На фотографиях пейзаж у храма кажется продуманным, словно каждая веточка, каждый камешек и отблеск на воде были тщательно подобраны рукой мастера. Но мастером выступала сама природа, а пагода нашла свое место в окружении, будто всегда была единым целым с ним.
Эта магическая атмосфера манит своим покоем и умиротворением. Особенно, если их так не хватает в душе.
Японская культура завораживает тончайшим чувствованием гармонии и баланса во всем. Ни одной лишней детали - все имеет свой смысл и свое место. Порядок, созданный с легкостью и естественностью, как сама природа.
Этому мастерству и глубочайшей философии хочется научиться.
Самобытность японской традиции объясняют периодом изоляции в ее истории, что способствовало ее сохранности.
Самобытность, если так посмотреть, неотделима от изоляции. Когда ты предоставлен сам себе, нет иных вариантов, кроме как создавать нечто уникальное, свое собственное, лишенное постороннего влияния.
И в этом я вижу исток мощного творческого ресурса. Порой есть смысл освобождать себя от внешнего, даже если кажется, что ты при этом что-то теряешь. Обрести при этом можно гораздо больше.
Пытаюсь разобраться, в чем отличие графики от живописи
Нередко направления делят по материалам: графические - карандаш, уголь, соус и т.д., живописные - масло, акрил и др. краски. Но есть материалы, которые в некоторых источниках приписывают и к графическим, и к живописным одновременно. К ним относятся особенно любимые мной акварель и пастель.
Если углубиться, то на определение направления влияет характер и способ использования материала.
В живописи цвет - основа. Пространство и формы создаются за счет цветовых нюансов. Волшебство живописных работ заключается в тональном богатстве, через которое передаются атмосфера и состояние изображаемой среды. Живопись цельна, слитна и направлена на передачу глубины.
Графика же более условна, даже декоративна. Цвет в ней используется скорее для акцента. Видны изобразительные средства: штрих, линии, пятна не стремятся сойти на нет. Графика не нуждается в глубине. Ее задача - выразительность.
Чтобы творческая деятельность стала профессиональной, нужно уметь представить свое творчество как оформленный проект. Рассказать, о чем оно. В чем его уникальность и идея.
Со временем ответ на этот вопрос меняется вместе с человеком. Меняется стиль, материал, сюжеты. Но неизменны остаются элементы, отражающие личность и характер художника.
Часто, даже если сам художник того не замечает, в его работах все равно прослеживаются повторяющиеся мотивы и характерный ему почерк.
Например, из своих работа я заметила, что не люблю резкие контрасты и яркие цвета. А если применяю их, то появляется драматический эффект, что тоже характеризует мою художественную манеру.
Благодарна за ценные мысли книге Анны Эгиды “Стань художником”.
…в сухой траве и ветвях, снявших первый покров снега, в текущей воде ручья.
Работа выполнена пастелью, в основном - штриховкой. Штрихи накладываются слой за слоем то темные, то светлые, благодаря чему формируется объем. В конце массу веток остается лишь подчеркнуть бликами и местами углубить тени.
С первым днем весны!
Пастель, 32,5х25см.
По уроку из курса Елены Таткиной “О чем молчат деревья”.
Побывала на МК по свечеварению в мастерской "Люпярис". Изготовление свечи оказалось простым, приятным и вдохновляющим занятием. Декорирование и тонкости подбора аромата погрузили в атмосферу магической лаборатории. Дали почувствовать себя немного алхимиком, немного волшебником. А еще напомнили, что скоро весна.
Всегда удивительное чувство - пробовать нечто новое. Ты будто вырываешься из замкнутого круга и вмиг тебя наполняет множество свежих идей и творческое вдохновение.
Думаю, сколько бы признания не получило произведение, сам художник крайне редко назовет свою работу совершенной. Как бы визуально красиво не выглядела картина, создатель все равно будет знать о ее технических неточностях.
Можно посчитать это самокритичностью. Но мне такой подход кажется основой творческого пути и становления.
Несовершенство работы дает вектор для улучшения следующих произведений - уже с учетом предыдущих ошибок. А значит, у художника есть пространство для роста.
Например, некоторые свои ученические рисунки я переделываю на второй раз. Вот одна из таких переделанных работ с курса Елены Таткиной “От графики до пастели”.
Стремление к совершенству - основа развития художественного мастерства. Но достижение идеала означает, что дальше стремиться некуда. Поэтому важно замечать все - как плюсы, так и минусы работы.
За прошедшее время успела попробовать себя в роли росписчика: расписывала деревянные сувениры и новогодние игрушки.
Роспись, в отличие от живописи в привычном понимании, относится к декоративно-прикладному искусству. И рассчитана на создание визуально-красивого декоративного изделия. В ней ценится не художественная экспрессия, а четкость и аккуратность.
Если по натуре ты живописец, то от точной и внимательной росписи быстро устанешь. Но опыт я получила ценный. Роспись игрушек подтягивает руку, взращивает уверенность в движениях.
К тому же, занимаясь новогодними игрушками, успела поймать праздничное настроение, чего и вам желаю❄️☃️
