Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

После 30, 40 или 50 уже поздно становиться художником? Вот несколько цифр 🎨

В искусстве существует устойчивый миф: если к 25 годам вы не построили карьеру, значит, уже опоздали. История искусства показывает совсем другое.

Anna Mary Robertson Moses, более известная как Grandma Moses, серьезно занялась живописью примерно в 77 лет. До этого она десятилетиями работала на ферме и занималась семьей. А уже в 80 лет у нее прошла персональная выставка в Нью-Йорке. Она продолжала работать почти до самой смерти в 101 год.

Carmen Herrera родилась в 1915 году и десятилетиями писала картины практически без коммерческого успеха. Свою первую работу она продала только в 89 лет. Позже ее произведения попали в коллекции MoMA, Tate и Whitney Museum.

Еще один знаменитый пример — Louise Bourgeois. Она занималась искусством десятилетиями, но настоящая музейная известность пришла значительно позже. В 1982 году, в 70 лет, MoMA организовал ее первую большую ретроспективу. Она стала первой женщиной, которой музей посвятил такую выставку.

А Alma Thomas десятилетиями работала учителем искусства. На пенсию она вышла в 69 лет и только после этого смогла полностью сосредоточиться на собственной живописи. В 1972 году, когда ей было 80, Whitney Museum организовал ее персональную выставку.

Почему возраст иногда даже помогает?

Потому что художнику нужен не только навык рисования. Ему нужен материал для разговора. Работа врачом, бухгалтером или дизайнером, материнство, переезд, отношения, потери, другая культура — все это может стать основой художественной практики.

И образование тоже не обязательно получать в 20 лет. В магистратурах по искусству можно встретить людей, которые приходят туда после совершенно другой карьеры.

В искусстве 40 или 50 лет — совсем не обязательно конец карьеры. Иногда это только ее начало.

Если вы художник, фотограф, дизайнер или просто хотите разобраться в современном искусстве, приглашаю на мою бесплатную онлайн-лекцию.

4 октября • 19:00 (МСК)

Регистрация — по ссылке ТУТ

это магазин Gentle Monster в Корее, один из самых модных магазинов, которые часто коллаборируют с художниками, в том числе и в десертах.

@Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Christine Sun Kim: как показать звук, если ты его не слышишь?

На первый взгляд работы Christine Sun Kim могут показаться странными схемами: линии, музыкальные знаки, короткие фразы, графики и огромные рисунки на стенах. Но практически за каждым таким изображением стоит исследование звука и общения.

Christine родилась в 1980 году в Калифорнии, она американка корейского происхождения и сегодня живет и работает в Берлине. Художница глухая с рождения, а ее родной язык — американский жестовый язык.

Для нее звук — это не только то, что можно услышать. Это еще и вибрация, движение тела, пространство и отношения между людьми.

Например, в работе *How to Measure Loudness* она буквально превращает понятие громкости в рисунок. А серия *Degrees of Deaf Rage* рассказывает о ситуациях, с которыми глухие люди сталкиваются в повседневной жизни, образовании, путешествиях и мире искусства.

Масштаб ее карьеры уже очень серьезный.

В 2025 году Whitney Museum в Нью-Йорке организовал первую крупную музейную ретроспективу Christine Sun Kim — *All Day All Night*. Она охватывала период с 2011 года и включала рисунки, живопись, видео, скульптуры и огромные настенные работы. Выставка заняла пространства сразу на нескольких этажах музея.

Один из необычных проектов — *One Week of Lullabies for Roux* (2018). Художница попросила нескольких музыкантов создать колыбельные для ее дочери. Получилось произведение, в котором материнство, звук и глухота существуют одновременно.

И здесь интересно другое: цена работы — далеко не единственный показатель успеха художника. У Christine Sun Kim гораздо показательнее масштаб институций. Whitney посвятил ей обзор всей карьеры, а ее искусство рассматривается не просто как «искусство о глухоте», а как разговор о языке, власти и о том, кто получает возможность быть услышанным.

Поэтому после знакомства с ее биографией странные линии и музыкальные обозначения начинают восприниматься совершенно иначе.

А вы смогли бы понять ее работы, ничего не зная о самой художнице?



Если вы художник, фотограф, дизайнер или просто хотите разобраться в современном искусстве, приглашаю на мою бесплатную онлайн-лекцию.

4 октября • 19:00 (МСК)

Регистрация — по ссылке ТУТ

PKM Gallery: как куратор создала одну из главных галерей Сеула 🇰🇷

Продолжаю серию о корейском арт-рынке. На этот раз — PKM Gallery, основанная Park Kyung-Mee в 2001 году.

