Прищур

“Русский музей в ЗИЛАРТе. Шедевры искусства второй половины ХХ века. Дар Петера и Ирене Людвиг ” в ЗИЛАРТ: сходили, посмотрели, честно рассказываем

До 7 февраля в ЗИЛАРТ показывают коллекцию Петера и Ирене Людвиг, переданную Русскому музею. С 1995 года работы жили в Мраморном дворце, но целиком дар там никогда не выставляли. В Москву впервые приехало всё первоначальное ядро. Куратор — Александр Боровский.

Главная ценность выставки — сравнительная оптика. Редкая возможность увидеть срез одного времени сразу по нескольким странам. Американский поп-арт и гиперреализм, немецкие “Новые дикие”, Лейпцигская школа ГДР, кубинцы, выходцы из стрит-арта, московские концептуалисты — всё в одном пространстве. Когда работы одного десятилетия стоят рядом, видно, как по-разному страны переживали одно и то же время: какие темы всплывают, какие техники использовались, что художник считает возможным сказать вслух. Громких имен тоже достаточно: Уорхол, Бойс, Кифер, Базелиц, Кунс, Кабаков, Пивоваров. 

Однако разговоры про “шедевры первого ряда” лучше оставить за скобками. Общая комбинация производит впечатление довольно случайного набора, а присутствие отдельных авторов вызывает прямые вопросы. Вопросы вызывает и структура. Единой системы не складывается. 

В итоге: 1) выставка имеет хороший образовательный потенциал; 2) наши концептуалисты выглядят выигрышно, и не по касательной, а по существу — глубиной мысли, оригинальностью хода, тем, что за работой стоит продуманная позиция, а не приём.


“ЗИЛАРТ”, бульвар Братьев Весниных, 3. До 7 февраля 2027 года.

Читать в VK

@Leshukfoundation

В Кабинете печатного искусства ПиранезиЛАБ на Винзаводе открылась выставка графики Никона Филиппова «— И такое бывает». Мы всё посмотрели

Девять листов — девять «эпизодов, рождённых из чистой любви к рисованию». Так формулируют в самой галерее. Основа — фотогравюра, при этом каждый оттиск затем вручную и по-разному дорабатывается рапидографом и акварелью, и формальный тираж 1/10 на деле дает десять непохожих образов из одного. Работы стоит рассматривать медленно. Внутри сюжеты, которые не считываются с первого взгляда.

Автор работает над сюжетом постиндустриального пейзажа на границе обитаемости: краны, эстакады, дымящиеся трубы, странные капсулы на опорах, среди которых бродят маленькие безликие фигуры-свидетели. Названия серий («Побережье», «Охота», «Водопой», «Забор», «Осада» и др.) — словарь архаичных явлений, наложенный на индустриальные руины. Сам художник называет это «пост-постиндустриальной эсхатологией»: апокалипсис не как будущее, а как уже свершившийся факт.

Формально в листах сочетаются супрематические жёлтый, красный, синий, работающие в качестве источника света или зоны опасности внутри перегруженного штрихового рисунка. А в повторяющихся покадровых фигурах угадывается опыт Филиппова в качестве аниматора, выпускника ВГИКа.

В современном российском искусстве, когда станковая графика долгие годы остается на периферии внимания, радует, когда появляются художники, которые осознанно выбирают печатный лист. Работа Филиппова — проявление медленного, рукотворного жеста в отношении ценностей в эпоху изображений. 


До 17 октября 2026 года в Кабинете печатного искусства ПиранезиЛАБ (4-й Сыромятнический переулок, 1/8с21, ЦСИ «Винзавод», С1).

Фото: каталог работ выставки.

Читать в VK

@Leshukfoundation

Прошлись по коллаборациям Cosmoscow 2026 

18 проектов коллабораций бизнеса и брендов различных сегментов увидели посетители крупнейшего события в российском современном искусстве на прошедших выходных. Мы изучили арт-коллаборации брендов на ярмарке современного искусства Cosmoscow 2026, и вот что отметим:

1. Девелоперы научились работать с арт-коллаборациями давно, и стенды в этом году тому подтверждение. MR показал проект в духе паблик-арта, созданный совместно с архитектурным бюро .dpt. HUTTON представил интересную инсталляцию из линз Френкеля Виктора Полякова. Это наиболее зрелая и развитая сфера арт-коллабораций: девелоперы сегодня чаще других системно работают с искусством, паблик-артом и культурными институциями. 

