☆☆☆ (7.0)

HOLY SHIT!!!!!

Carissa Wierd, легендарная слоукор-группа, возвращается спустя 25 лет со своим новым полноформатным альбомом, Somewhere Further Than Far Away, выход которого запланирован на 8 января 2027 года. А первый сингл, No One Lives Here Anymore, уже тут. Очередной мастер-класс от аризонцев в изготовлении простых, но невероятно трогательных песен, ни прибавить, ни убавить.

Cyst – ᲘᲘ (2026)

Genres: experimental hip hop // wonky // boom bap // glitch hop // grime // post-dubstep // UK bass// trip-hop

С самых первых выпуклых взрывов басов Knackered, отдающих революционным для хип-хопа MAYA M.I.A., сразу становится понятно, что дуэт Шимуса Мэллиага и Дейзи Уорн, более известных как Iglooghost и BABii – невероятно удачная пара.

Не предоставляя каких-то крайне необычных идей, а лишь наследуя устаканившееся звучание своих сольных проектов, дебютный альбом нового коллектива прославленных представителей новой британской гаражной сцены становится коротким, но насыщенным путешествиям по угрожающим развалиться на куски цифровым полотнам, крайне непринуждённо умещающих в себе пост-дабстепную тревожность и параноидальность с заставляющей неуклюже двигаться шарнирами нижних конечностей вонки-основу.

Перемежающиеся граймоподобная читка Шимуса и удерживающийся в минимальной близости от витч-гаражного дышащий в затылок вокал Дейзи одними только подачами рисуют весьма антиутопичные картинки, а добавьте к этому невротичные, замысловатые биты, окрашенные исключительно в тёмные тона – и итоговый результат значительно превосходит сумму частей своей отрешённой харизматичностью. Ничего удивительно, что одним из главных источников вдохновения стали экспериментальные титаны Cannibal Ox. ᲘᲘ – прямая эволюция свойственного им футуристичного олдскульного подхода, во главу угла ставившего атмосферность, а не количество звуковых манипуляций; эволюция, впитавшая в себя все годы развития электронной музыки, прошедшие с тех пор. Выдающаяся работа, которая, на фоне перегруженности модернизированным странным хип-хопом, ощущается как внезапный глоток свежего воздуха.

Standout: Knackered
Highlights: Rabbit, Needle, Dog Shit, Infant, Echo, Keyhole

Grade: ★★★★★★★★☆☆ (8.0)

Julia Holter – Materia (2026)

Genres: art pop // chamber jazz // ambient pop // new age // ambient

Завершаем разбор новинок августа самой подходящей для плавного перехода в осень работой.

Materia был создан из оставшихся наработок, не вошедших в последний альбом американской звёздочки эмбиент-попа Джулии Холтер, Something in the Room She Moves, изысканных вариаций трека, ставшего наименованием свежего проекта. Каждое его мгновение таит в себе схожую энергетику колыбельной, обволакивающее плотной дымкой, изолирующей от внешней суеты и назойливых ежедневных проблем. Неторопливые, интимные размышления Холтер о жизни, одиночестве и любви, зашифрованные в несколько расплывчатой лирике, вьются отпечатками полузабытых сновидений, поддерживаемые такими же лёгкими и ненавязчивыми обрывками джазовых и поп-мелодий, лишь иногда приобретающих чёткие очертания за счёт плавно гребущей бас-гитары, становящейся импровизированным якорем для пластинки. В них очень хочется проваливаться поглубже в беге от громкого, агрессивного окружающего мира, как в тихую гавань – и очень не хочется вновь всплывать на поверхность. 'Обычный альбом Холтер' – скажет, возможно, кто-то. Да, но только вот Холтер совсем не обычна – очередная магическая, внеземная работа, дарящая успокаивающе согревающее ментальное пристанище всем, кто в нём нуждается в тёмные времена.

Standout: My Lost One
Highlights: The Laugh is in the Eyes, Fantasy, Materia 2, My Twin

Grade: ★★★★★★★☆☆☆ (7.0)

Sarah Davachi – The Will of Tongues (2026)

Genres: drone // holy minimalism // microtonal classical // choral

Хорошо известно, что после смерти клинической смерть истинная, смерть мозга, наступает не сразу. Ещё где-то минуту человеческому сознанию остаётся на понимание и принятие конечной точки, в которой оказался организм, прежде чем отпустить жизнь – раз и навсегда. От переизбытка активности большинство людей в такие моменты видят поток воспоминаний – резкий всплеск электрической активности, циркулирующий через центры коры головного мозга. А потом приходит прекращение борьбы, покой – и смирение. Именно эти моменты ненароком и запечатляет The Will of Tongues.