Ее история отличается от многих классических историй арт-дилеров. Park Kyung-Mee пришла в бизнес из профессиональной кураторской среды и работала с крупными художественными проектами. В 2004 году она была комиссаром Корейского павильона на Венецианской архитектурной биеннале. Сама галерея к этому моменту существовала уже около трех лет.

🌍 Один из важных моментов произошел в том же 2004 году: PKM стала первой галереей из Южной Кореи, приглашенной на Frieze. Позже она начала регулярно участвовать в крупнейших международных ярмарках — Art Basel, FIAC, The Armory Show и других.

За 25 лет работы PKM собрала довольно серьезный список художников. Среди корейских имен — Yun Hyong-keun, Yoo Youngkuk, Chung Chang-Sup, Suh Seung-Won, Koo Jeong A и Cody Choi. Из международных художников галерея показывала Olafur Eliasson, John Baldessari, Dan Flavin, Carsten Höller и Claes Oldenburg.

📍 Интересны и цифры самой галереи. Ее нынешний комплекс в районе Самчхондон в Сеуле занимает 893 м², из которых 397 м² — выставочные пространства. Высота потолков в главном здании достигает 5,5 метра. В 2018 году рядом открыли дополнительное пространство PKM+.

Галерея пробовала развиваться и за пределами Кореи: в 2006 году открыла площадку в Пекине, а в 2008-м — еще одно пространство в сеульском районе Чхондам. Позже проекты были объединены вокруг основной площадки в Сеуле.

И международная деятельность продолжается: например, на Art Basel 2026 PKM представила отдельный проект художницы Young In Hong, работающей со скульптурой, текстилем, звуком и традиционными техниками плетения.

Какой из этих трех путей кажется вам самым интересным?

@Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Gallery Hyundai: как девушка из гостиничной галереи стала одним из главных арт-дилеров Кореи 🇰🇷

Gallery Hyundai — одна из старейших и наиболее влиятельных галерей современного искусства Южной Кореи. В 2025 году ей исполнилось 55 лет.

Ее основательница Park Myung-ja пришла в искусство сразу после школы. Более 7 лет она работала в небольшой галерее при сеульском отеле Bando, куда часто заходили иностранные дипломаты и путешественники. А в 1970 году, когда ей было всего 27 лет, она открыла собственную Hyundai Hwarang в районе Инсадон.

Самое интересное — выбор направления. В то время сеульский рынок был во многом сосредоточен на традиционной живописи и каллиграфии. Park Myung-ja сделала ставку на современное корейское искусство. Через галерею широкая публика знакомилась с работами Lee Jung Seob, Park Soo-Keun, Kim Whanki, Lee Ufan, Park Seo-Bo и Chung Sang-Hwa.

Галерея довольно рано начала выходить и на международный рынок. В 1987 году она стала первой корейской галереей, участвовавшей в зарубежной художественной ярмарке, представив корейское искусство в Чикаго. Позже здесь проходили выставки Joan Miró, Marc Chagall, Jean-Michel Basquiat и других мировых художников.

Сегодня у Gallery Hyundai два пространства в Сеуле и отдельная площадка в Нью-Йорке. А в сентябре 2026 года она участвовала во Frieze Seoul с работами Kim Tschang-yeul и Seung-taek Lee.


Если вы художник, фотограф, дизайнер или просто хотите разобраться в современном искусстве, приглашаю на мою бесплатную онлайн-лекцию.

4 октября • 19:00 (МСК)

Регистрация — по ссылке ТУТ

Какие цвета стоят миллионы на арт-рынке? 🎨💰

Может показаться, что цвет — слишком простая характеристика, чтобы влиять на стоимость искусства. Но некоторые оттенки действительно связаны с художниками и работами, которые ставили огромные аукционные рекорды.

🔴 Красный

Лучший пример — Mark Rothko. В 2012 году его *Orange, Red, Yellow* продали на Christie’s за $86,9 млн при оценке $35–45 млн.

А в мае 2026 года *No. 15 (Two Greens and Red Stripe)* установила новый аукционный рекорд художника — $98,4 млн.

Красный действительно имеет особое культурное значение в Китае, где традиционно связан с удачей и благополучием. Но утверждать, что именно китайские покупатели сделали красные картины дорогими, было бы слишком большим упрощением.

