That Exploded! music

Gong - Angels Egg
(1973, Virgin)
progressive rock / psychedelic rock

Продолжаем слушать трилогию Radio Gnome Invisible. Сегодня у нас на очереди второй альбом из неё, центральный, как в трилогии, так и в раннем в творчестве Gong в целом.

В комментариях к рецензии на этот альбом на одном из англоязычных ресурсов написали, что "Angel's Egg" - это "Dark Side of The Moon" в альтернативной Вселенной. Разве что более лёгкий. Возможно, это громко сказано, но "Angel's Egg" определенно заслуживает внимания всех любителей прог-рока. На этом альбоме заметно больше композиций, чем на первой части - 14, по большей части коротких, вместо 6 на "Flying Teapot". Кроме того в составе группы произошли некоторые изменения (несмотря на то, что первые две части трилогии вышли в одном году) - пришёл басист Майк Хоулетт (Mike Howlett) и барабанщик Пьер Мерлен (Pierre Mowrlen). Таким образом, именно в период "Angel's Egg" окончательно сформировался классический состав Gong.

Альбом - очень искусный по технике игры и очень разнообразный инструментально. Каждый из треков строится на прочном каркасе мелодии, интересных вокальных партиях (иногда и вовсе неожиданных, как на "Prostitute Poem", например) и запутанных, причудливых джазовых импровизациях. И при всём этом в такую идеально выстроенную композицию альбома иногда вклиниваются песни в духе "Givin My Luv To You", сначала сбивающие с толку своей простой, ведь такую песню и, что самое интересное, именно в таком исполнении вполне можно было бы услышать на шумных посиделках в каком-нибудь баре. В общем, иногда можно и вовсе подумать, что слушаешь нечто вроде масштабной рок-оперы. Но это мимолётное ощущение, потому что уже в следующий момент осознаёшь, что композиции на альбоме едва ли можно связать какой-то общей линией. Скорее, то можно было бы назвать абсурдистской прог-рок оперой.

И в этом ключе, если вернуться к аналогии с параллельной реальностью, в ней, перевернутой с ног на голову, этот блестяще и не на шутку сумасшедшая пластинка вполне могла бы стать вторым "Dark Side of The Moon", в чём они определённо сошлись бы, так это в исключительной профессиональности исполнения и невероятном ощущении от прослушивания.

Gong - Flying Teapot
(1973, Virgin)
psychedelic rock / progressive rock

Третий студийный альбом культовой психоделической прог-группы, который открывает трилогию Radio Gnome Invisible. Альбомы этой трилогии являются очень важными для мифологии Gong.

Альбом был спродюсирован знаменитым импресарио Джорджо Гомельским, работавшим в том числе с Yardbirds, Брайаном Огером и Magma. Будучи относительно ранним релизом в дискографии группы, “Flying Teapot” (как и вся трилогия) представляет собой один из интереснейших альбомов Gong того периода, когда Дэвид Аллен руководил группой. Название пластинки очевидным образом отсылает к “чайнику” философа Бертрана Рассела. Однако не только к нему - но обо всём по порядку.

С музыкальной точки зрения “Летающий чайник” является записью предельно эклектичной. С одной стороны, здесь есть длинные джемовые треки и короткие экспериментальные зарисовки. С другой же, о музыкальном разнообразии говорит появление джазовых элементов в музыке Gong - таких как игра на саксофоне и иногда приджазованная ритм-секция. С третьей стороны, на этой пластинке нашлось место и необычным инструментам с абсолютно упоротыми названиями. Мы просто приведём тут некоторых из них: spermguitar, sidereal slideguitar, aluminium croonguitar, stumblestrum.

Так вот, та самая мифология Gong - это забавная коллекция повторяющихся персонажей и аллегорическим тем, которые пронизывают альбомы группы. Персонажи часто были основаны на чём-то, или использовались как псевдонимы для участников группы. Группы, история которой уходит к видению, которое Аллен испытал во время полнолуния на пасху в 1966 году. В этой мифологии также часты отсылки к производству и потреблению "чая". А это слово долгое время использовалось для описания каннабиса, особенно в 1940-50-х годах.

