нешкола совриска

Ингэ Бесген (Германия/Нидерланды)

Начала путь в искусство в 50 лет. Художественные школы Германии отказывали ей из-за возраста, но её приняли в Rietveld Academie в Амстердаме, которую она окончила в 54 года лучшей в классе. О ней снят документальный фильм «Every Line Becomes A Circle».


Катарина Риппель (Германия/Великобритания)

Училась в Central Saint Martins в зрелом возрасте. В 2025 году получила первую премию Cass Art Award в категории «65+» за картину «Бассейн», исследующую стирание памяти. Её путь в искусство начался после 60.


Карол Дуглас (Великобритания)

Поступила в художественную школу в 66 лет. После выхода на пенсию она прошла годичный курс Foundation в Йоркском колледже, где была единственной взрослой студенткой среди сотен 18-летних. В 2024 году её выставка «Actually I Can» прошла в Yorkshire Sculpture Park.


Изабелла Дюкро (Италия)

Серьёзно занялась искусством в 50 лет. До этого много путешествовала с мужем, собирала текстиль и антиквариат. Сейчас ей 94 года, и она ежедневно работает в студии, используя японскую бумагу и красители. В 2024 году её работы выставлялись в Дижоне, Лондоне и Нью-Йорке, а также стали фоном для показа Dior.


Салли Габори (Австралия)

Художница-аборигенка, прожила 91 год.

Она начала заниматься живописью в возрасте около 81 года, когда ей впервые предложили краски на занятиях в художественном центре на острове Морнингтон. До этого она не держала кисть в руках и не имела представления о современном искусстве.

Салли Габори называют одной из самых значительных австралийских художниц XXI века. Её работы находятся в крупнейших музеях мира.

На фото вверху: Салли Габори

Почему необходимо учиться в любом возрасте.

Вопреки старым представлениям, мозг не перестает меняться после 25 лет. Современные исследования подтверждают: способность к обучению (и, соответственно, к образованию новых нейронных связей) сохраняется на протяжении всей жизни.

Обучение в зрелом возрасте — это не просто «тренировка памяти», а создание уникальной архитектуры опыта.

В искусстве - особенно. Возраст в искусстве — часто не ограничение, а ресурс.

Вот лишь несколько современных художников 50-90+, которые продолжают учиться. И shame of you, если вы молодой художник, а на учебу забили.

Продолжение в следующем посте.

А если вы хотите узнать, к чему это все привело и что произошло как с китайской фотографией так и с китайским современным искусством «после Раушенберга», то приходите на мою бесплатную открытую онлайн-лекцию, которая состоится ровно через месяц – 15 октября 2026 г.

Она будет называться «Падение и взлет современной китайской фотографии: 1976-2026 год».

Разумеется, ближе к этой дате будет отдельный анонс и откроется регистрация. Но если вы не хотите пропустить как этот анонс, так и саму лекцию (кстати, я разыграю на ней два моих зина) можете написать мне прямо сейчас, и я приглашу вас лично. ✍️

Одна из главных работ, показанных Раушенбергом на ROCI China 1985, представляла собой гигантский 30-метровый свиток, состоящий из 52-х фотографий, сделанный им на цветную пленку. Он снимал их во время своей первой поездки в Китай в 1982 году. Эта работа получила название «Китайский летний павильон» («Chinese Summerhouse»).

И если на его коллажи и ассамбляжи китайская публика смотрела с искренним удивлением, граничащим с шоком (многие отнеслись к его искусству как к слишком уж радикальному), то его фотография «зашла» практически всем. Несмотря на то, что в ней не было ничего традиционно «красивого» - просто какие-то случайные фрагменты повседневности: стена, телефон, развешанное белье , витрины магазинов, и так далее.

Китайский зритель увидел в этом документ, правду. А еще поэзию. В китайской прессе эту работу так и назвали – «документально-поэтической».

Ну и конечно дополнительные очки у китайской публики Раушенберг набрал формой этой работы, которая отсылала к традиционному китайскому горизонтальному свитку.

Совершенно неожиданно мое исследование истории китайской фотографии привело меня к исследованию роли американского художника Роберта Раушенберга (Robert Rauschenberg, 1925-2008)
в истории китайского современного искусства.

Если коротко, в 1985м году он привез в Китай свою выставку ROCI China, которая не просто произвела фурор (за несколько дней её посетило 300 000 тысяч человек), а буквально перепрошила мозги китайских художников. Которые вдруг осознали, что у искусства нет границ. А то, чему их старательно учат в художественных академиях, – день даже не вчерашний, а позавчерашний.

С этого момента китайское искусство разделилось на эпоху «до Раушенберга» и «после Раушенберга»: авангардные художественные группы стали появляться в Китае как грибы после дождя.

Но сегодня про фотографию. Я продолжу в следующем посте.

#совриск_на_ночь Наш новый тэг и новая книга для тех, кому надоело залипать перед сном в телефоне.