🔵 Синий

Здесь главное имя — Yves Klein. Художник настолько тесно связал себя с насыщенным ультрамарином, что появился знаменитый International Klein Blue.

В 2025 году его огромная синяя работа *California (IKB 71)* размером более 4 метров была продана Christie’s за €18,4 млн.

🟡 Золотой

Klein работал не только с синим. Он создавал и золотые монохромы, используя настоящее сусальное золото. Для него золото было связано не просто с богатством, а с идеей нематериального и духовного.

Золото активно появляется и у других известных современных художников — от Anish Kapoor до Jeff Koons.

Но есть важный момент: не стоит покупать или создавать работу только потому, что она красная, синяя или золотая.

На аукционную стоимость намного сильнее влияют имя художника, период создания, история владения, редкость, состояние и качество конкретной работы. Например, в первой половине 2026 года произведения на Christie’s в среднем уходили с молотка на 24% выше нижней предварительной оценки — и цвет является лишь одним из множества факторов.




Если вы художник, фотограф, дизайнер или просто хотите разобраться в современном искусстве, приглашаю на мою бесплатную онлайн-лекцию.

4 октября • 19:00 (МСК)

Регистрация — по ссылке ТУТ

Арт-рынок Азии: Китай, Корея, Япония — и миллиарды долларов 🎨🌏

Когда говорят о мировом рынке искусства, обычно вспоминают Нью-Йорк, Лондон и Париж. Но Азия давно занимает огромную часть этого рынка.

Например, Китай в 2025 году был третьим крупнейшим арт-рынком мира после США и Великобритании. На него пришлось 14% мировых продаж — около $8,5 млрд. Для сравнения: доля всей Франции составляла 8%. Южная Корея при этом показала рост продаж примерно на 6%.

Но одного «азиатского рынка» не существует. Китай, Япония, Южная Корея, Гонконг и Сингапур развиваются совершенно по-разному.

Гонконг остается одним из главных международных центров региона. На Art Basel Hong Kong в 2026 году заявлены 240 галерей из 41 страны и территории, причем больше половины участников работают в Азиатско-Тихоокеанском регионе.

Сеул тоже быстро усиливает позиции. Frieze Seoul в 2025 году собрала 70 000 посетителей из 48 стран, 121 галерею и представителей более 160 музеев и культурных организаций.

Интересно развивается и Сингапур: в 2024 году импорт искусства туда вырос сразу на 74% — почти до $1,7 млрд. В Японии импорт за тот же период удвоился и превысил $1,1 млрд.

Что касается вкусов, здесь лучше избегать простого деления на «Европу» и «Азию». В Корее можно увидеть интерес к минимализму и традиционным материалам, в Японии — сильное пересечение искусства с массовой культурой, а Китай объединяет огромный рынок как современного, так и классического искусства.

И есть еще одна важная цифра: Азия сегодня концентрирует около 24% мирового состояния миллиардеров — больше, чем Европа с ее 20%. А где появляется новое крупное состояние, там постепенно растет и рынок коллекционирования.


Если вы художник, фотограф, дизайнер или просто хотите разобраться в современном искусстве, приглашаю на мою бесплатную онлайн-лекцию.

4 октября • 19:00 (МСК)

Регистрация — по ссылке ТУТ

В Венеции на выставке Аниша Капура случайно зашёл хор, который начал петь в его скульптуры 👀

Park Seo-Bo: художник, изменивший корейское искусство 🇰🇷

Park Seo-Bo (1931–2023) — один из главных представителей Dansaekhwa, направления корейской монохромной живописи. Его работы сегодня находятся в коллекциях Tate, Центра Помпиду, музея Гуггенхайма и других крупных музеев.

Главной работой его жизни стала серия Écriture, начатая в конце 1960-х. Сначала художник проводил карандашом повторяющиеся линии по еще влажной поверхности картины. Позже он начал использовать ханчжи — традиционную корейскую бумагу из коры шелковицы. Влажную бумагу Park Seo-Bo буквально формировал пальцами и инструментами, создавая глубокие борозды и рельеф.

Интересна и его биография. Во время Корейской войны художника призывали и северные, и южные силы. После войны он некоторое время скрывался от нового призыва и именно тогда стал использовать имя Park Seo-Bo. Поэтому история из ролика основана на реальных событиях, но утверждение о 30 годах жизни в подполье сильно преувеличено.

Долгое время его картины были белыми, серыми и черными. Темные поверхности напоминали ему уголь и сажу из кухни его матери. А яркий цвет появился позднее: важным моментом стала поездка в Японию в 2000 году, где художника впечатлили осенние краски возле горы Бандай.