Richard Youngs - The Rest Is Scenery
(2016, Glass Redux)
experimental rock / folktronica / experimental folk

Сегодня слушаем один из многочисленных альбомов британского мультижанрового мультиинструменталиста Ричарда Янгса. Разберёмся, как из примитивного аккорда Em сделать концептуальный альбом.

О Ричарде Янгсе определенно стоит сказать несколько слов. Начавший играть на пианино ещё в раннем детстве, он постепенно отходил от классической музыки, привитой ему родительскими вкусами, и искал себя. Pink Floyd, Public Image Ltd., Cabaret Voltaire, Van Der Graaf Generator... Вдохновляясь этими музыкантами, Янгс начал записывать свою музыку. Он никогда особо не играл в группах, большинство его совместных альбомов - это дуэты, и редко когда выступал даже в родном Глазго, потому что все эти выступления были для него мучительно нервирующими. В его дискографии можно найти самые разные альбомы, от чистого экспериментала, фолка, прог-рока до акустики и а-капелла. В общем, складывается впечатление, что Янгс попробовал себя практически во всём.

Разбираться в дискографии Ричарда Янгса - не самое благодарное дело. Ну, скажем, "The Rest Is Scenery" - четвёртый альбом Янгса за 2016 год. Сам Янгс отшучивался в одном из интервью, что было бы странно столкнуться с человеком, который послушал все его записи. За свою творческую жизнь, а начал он в начале 90-ых, он выпустил такое количество сольных альбомов, EP, компиляций, что когда ты впервые открываешь его дискографию, испытываешь закономерное чувство замешательства. С какого из них начать? Без понятия. Но послушать предлагаем именно замечательный "The Rest Is Scenery".

Этот альбом сам Янгс назвал не особо техничным, зато очень концептуальным ("It’s high concept, low technique"). По идее Янгса, весь альбом строится на аккорде Em в разных его вариациях. Даже если это другие аккорды, то Янгс апеллирует к тому, что использует каподастр и пальцы у него всё равно стоят в той же позиции, в какой и на Em. И так композиционно альбом закольцовывается, тональность постепенно повышается от Em и снова возвращается к нему же на последней композиции. На словах это звучит примитивно, но включите альбом и вы поймете, насколько нетривиально и интересно можно развернуть такую, казалось бы, ограничивающую концепцию. Дополнительные инструменты, приглашённые вокалисты (Madeleine Hynes, Frances McKee, Sorley Youngs) - всё это очень оживляет альбом и делает его удивительно мелодичным.

The West Coast Pop Art Experimental Band - Part One
(1967, Reprise)
psychedelic rock / 60s

Первая полноценная пластинка группы психоделических безумцев из Калифорнии, группы с весьма необычной историей, группы почему-то не сыскавшей крупного успеха в своё время.

"Part One", будучи первым релизом группы на лейбле "Reprise", многими считается квинтэссенцией их творчества. Виной тому во многом является тот факт, что альбом был самым песенно-ориентированным во всей дискографии коллектива. И в то же самое время он был чрезвычайно странным - почти что на уровне "стилистической шизофрении". Однако когда ты углубляешься в его прослушивание, большая часть пластинки на проверку оказывается вполне привязчивыми поп-песнями длительностью 2-3 минуты. В те времена WCPAEB звучали довольно обычно - вполне талантливые и похожие на Byrds фолк-рокеры ("Transparent Day" и "Here's Where You Belong"). Или в некоторых моментах, как гаражная группа, близкая по звучанию к Kinks ("If You Want This Love"). А иногда даже можно услышать что-то ("Will You Walk With Me") близкое к барокко-попу. К слову, финальную песню ("High Coin") альбома сочинил и вовсе Ван Дайк Паркс.