В год смерти королевы дроуна, Элиан Радиг, новая работа канадской органистки Сары Давачи, такие ассоциации напрашиваются сами собой. Монументальные 139 минут путешествия по пограничной, сумеречной зоне, выполненные протяжным гулом древних инструментов, варьирующих по своей интенсивности, и изредка разбавляемых стройным ангельским хором – что, если не месса? Утилизируя минимальные изменения тембра, вызывающих что-то среднее между приступом покалываний в сердце и ощущением неторопливых разгуливаний по пышно декорированным, но погружённым в туман бесконечным коридорам безымянного замка, у Сары получается создать свой сильнейший на настоящий момент материал, встающий в один ряд с произведениями Кали Малоун и Арво Пярта по уровню своей эмоциональной вовлечённости.

Музыка Давачи не развивается в привычном понимании этого слова – скорее, постепенно меняется само восприятие времени. Час здесь может промелькнуть незаметно, а несколько секунд одного особенно плотного созвучия растянуться до почти физически ощутимой бесконечности. И именно в этой способности лишать время его обычной направленности кроется, пожалуй, главное достижение альбома.

Тем не менее, несмотря на схожесть общих черт, The Will of Tongues никогда не ставит религиозную мистичность во главу угла. Это, скорее, звуковой аналог человеческой тяги к вере в какие-то высшие силы, которые смогут принести утешение даже в те моменты, где утешения найти совсем не выходит – отсюда и периодические хоральные этюды, никогда не перетягивающие на себя одеяло с одновременно аморфности и финальности основного музыкального полотна.

И всё же главное достоинство альбома, пожалуй, заключается в том, насколько органично Давачи удаётся собрать в нём, казалось бы, слишком многое для одной работы. Почти однотонный гул механистических прелюдий, переходящих в тонкие переливы билд-апов основных частей и меланхоличные стройные голоса – все эти детали могли бы распасться на несколько разных альбомов. Вместо этого Сара находит между этими вещами какую-то незримую духовную связь, из-за которой ни один из элементов не выглядит искусственным или зря добавленным. The Will of Tongues постоянно меняет своё лицо, оставаясь при этом удивительно цельным произведением – и именно эта цельная упоительная забвенность, а не его продолжительность или масштаб, делает его одним из лучших эмибент/дроун-альбомов года.

Grade: ★★★★★★★★☆☆ (8.5)

Mastodon – Marrow Deep (2026)

Genres: progressive metal // stoner metall // sludge metal

Я думаю, многим знакомо то чувство, когда боль настолько переполняет каждую частичку тела, что, кажется, всё, что остаётся – прыгать, кричать и биться в конвульсиях, только бы конвертировать эту энергию в какую-то другую, не сжигающую себя дотла в зловещем аутодафе. Mastodon воплотили это на деле, вложив опыт утрат – родных и близких людей, в свой самый амбициозный проект за последние пятнадцать с лишним лет.

Вся та чарующая мощь замысловатых, гипнотических риффов, перемежающихся с трогательными многослойными мелодиями, несколько трансформировавшаяся в неоднократные эксперименты со звучанием в поисках своей новой идентичности после Crack the Skye, возвращается с удвоенной силой на Marrow Deep. Пусть потеря Брента и не осталась незаметной, включение в состав прог-рок гитариста Ника Джонстона и клавишника Жоао Ногейры, наконец, совместило те элементы пазла, которые часто оказывались разбросаны по просторам предшествующих пластинок, позволив наполнить альбом увлектальными завихрениями сложных проигрышей, и вернуть ту первобытную ярость, с которой рвали всё на своём пути Remission и Leviathan.

Вместо различных влияний альт-метал коллективов, в самые нежные и уязвимые моменты пластинка дышит духом Dream Theater и Opeth в свои лучшие годы, не забывая при этом про, пусть и порой незамысловатую, но понятную и эмоциональную метафоричность. И даже когда Бранн весьма недвусмысленно выводит 'When you left you took our hearts and minds // All that I could find amongst the grime were memories', альбом не ощущается как эпитафия ради эпитафии, а эпитафия ради живущих – чтобы подняли свои головы и твёрдой поступью пошли впёред, ради тех, кто больше вперёд бок о бок идти не может.