Сегодня его работы стоят сотни тысяч долларов. Например, на торгах Sotheby's в Гонконге в 2026 году работу *Ecriture No. 37-74* оценивали в 2,5–3,5 млн гонконгских долларов — примерно $320–450 тысяч.

Park Seo-Bo продолжал работать практически до самой смерти в 2023 году в возрасте 91 года. Его серия *Écriture* в итоге растянулась более чем на 50 лет.

Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — у меня открыты индивидуальные консультации для художников на разных этапах развития.

Подробности 👉 https://t.me/fedotovfedorov/210

Kukje Gallery: галерея, которая помогла вывести корейское искусство на мировой рынок 🇰🇷

Если говорить о главных галереях Сеула, Kukje Gallery — одно из ключевых имен. Ее основала Hyun-Sook Lee в 1982 году, а уже в 1987 году галерея переехала в район Согёк-дон, рядом с важнейшими музеями и культурными учреждениями города.

Сегодня сеульский комплекс включает пространства K1, K2 и K3, а в 2018 году Kukje открыла еще одну площадку в Пусане — в бывшей фабрике металлической проволоки F1963.

Почему она так важна?

За более чем 40 лет Kukje привозила в Корею выставки Louise Bourgeois, Alexander Calder, Anish Kapoor, Jenny Holzer, Bill Viola и других известных художников. А с 1998 года галерея регулярно участвует в Art Basel.

Но еще важнее ее работа с корейскими художниками. Kukje много лет продвигает Lee Ufan, Park Seo-Bo, Ha Chong-Hyun и Kwon Young-Woo — ключевые имена направления Dansaekhwa, или корейской монохромной живописи. В 2015 году галерея участвовала в большой выставке Dansaekhwa во время Венецианской биеннале.

Интересно и продолжение семейной истории: дочь основательницы, Tina Kim, создала собственную галерею в Нью-Йорке. Kukje Gallery и Tina Kim Gallery вместе участвовали в международных проектах, посвященных корейскому искусству.

Если будете в Сеуле — добавляйте ее в список мест для посещения.

@Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

В Далласе на Dallas Art Fair. Команда людей и коллекционеров, с которыми я там познакомился

Мороженое. Ем его постоянно. В Нью-Йорке сейчас пока все еще жарко, поэтому мороженое и кондиционер мои лучшие друзья

Hunter College: сильная художественная школа прямо в Нью-Йорке 🎨

Hunter College интересен прежде всего сочетанием цены, расположения и доступа к художественной среде Нью-Йорка.

Сколько стоит обучение?

По нынешним тарифам Hunter магистратура для жителей штата Нью-Йорк стоит около $11 090 в год, а для студентов из других штатов — около $25 650. Плюс обязательные сборы. То есть разница действительно больше чем в два раза.

Для Нью-Йорка это важное преимущество: многие частные художественные школы обходятся значительно дороже.

Что еще получает художник?

У Hunter есть отдельное здание для магистратуры на 205 Hudson Street. В нем находится более 100 художественных мастерских. То есть студент получает не только занятия, но и пространство для собственной работы — в Нью-Йорке это особенно ценно из-за высокой стоимости аренды.

Еще один плюс — связи с художественным миром города. Например, Hauser & Wirth предоставляла студентам Hunter площадку для выставки, а во время пандемии фонд Ruth Stanton выделил $1 млн, благодаря чему студентам искусства выдали более 120 экстренных стипендий.

Среди выпускников есть художники, которые затем выставлялись в крупных галереях. Например, Alteronce Gumby показывал работы в Hauser & Wirth и Gladstone Gallery.

В итоге Hunter интересен не только дипломом. Ты учишься внутри одной из главных художественных столиц мира, получаешь мастерскую и постоянно находишься рядом с галереями, музеями, художниками и кураторами.

И при этом обучение для жителя Нью-Йорка — около $11 тысяч в год.

@Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

Две знаменитые художественные школы Лондона: в чем разница? 🎨

Royal College of Art и Royal Academy Schools находятся в одном городе, но предлагают совершенно разные условия.

Royal College of Art

Это крупный университет искусства и дизайна, основанный еще в 1837 году.

Учеба здесь дорогая. Например, магистратура Contemporary Art Practice в 2026/27 году стоит около £17 350 для британских студентов и £41 350 для иностранных. То есть иностранному студенту только за обучение придется отдать больше $55 000.