Конечно, на альбоме не обходится без странной тревожности, а иногда и паранойи, хотя и место эта тревожность находит себе в приятных мелодиях. Как, например, на "Shifting Sands" с шипящими перегруженными гитарами; или на "I Won't Hurt You" с её басом-сердцебиением и отдалённым вокалом; и, наконец, "Leiyla", где в юношеский гаражный рок внезапно вторгается диалог, взятый откуда-то вроде вампирского фильма категории Б.

Завершить наш небольшой обзор мы хотим, акцентировав внимание на кавере на Фрэнка Заппу ("Help, I'm a Rock"), который всё-таки говорит о доле прикольной фриковости в музыке группы. А продолжает эту линию "1906", которая смахивает на саундтрек к кислотному бэд-трипу, с повторяющимся рефреном "I don't feel well". В общем, WCPAEB - однозначный must-listen для любителей психоделии. "Утерянная классика" психоделического рока.

C-Schulz & Hajsch - C-Schulz & Hajsch
(2000, Sonig)
ambient / field recordings / soundscape

Сегодня слушаем результаты того самого кёльнского экспериментирования, которым этот немецкий город славится среди многих любителей нетривиальной и авангардной музыки.

Карстен Шульц и Ганс-Юрген Шунк - одни из ключевых фигур на кёльнской сцене, которая для тех, кто непосредственно с ней не знаком, обычно сконцентрирована на A-Musik. Они старались держаться в тени и назвать их преуспевающими можно с трудом, но их влияние настолько велико, что имена музыкантов знакомы даже тем, кто не слышал их музыку. Оба играли в культовой кёльнской импровизационной группе Kontakta, вместе с Моникой Вестфаль, которая также приняла участие в записи этого релиза. Возможно более известные по участию в ремикс-альбоме "Reprovisers" группы Microstoria они прежде не делали совместных альбомов, но у обоих есть сольные пластинки на лейблах Entenpfuhl, Extreme и Quiet Artwork, соответственно.

На первый взгляд, треки на 'C-Schulz & Hajsch' - лишь коллажи, составленные из полевых записей, не-музыкальных звуков и акустических инструментов: преимущественно фисгармония и орган, но также и рог, флейта, кларнет, а иногда даже и гитара с фортепиано. Такой вот редуцированный набор музыкальных параметров. Оказывается, инструменты в итоге становятся довольно узнаваемыми. И мы не видим явных попыток скрыть различные источники звука. Вам может показаться, что ничего особенного, однако прислушайтесь. "C-Schulz and Hajsch" действует как нечто вроде компаса самих музыкантов. Компас, в соответствии с правилами его создателей, проводит слушателя через звуковой ландшафт, который сперва кажется знакомым... Но затем на каждом шагу раскрывает удивительную морфологию альбома.

И по мере того как завершается последний трек, он оставляет слушателя и после концовки настроенным на атмосферу альбома. А также позволяет своего рода внешней коде возникнуть из окружающей "тишины": ветер, бьющийся об окна, голоса людей из соседней комнаты и т.д. Вслушайтесь.

Esperanza Spalding - Exposure
(2017, Concord Records)
contemporary jazz / improv / jazz performance

Слушаем прошлогодний релиз одной из лучших джазовых вокалисток и бас-гитаристок Эсперансы Сполдинг. Альбом, придуманный записанный за 77 часов студийного перформанса в Лос-Анджелесе.

"Exposure" - релиз, про который интересно рассказывать почти в той же степени, в какой интересно его слушать. Это в своём роде альбом-эксперимент, альбом-вызов Сполдинг самой себе. Для многих имя Эсперансы говорит само за себя: она стала эталоном хорошего современного джаза не только для ценителей, но и для широкой публики, о чём можно судить хотя бы по четырём выигранным Грэмми. Поэтому вдвойне интересно, когда музыканты такого уровня идут на эксперименты.