И даже если Marrow Deep порой ощущается как компиляция лучших хитов, заимствуя все самые отработанные за годы существования группы трюки, он не ощущается вторичным или деривативным – передан лишь дух, а не заимствовано уже хорошо написанное. И постоянный синтез ранее не совмещённых в одном месте элементов даёт поистине сияющие результаты, придавая мегаломанским, остроконечным конструкциям человеческое лицо. Впервые за приличное время под сладж-версию Mastodon одновременно хочется и мотать головой из стороны в сторону со всех сил, и пролить скупую слезу – не последняя заслуга в этом у вездесущего Курта Балу (боже, он вообще в состоянии криво спродюссировать что-то?). Невероятно мощный, жизнеутверждающий альбом, к которому очень хочется возвращаться.

Standout: A Vampire's Demeanor
Highlights: Barbarians Blood, Poisonous Weapons, Your Ghost Again,
Snakes for Dinner, Out Like a Lamb, In the Ruins, Golden Spires, Moth and Bone, The Vanishing

Grade: ★★★★★★★★☆☆ (8.5)

Totalitär – Totalitär (2026)

Genres: d-beat // crust punk // hardcore punk

Различные воссоединения и камбэки в этом году, по ощущениям, происходят каждый месяц. Не обошел стороной этот тренд и легендарных шведских хардкорщиков Totalitär, распавшихся в далёком 2006 году. Одноименная новинка не содержит никаких следов старения или радикального изменения звучания – это все ещё плотнейший торнадоподобный хрустящий d-beat/краст-панк, где треки не превышают длительностью 2.5 минут, а техничность ограничивается парочкой случайность гитарных соло. Максимально прямолинейная и разгневанная вещь, сохраняющая дух классического Sin egen motståndare – а о большем мы и не просили.

Standout: Stolta barbarer

Grade: ★★★★★★★☆☆☆ (7.5)

Interpol – This Mirror Weighs a Ton (2026)

Genres: post-punk revival // dream pop // post-rock // art rock

После провальных Marauder и The Other Side of Make-Believe и потери Полом Бэнксом почти всех своих вокальных навыков для лайв-перформансов, строить какие-то ожидания от нового This Mirror Weighs a Ton было сложно – даже несмотря на многообещающие синглы. Но встряска в виде присоединения к группе двух новых участников – басиста Брэда Труо и клавишника/вокалиста Secret Machines Брнэдона Кёртиса, а также смена именитого продюсера Flood на работавшего с Lorde ко-создателя саундтрека к Барби Эндрю Уайетта, вдохнули в именитый манхэттанский коллектив вторую жизнь.

Идейно новинка будто бы стирает всё то, что было последние почти 25 лет, прошедшие с выхода Turn On the Bright Lights, наследуя, тем не менее, опыт множества ошибок и неудач, и возвращается в родную гавань – огромный Нью-Йорк, всё ещё такой же неприветливый и холодный, но теперь прошитый насквозь хитросплетениями оптических кабелей, окончательно занявших место городских артерий. Одиночество, всё растущее насилие и высокотехнологичная "тюрьма" нашли отражение как в лирике, так и на обложке пластинки, подчеркивая эволюционное развитие тенденций, заложенных ещё очень давно, но достигших абсолютно абсурдных масштабов.

Но если Turn On the Bright Lights был эпитомом безнадёжности, то This Mirror Weighs a Ton, несмотря на блёклые декорации, находит решимость в мрачные времена, раз за разом пытаясь взывать к стойкости человеческого духа: 'I think the sun can come up // Be the rain when blood gets in your eyes' на Ever the Actor, 'I try to own my fate on this road to silence' на Darling Thoughts, 'Alone with a whole world outside, beyond // I'll lead you there, I'll see you coming' на Bird and the Serpent. Такой лирике вторят намного более открытые треки, зачастую реминисцирующие о прежней клаустрофобной зажатости и самокопаниях, но крайне редко композиционно повторяющие путь именитого предшественника.