2. Массовое потребление исторически довольно далеко от искусства, и бренды FMCG и ритейла ещё только учатся использовать этот инструмент. Однако движение к более сложным формам взаимодействия с искусством и культурой отметим. Перспективными, на наш взгляд выглядят кейсы, где искусство начинает создавать дополнительный эмоциональный и культурный слой вокруг повседневного продукта. Chupa Chups снова удалось выстроить эмоциональный контакт с аудиторией вокруг своего продукта, “Азбука вкуса” представила исполинский проект “Капустная дева” Алены Ахмадуллиной под кураторством Кати Бочавар, обратившись к этно-традициям. А “Мистраль” в этом году удачно обратилась к традициям земледелия и зерновых культур через проект-историю кураторов Полины Беловой и Марии Трунтаевой.

3. Банковская среда — одна из наиболее удобных для арт-коллабораций с точки зрения регулярного контакта с пользователем. На примере стенда Сбера (где представили ИИ-искусство фестиваля Гига-Арт и дали возможность зрителю самому создать арт) можно увидеть, что главный драйвер — борьба за молодую и активную аудиторию, плюс необходимость эмоционально отличаться от конкурентов. Банки, в целом, активно используют искусство для создания более современного и культурно насыщенного образа.

4. В fashion искусство наиболее естественно связано с идеей эмоциональной ценности продукта, сама логика индустрии уже построена на желании потребителя выражать свою идентичность через объект потребления. Искусство здесь легче превращается в полноценную часть продукта, а не только в рекламную надстройку. Lamoda показала мультимедиа инсталляцию «Примерочная Пигмалиона», созданную куратором Дарьей Тишковой совместно с диджитал-художницей Валерией Титовой. И этот кейс с точки зрения эмоциональной ценности был убедительнее, чем стенд 12 STOREEZ, на котором представили нового героя бренда.

5. Ценность коллаборации возникает там, где бренд допускает в продукт реальную художественную субъектность, а не использует арт как декоративную оболочку. Искусство помогает создавать идентичность и строить долгосрочную связь. А наиболее перспективными оказываются те сферы, где бренд уже работает не только с функцией продукта, но и с эмоцией, средой, идентичностью и опытом.  


Читать в VK

@Leshukfoundation

Перед стартом делового сезона немного летних наблюдений: приятно поразились, что Бали перерос статус просто пляжного направления, и на острове развивается арт-сцена. Рассказываем про Nuanu Creative City все, что увидели сами и узнали от архитекторов и создателей.

Нуану — креативный кластер площадью около 44 гектаров, на западном побережье Бали. В основе проекта — балийский принцип Tri Hita Karana (гармония человека, природы и божественного), который соединяется с современными технологиями и смелой архитектурой.

Что смотреть: Earth Sentinels — гигантские скульптуры южноафриканского художника Дэниела Поппера, ставшие визуальным символом Nuanu; Aurora Media Park — километровый маршрут вдоль реки с 8 мультимедийными инсталляциями; Labyrinth — иммерсивное пространство с показами на 360°, где традиционные балийские перформансы встречаются с технологиями. 

Для тех, кто хочет не только смотреть, но и создавать, есть Art Village. Здесь работают мастерские по дереву, бетону, ткачеству и плетению. В основе Art Village — ценности устойчивого развития. Здесь верят, что искусство способно соединять человека с природой, а работа с натуральными и переработанными материалами вдохновляет на более осознанный образ жизни.

Еще одно место для творчества, вдохновения, арт-терапии и по-настоящему живых впечатлений — это Rangkuman Gallery. Здесь можно увидеть множество артефактов со всего индонезийского архипелага: от Калимантана до Папуа. Каждый регион здесь рассказывает свою историю: Калимантан — резьба даяков, в которой переплетаются человек, животное и дух; Сулавеси — погребальные традиции тораджей и дома-тонгконан; Папуа — деревянная скульптура асматов, связанная с миром предков; Сумба — ткани икат с символическими узорами, рассказывающими истории; Ява — театр теней ваянг, музыка гамелан, храмы Боробудур и Прамбанан; Суматра — архитектура батаков и минангкабау, татуировки ментавайцев. Работы в галерее стоят от 500 000 до 625 000 000 индонезийских рупий. Найдется и сувенир на память и работа в коллекцию.

Читать в VK

@Leshukfoundation