"Exposure" трудно назвать традиционным альбомом, однако именно в нём воплотился, пожалуй, один из важнейших для джаза элементов - импровизация. Это наполовину перфоманс, наполовину студийный марафон: весь альбом был придуман, записан, аранжирован за 77 часов непрерывной работы в студии, которая вдобавок ко всему стримилась в Facebook Live. В творческом процессе, помимо самой Сполдинг, участвовали также певица Лала Хатауэй (Lalah Hathaway), не нуждающийся в представлении Роберт Глеспер (Robert Glasper) за клавишами и скрипач и певец Эндрю Бёрд (Andrew Bird). Зрители трансляции могли проследить, как создавался этот альбом от начала до конца, включая перерывы на еду, отдых и даже на сон. "Когда ты понимаешь, что всё, что ты делаешь - это лайв, ты не можешь останавливаться. Это ощущение открывает новый, более глубокий источник творческой энергии, который недоступен, когда ты знаешь, что завтра можешь попытаться ещё раз", - так описала этот процесс сама Сполдинг.

Альбом включает два диска. "Exposure" - непосредственный плод 77-часовой работы. Прекрасные джазовые композиции, много клавишных, гитары, баса, скрипок и вокальных переливов (женских, мужских, а иногда и совместных, как, например, на диалогичной "The Ways You Got the Love"). И второй диск "Undeveloped" включает записи репетиций и всего того, что не вошло на основную пластинку. Это скорее документальная запись.

Конечно, такая предыстория подогревает интерес к альбому. Стоит ещё добавить, что альбом вышел тиражом 7777 копий, которые были полностью раскуплены еще до того, как закончился лайв-стрим. И вообще-то по задумке Сполдинг этот альбом никогда не должен был появиться в сети. В эпоху дигитализованной общедоступной музыки почти что бунтарский шаг. Бунтарский, но не самый реализуемый, учитывая, что сегодня мы с вами можем послушать "Exposure", несмотря на то, что мы не из 7777 счастливчиков с записью.

Valgeir Sigurðsson - Ekvílibríum
(2007, Bedroom Community)
electroacoustic / experimental / icelandic

И снова Исландия! Слушаем дебютный сольный альбом продюсера и композитора Вальгейра Сигурдссона, работавшего с самыми различными музыкантами - от Брайана Ино до The XX.

Вальгейр Сигурдссон уже давно стал известен за пределами родной Исландии. И больше его знают, конечно, в качестве продюсера. Он среди прочих работал с Björk, Sigur Rós, CocoRosie, Bonnie "Prince" Billy, Brian Eno, Feist, The XX. Список более чем внушительный, не столько по количеству, сколько по уровню музыкантов. Помимо этого и продюсировал саундтрек к "Быть Джоном Малковичем" Спайка Джонза. При этом сольных релизов у Сигурдсонна не так много: на данный момент их всего три. Все они, кстати, вышли на собственном лейбле Сигурдссона Bedroom Community, который он организовал вместе с музыкантами Нико Мьюли (Nico Muhly) и Беном Фростом (Ben Frost).

Первая работа Вальгейра Сигурдссона получилась очень разнообразной не только в плане звучания, но и по тому, кого композитор пригласил к сотрудничеству. На "Ekvílibríum" в качестве вокалистов выступают Бонни Принс Билли (к слову, с ним Сигурдссон сотрудничал очень много и плодотворно), Дон Маккарти (Dawn McCarthy) из психоделик-фолк группы Faun Fables и Джеймс Уолкер, более известный по сценическому псевдониму Machine Translations. Кроме них в записи принял участие уже упоминавшийся Нико Мьюли, сыгравший на различных клавишных инструментах и барабанщик Samuli Kosminen из исландской группы múm.

Получился альбом на стыке электроники, акустики, фолка, местами и эмбиента ("Equilibrium is Restored"). Всё это в сочетании звучит очень органично. И в этой органичности звучания, текстурности звуковых слоев и их превосходном сведении и видится уникальный продюсерский талант Сигурдссона. Треки с вокалом и без чередуются, как бы расширяя пространство альбома. Более того, на нём очень тонко передано чувство равновесия. "Equilibrium" - это ощущение оторванности от земли, первозданной грусти и вместе с тем красоты.