Помимо повествовательной зрелости Пола, разнообразие музыкальных пейзажей, на которое решился коллектив – главная сила пластинки. Так, одноимённая песня умело заигрывает с воздушными гитарными аранжировками, Iron City представляет мощную пост-панк балладу в духе PJ Harvey, риффы Wounded Soldier и Wake Up будто бы писал либо Джонни Марр из The Smiths, либо любой другой видный коллега из джангл-поп сцены той эпохи. Даже более стандартные по своей структуре See Out Loud и Wings on Fire добрали небольшой попсовости, не потеряв в своей драматичности, но сильно прибавив в части запоминаемости.

Конечно, перед нами далеко не идеальная работа. Вторая половина альбома порой уж слишком самозабвенна в своих театрализованных меланхоличных изысканиях, и в жертву для этого приносится начальная энергичная динамичность, но даже с таким отягощающим обстоятельством This Mirror Weighs a Ton – внезапно, самый цельный и вдохновлённый полноформат со времён дебютного Turn On the Bright Lights. Браво Полу и команде.

P.S. А почитать другое мнение можно в прекрасном обзоре от Леры на канале

Standout: This Mirror Weighs a Ton
Highlights: See Out Loud, Iron City, Wounded Soldier, Wings on Fire, Ever the Actor, Bird and the Serpent, Sudden

Grade: ★★★★★★☆☆☆☆ (6.5)

Floating Points & The San Francisco Ballet Orchestra – Mere Mortals (2026)

Genres: modern classical // progressive electronic // ballet // lowercase // totalism // techno // IDM

После успеха Promises, совместного проекта с одним из величайших джаз-саксофонистов, Фэроу Сандерсом, и Лондонским симфоническим оркестром, Сэм Шепард, работающий под псевдонимом Floating Points, окончательно закрепился в ранге самых интересных продюсеров нашего поколения. Впрочем, англичанин не торопился возвращаться в плоскость классической музыки, выпустив перед этим целую россыпь синглов и парочку альбомов, более привычную для своего раннего творчества, вновь залезая на территорию IDM и прогрессивного хауса. Тем не менее, слава Promises вышла на первый план с анонсом Mere Mortals, модернистского балета, созданного вместе с оркестром Сан-Франциско, заранее названного многими духовным сиквелом.

Но сходства двух работ, выпущенных с интервалом в 5 лет, пожалуй, ограничиваются только вовлечением классически обученных музыкантов. Вместо предоставления забвенного фона для пробирающих партий Сандерса, синтетические модуляции Сэма здесь выходят на первое место, создавая ритмический пульс для всего разворачивающегося действа. И действо тут, к слову, потеряло свою бесформенную абстрактность – сюжетной основой балета становится альтернативное прочтение мифа о Пандоре, руководствовашейся в случае Mere Mortals не детской наивностью, но исторически толкающей человеческое развитие вперёд любопытностью и тягой к экспериментам, ложащимися в основу обучения. Стиранию любых границ и предрассудков помогает введение в сюжет брата древней гречанки, помогающей ей открыть злосчастный ящик.

И конечно же для такой интерпретации не обошлись с добавлением современных смыслов – бьющаяся в броуновском движении Надежда, выпущенная на волю, стала аллюзией на бесконтрольное прикладное применение искуственного интеллекта и страх от последствий, к которым может привести наш неудержимый интерес. В этом контексте неудивительно, что самые тревожные части работы пронизаны зловещими, холодными пульсациями техно-битов, вычурно отдающими своим нечеловеческим происхождением. Да и в целом, несмотря на попытку представить обучение путём опыта с позитивной стороны, Mere Mortals почти никогда не покидает территорию дёрганного, нервного экспрессионизма и соноризма, идущих по стопам мастеров XX века – от Шёнберга и Берга до Стравинского и Пендерецки. Но как раз в такие, самые тревожные моменты синтеза двух противоположностей, естественных и искусственных, балет сияет больше всего – во время индустриальных ритмов Rage of the Gods, ритуальных скачек Pandora's Creation и громогласного воя Opening of the Jar.

И наконец, последним достижением пластинки является то, насколько чётко он вырисовывает контуры танцевального действа без дополнительным визуальной поддержки. Вся эмоциональная подоплёка, заложенная в произведении – от заискивающей незамутнённой доброты до окрашенных в тёмные тона ярости и гнева, прекрасно ощущается и так, проседая лишь в более растянутые моменты второй половины Mere Mortals. Это даже компенсирует некоторую избитость бесконечных обсуждений AI, в последнее время не выходящих из нашего поля зрения ни на секунду, подчеркивая, что проблема лежит не в бездушных машинах – а в нас самих, и в том, насколько далеко мы зайдем в нашем неутолимом голоде познания. Ну а Сэму точно стоит не останавливаться в работе бок о бок с классической музыкой – у него отлично получается.