Оссиан Уорд. «Искусство смотреть. Как воспринимать современное искусство».

«Искусство смотреть» — практическое введение в восприятие современного искусства, построенное вокруг метода TABULA: терпение, ассоциации, бэкграунд, усвоение, повторный взгляд и анализ.
Уорд предлагает начинать не с попытки угадать «правильный смысл» произведения, а с внимательного наблюдения: задержаться перед работой, описать собственную реакцию, затем изучить контекст и снова посмотреть на неё.

«Первый навык, который поможет вам пробраться сквозь джунгли современного искусства, — это умение смотреть на каждое произведение, как будто вы впервые сталкиваетесь с чем-то подобным».

В книге также разбираются разные художественные стратегии и формы — от живописи и скульптуры до инсталляций и медиаискусства.

Не стоит воспринимать эту книгу как академическую теорию, скорее это тренировка зрительского внимания. Она помогает преодолеть страх «не понять» современное произведение и показывает, что личная реакция — не ошибка, а отправная точка анализа.

Метод Уорда удобен именно своей простотой и практичностью и отлично подойдет как для начинающих зрителей и посетителей музеев, так и для тех, кто хочет осознаннее говорить об искусстве.

нешкола совриска pinned «Приглашаем посмотреть запись встречи 9 сентября 2026, на которой состоялась открытая онлайн-презентация образовательного проекта НЕШКОЛА.АРТ и представленных на ней авторских курсов: Юлия Павлова, курс «Фотография и исследование», старт 5.10.26 Вика Буковская…»

Приглашаем посмотреть запись встречи 9 сентября 2026, на которой состоялась открытая онлайн-презентация образовательного проекта НЕШКОЛА.АРТ и представленных на ней авторских курсов:

Юлия Павлова, курс «Фотография и исследование», старт 5.10.26

Вика Буковская, курс «Автор после автора», старт 26.09.26

Екатерина Васильева, курс «Современное искусство Европы 2026 - 4 сезон», старт 21.10.26

Олег Колимбет, курс «Другая фотография: Китай», старт 10.11.26

Записаться на каждый из этих курсов можно по прямым контактам авторов, указанных на сайте проекта.

Сегодня в рубрике #некиноповыходным «Un Chien Andalou» («Андалузский пёс») (1929) — немой короткометражный фильм Луиса Бунюэля и Сальвадора Дали, манифест сюрреализма.

Фильм задумывался как удар по привычке искать в кино логические связи. Сценарий был написан за неделю и родился из двух сновидений:

• об облаке, рассекающем луну, — как бритва глаз (Бунюэль)
• о руке, кишащей муравьями (Дали).

Название выбрано случайно — оно ничего не значит.

«Андалузский пёс» — эксперимент над зрителем. Фильм проверяет, насколько мы готовы видеть образ без немедленного превращения его в объяснение.

https://youtu.be/W8yKT7H_KJ0?si=zjtK_W0Y-axeSO1b

⁉️ Зачем снимать типовую водонапорную башню, которую можно найти в каждом втором городе? Какой смысл фотографировать старые дома культуры, которые встречаются буквально в каждом селе? Почему вообще необходимо фиксировать на плёнку, казалось бы, ничем не примечательные строения?

🗓️ Об этом мы поговорим с Игорем Волковым 6 сентября, в воскресенье, в 17:00 в Выставочном зале. На лекции «Ценность в объективе: зачем фотографировать архитектуру?» речь пойдёт о том, в чём ценность и красота типовых зданий, какие сложности возникают при их поиске и съёмке, как фотография помогает сохранить нематериальное наследие, когда физические строения находятся под угрозой.

💌 Игорь Волков — фотограф и автор канала «Незаметная окраина», в котором он рассказывает о своей огромной коллекции фотографий типовых зданий из разных регионов страны, сделанных на пленочную камеру.

Приходите познакомиться с творчеством Игоря Волкова и поговорить о том, что фотосъемка архитектуры может рассказать об истории конкретного места.

📍 Лекция проходит в рамках трека «Архитектура» параллельной программы к выставке «Улица Есенина. От первого лица».

🔶 Вход — 400 рублей.

Наши коллеги из команды проекта «Улица Есенина» с 22 августа по 4 октября проводят выставку современного рязанского искусства, объединившую 54 автора - рязанских художников, жителей с их воспоминаниями и горожан-создателей зинов на основе личных историй, связанных с улицей Есенина.

В рамках выставки (Рязань, ул.Есенина, 112) проводятся лекции и мастер-классы, которые могут быть интересны многим, в том числе жителям Москвы (2,5 часа на электричке) и Питера (чуть дольше на поезде). Анонс одной из таких лекций – в следующем посте.

1-й день Красненькой антибиеналле за 30 секунд.

Завтра 2-й, приходите.