Standout: Pandora's Creation
Highlights: Rage of the Gods, Zeus' Command, Pandora's Theme, Gift from the Gods, Falling to Earth, Her Gift, Opening the Jar, Nowhere to Land

Grade: ★★★★★★★☆☆☆ (7.0)

長谷川白紙 (Hakushi Hasegawa) – 素直な気持ちアルバム (Honest Feeling Album) (2026)

Genres: glitch pop // experimental // art pop // avant-garde jazz // deconstructed club // flashcore // breakcore // glitch // brutal prog // epic collage // post-industrial // j-pop

Кто бы мог подумать, что самый странный и обманывающий ожидания альбом года придёт из Японии. Никогда такого не было, и вот опять.

Начиная со своего дебютного вороха цифрового безумия в виде エアにに (Air Ni NI), Хакуши Хасегава, молод(ой/ая) артист(ка) из Токио, уже успели зарекомендовать себя как одну из самых интересных творческих единиц в экспериментальной поп-музыки. Настолько, что привлекли внимание Flying Lotus и были подписаны на американский лейбл Brainfeeder Records, ставший домом для Камаси Вашингтона и Ighlooghost. Для 素直な気持ちアルバム (Honest Feeling Album) Хакуши пошли ещё дальше – и объединились с расширенным лайн-апом авант-джаз-прогеров SMTK, что должно было добавить живые инструменты, и, в теории, несколько устаканить звук альбом, привязав его к какой-никакой стабильной ритмической основе. Но только в теории.

Открывающей 荊姫 (Little Briar-Rose) действительно на короткий период времени удаётся одурачить слушателя, заменяя сверхскоростные глитчевые беснования на вдохновлённый шибуя-ки танцевальный джаз-рок, ведомый трогательным чистым вокалом Хакуши. Но маска спадает, и 素直な気持ちアルバム (Honest Feeling Album) быстро принимает свою настоящую форму – перегружающего чувства хаотичного вихря из сходящей с ума ритм-секции, местами сохраняющую свою авант-джаз ориентированность, но то и дело разгоняющуйся до флэшкорных скоростей, оглущающих волн хаотичной электроники, и вокалоидного автотюна, который лишь иногда даёт композициям сформировать хотя бы какую-то отдалённо похожую на стандартную структуру.

Место, в принципе, находится целому вороху артистических идей – цирковым ритмам на きたれりルート (Gettinhereroute), трэп-битам на なんでなんでもかんでも一から十までいちいちいちいちいちいちいちいち言わなあかんねん (Why the Hell Do I Have to Say Everything From One to Ten Each Time Each Time Each Time Each Time), грандиозным слэкер-рок хукам на 蜜の主 (The Owner of Sweetness), выпуклым деконстрактед-клаб басам на 恩寵 (Grace), имитирующим мяуканье кота синтезаторам на 泥棒猫泥棒 (Thief Cat Thief) и Arca-подобным нео-реггетон ритмам на 窒息日記 (Suffocation Diary). Самое удивительное – каким-то образом, несмотря на постоянный эндорфиновый перегруз, такое экстремальное СДВГ-творчество прекрасно перетекает друг в друга, не позволяя каким-то отдельным трекам сильно перетягивать на себя одеяло. Как раз таки несовместимость всех импульсов, вложенных в 素直な気持ちアルバム (Honest Feeling Album), становится его главным объединяющим принципом. И искать за этим какое-то большое высказывание, кажется, тоже совершенно необязательно: музыка здесь существует здесь не для того, чтобы привести к какому-то выводу или что-то объяснить, а просто потому, что может существовать в таком виде. Как оказывается, этого может быть вполне достаточно.

Standout: 蜜の主 (The Owner of Sweetness)
Highlights: 荊姫 (Little Briar-Rose), 嘔吐 (Nausea), なんでなんでもかんでも一から十までいちいちいちいちいちいちいちいち言わなあかんねん (Why the Hell Do I Have to Say Everything From One to Ten Each Time Each Time Each Time Each Time), 我々不吉戦士 (We the Ominous Warriors), 恩寵 (Grace), 泥棒猫泥棒 (Thief Cat Thief), 窒息日記 (Suffocation Diary)

Grade: ★★★★★★★☆☆☆ (7.5)

Protomartyr – Sounds We Cannot Hear

Админ слёг с каким-то вирусняком, поэтому силы на полноценные обзоры, увы, пока отсутствуют. Зато использую это как возможность обратить всех внимание на вышедший уже приличное время назад дорогой сердцу анонс.