Уже через пару часов в Питере под мостом на пересечении пр.Жукова и Морской Пехоты открывается Красненькая антибиеналле. Не посетить нельзя!

нешкола совриска pinned a photo

9 сентября в 20.00 (мск) состоится открытая онлайн-презентация нового образовательного проекта в сфере современного искусства нешкола.арт

Зарегистрироваться можно по этой ссылке.

На встрече свои авторские курсы, стартующие этой осенью, представят визуальные художники и кураторы: Екатерина Васильева, Вика Буковская, Юлия Павлова и Олег Колимбет.

Так же вы узнаете, как проект нешкола.арт помогает расти и делиться: художникам — найти вдохновение, поддержку и нужные знания, авторам — собрать единомышленников и запустить свои курсы.

Продолжительность - 1.5 часа.

Ждем вас. До встречи!

Продолжая тему образования в сфере современного искуства мы приготовили для вас главную новость этой осени - открытие образовательной платформы нешкола.арт.

Это наш собственный проект, целью которого является объединить преподавателей авторских курсов (независимых практикующих художников и кураторов) - с одной стороны, и всех, кому могут быть интересны их курсы, их опыт - с другой. Помочь им найти друг друга.

Подробности можно будет узнать на отрытой онлайн-презентации проекта. Афиша и ссылка на регистрацию - в следующем посте.

Вы знали, что The Museum of Modern Art несколько лет назад запустил на Coursera бесплатный курс «Что такое современное искусство?» (What Is Contemporary Art?)

В оригинале он записан на английском, для слушателей доступны субтитры на русском языке. Программа полноценно погружает в современную арт-среду: искусствоведы и культурологи знакомят слушателей с различными течениями в современном искусстве, такими как стрит-арт, перформанс и активизм. А художники из разных стра: Колумбии, Индии, Словении или Руанды — на примере значимых для современного культурного процесса работ рассказывают о разных художественных подходах к искусству, насущных проблемах и вопросах, которые ставит наше время.

https://www.youtube.com/watch?v=g3yxC3hNWIo

Practice-led research и Practice-based research. В чем разница?

Practice-led research (или исследование, ведомое практикой) - это когда вы не просто творите, а пытаетесь лучше понять сам процесс творчества, свои методы и контекст. Главный результат — новое понимание практики. Процесс здесь важнее результата . Основной фокус не на финальном артефакте, а на документировании всего пути: поисков, ошибок, рефлексии.

Practice-based research (исследование на основе практики) работает по другому. Базой для исследования здесь служит творческий артефакт. Вы создаете работу (выставку, инсталляцию и т.п.), а затем пишете теоретическое обоснование, где этот артефакт является главным "доказательством" вашего открытия .

Проще говоря:

· Practice-led — исследую процесс творчества.
· Practice-based — создаю объект, который исследую.

Оба подхода активно применяются в ведущих мировых арт-школах.

Особенно первый:
- Студенты пишут аналитические работы о своем процессе
- Много экспериментируют с материалами и техниками
· Документируют каждый этап: ведут скетчбуки, дневники, ведут фото и видеофиксацию экспериментов.
· Обучение строится вокруг решения конкретной творческой задачи, а не заучивания правил .
· Студенты работают с актуальными социальными, культурными темами

Этот подход идеально подходит для подготовки художников, способных генерировать новое знание, а не просто копировать увиденное .

А вы бы хотели так учиться ?

На фото: LASALLE College of the Arts (Сингапур): Входит в топ-70 мира по арт-образованию . Делают ставку на "practice-led research".

↓
Кто же не знает Виллема Дафо (Willem Dafoe). Но мало кто знает, что он не только актер, снимающийся в блокбастерах, но еще и реализует свои персональные проекты в экспериментальном театре и перформансе - в среде, где граница между актёром и художником размыта.

У него много совместных проектов с режиссёрами-визуалами. Как например эта короткометражка "MWC" (режиссер Jack Davison).

Кроме того, Дафо регулярно участвует в арт-событиях, таких как Венецианская биеннале ( он курировал театральную программу)

Но и это еще не все - он рисует. В интервью он говорит о своих скетчбуках и о рисовании как ежедневной практике, о том, как рисование помогает ему «думать глазами».

Но Дафо не позиционирует себя как художника-живописца и не выставляется в каких-либо серьезных институциях. Его визуальные работы чаще существуют внутри перформансов, видео, коллабораций, а не как самостоятельные объекты в галерее.

Что не делает их менее прекрасными.

https://www.youtube.com/watch?v=x6ToJ-N_0r8

#некиноповыходным.
LA TORTA (2019) | Gabrielle Gregoire, Olivia Lawson (Италия) | 2мин50с

Победитель фестиваля Flickerfest SAE FlickerUp 2021
Финалист фестивалей: Paris International Short Festival 2021, Roma Short Film Festival 2021

Синопсис: молодая женщина отправляется в увлекательное путешествие, чтобы выразить благодарность Матери-Земле.