Блёклая поэзия Джо Кейси, сильно отдающая солипсизмом и обёрнутая в цветную обёртку, находящуюся в суперпозиции между нежным шуршанием и монументальным водопадом звука, за авторством уроженцев Детройта Protomartyr, уже давно является для меня одним из хайлайтов современной пост-панк сцены. И несмотря на пиковый Relatives in Descent, уже заходивший на территорию тотального отчаяния, группа не остановилась и пошла дальше, эволюционируя свой звук. Sounds We Cannot Hear – гениальный сплав вызывающей сильное ощущение свободного падения ритм-секции с разгорающимся из стройного бубнежа Джо вызывающим моментальное привыкание припевом, умещающим в себе увлекательно искривленные гитарные пассажи и мечтательные духовые с повторяющимися заклинаниями, знакомым почти всем: 'You got to earn the living // Just got to keep on leaving // Sound we cannot hear'. Невероятно вдохновлённая и вдохновляющая композиция.

Ну а Hotel Usona, с которого взят трек, выходит уже 25 сентября, и ожидания от него – высоки как никогда. И обязательно посмотрите клип – не пожалеете.

R.I.P. Долли Партон, золотые волосы и голос американского кантри.

Amenra – Mass III (2005)

Genres: atmospheric sludge metal // post-hardcore // sludge metal

Принимаю челлендж по теме выросших в глазах альбомов от Валентина oliverdead. И, наверное, выбор для следящих за контентом канала станет очень неожиданным. Постараюсь объяснить.

Впервые с объединением Church of Ra я столкнулся около 10 лет назад в виде Oathbreaker – в тот момент как раз вышла ставшей культовой Rheia – и абсолютно не проникся. Скорее всего, причина заключалась в какой-то подростковой неопытности: хорошо, когда всё заходится в эйфоричном вихре тяжелейшего наполнения, но без встречи с жизненными невзгодами эмоциональное содержание, которым буквально кровят альбомы бельгийского содружества, остаётся лишь смутным намёком, расшифровать который не удаётся.

Прошли годы, жизнь подарила свои испытания на прочность, музыкальные горизонты расширились, в том числе и на забвенный атмосладж великанов Isis, но понимания крайне неудобного творчества Amenra, косвенные встречи с которым начали заметно учащаться, так и не появилось. Косвенные встречи превратились в плотное ознакомление со всей дискографией – но движимое разумом, научным интересом, а не чем-то иным, так и остававшимся недосягаемым.

Но чем дальше заходишь в этот бессмысленный и беспощадный мир, чем больше песка перетекает в неумолимо продолжающих своё движение гигантских часах, тем больше внутри разгорается экзистенциальная злость, поддерживающая баланс между отчаянным бессилием и сохранением своего бытия. За последний год вся та неряшливая хаотичность, вся та безумная истошность, с которой обрушивается на тебя Mass III, наконец перестала вызывать желание воспринимать происходящее как какой-то фон, без борьбы отдаваясь этому стремительному, ломающему всё течению, заменив его на чистейший порыв вопить очищающим криком, вторя им рвущему связки Колину, не дать боли взять верх, и, наконец-то, отыскать себя в этом бурлящем смертоносном океане, смахнуть удушающую хватку боли, и плыть – к берегу, а не от него.

I carried my cross long enough
I wear my love like a crown of thorns

Передаю эстафетную палочку Metal Chicken, McLydy, Ash Statue, вещаю из дурки и SOUNDISOLATION.

Standout: Am Kreuz
Highlights: The Pain It Is Shapeless, Némelèndèlle, Le fils des faux

Grade: ★★★★★★★★★☆ (9.0)

Vinyl update #10

Совсем забыл поделиться европейским винил апдейтом! Планировалось сильно больше, но из-за глупости админа приходится довольствоваться одним – зато каким. RSD-пикчер-диск-издание не самого популярного, но не менее отличного альбома норвежцев Ulver, найденного среди тонны не очень интересной уцененки.