При этом существуют стипендии — некоторые дают около £9–10 тысяч, а отдельные программы могут полностью покрывать стоимость обучения.

Среди известных выпускников — David Hockney, Tracey Emin, Henry Moore и Bridget Riley.

Royal Academy Schools

Здесь совершенно другая система. Школа существует с 1769 года, а ее трехлетняя программа рассчитана на очень небольшое число художников.

Главный плюс — обучение бесплатное для всех принятых студентов. Кроме того, студентам предоставляют ежегодную стипендию минимум £4 000.

Но попасть сюда сложно: школа принимает примерно 17 новых художников в год.

Среди тех, кто учился в Royal Academy Schools, — William Blake, J.M.W. Turner и John Constable.

Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — у меня открыты индивидуальные консультации для художников на разных этапах развития.

Подробности 👉 https://t.me/fedotovfedorov/210

На севере Нью-Йорка в двух часах езды находится огромный фонд Dia Beacon. Там постоянные экспозиции с американским минимализмом

Bard College: почему художники выбирают эту школу 🎨

Bard College находится примерно в 150 км от Нью-Йорка и известен одной из самых необычных магистратур для художников в США.

Главная особенность — расписание. Bard MFA занимает 2 года и 2 месяца: студенты приезжают в колледж на три летние сессии по 8 недель, а между ними самостоятельно работают над своими проектами. Такой формат позволяет не бросать работу, преподавание и выставки ради учебы.

Программа существует с 1981 года и создавалась как альтернатива обычной магистратуре. Здесь можно специализироваться на живописи, скульптуре, фотографии, кино, звуке или литературе.

Сколько стоит?

Цифра $12–15 тысяч из видео уже устарела. В 2026 году одна летняя сессия стоит $20 754, а последующий период самостоятельной работы — еще $6 440. Отдельно оплачиваются жилье и другие сборы. При этом Bard предоставляет стипендии и финансовую помощь, в том числе иностранным студентам.

Еще одна сильная сторона Bard — Center for Curatorial Studies. Это отдельная двухлетняя магистратура для будущих кураторов, где студенты изучают современное искусство и получают практический опыт создания выставок. Среди выпускников программы есть кураторы, впоследствии работавшие в крупнейших американских институциях.

В итоге Bard интересен прежде всего тем, что позволяет продолжать карьеру и одновременно получать образование, не выпадая из художественной жизни на несколько лет.

@Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

5 школ современного искусства, которые стоит знать 🎨 Часть 2

Продолжаем топ-10. На этот раз — Нью-Йорк, Лондон и Париж, причем стоимость обучения отличается радикально.

1. Bard College

Необычная магистратура для уже практикующих художников. Вместо обычных семестров студенты проходят три летние сессии по 8 недель, а между ними продолжают собственную практику.

В 2026 году летняя часть программы стоит около $20 700, плюс расходы на самостоятельный зимний период.

2. Royal Academy Schools

Один из самых привлекательных вариантов в Лондоне: программа длится 3 года, а обучение бесплатное. Студентам также предоставляют ежегодную стипендию от £4 000.

Школа существует с 1769 года, среди ее знаменитых учеников — Уильям Блейк и Уильям Тёрнер.

3. Beaux-Arts de Paris

Одна из главных художественных школ Франции. Хороший вариант для тех, кто хочет строить карьеру именно во французской художественной среде.

Конкуренция серьезная: например, на поступление сразу на старшие курсы в 2026/27 году предусмотрено всего 25 мест.

4. Hunter College

Государственный колледж в самом Нью-Йорке. Для жителей штата обучение заметно дешевле, чем для приезжих, а главное преимущество — возможность учиться непосредственно внутри одной из крупнейших художественных столиц мира.

5. Royal College of Art

Один из самых престижных вариантов Лондона, но и один из самых дорогих. В 2026/27 году магистратура по современному искусству стоит £17 350 для британцев и £41 350 для иностранных студентов.

При этом существуют стипендии, которые могут частично или полностью покрыть обучение.

Получается огромный разброс: от бесплатных 3 лет в Royal Academy Schools до более £41 000 за год в Royal College of Art.

Поэтому выбирать художественную школу стоит не только по имени, но и по цене, преподавателям, выпускникам и художественной среде города.

А какую из этих пяти выбрали бы вы?

Если вам интересно развиваться как художнику, но вы не знаете, куда двигаться дальше, хотите разобраться с проектом, портфолио, заявками, выставками или карьерной стратегией — у меня открыты индивидуальные консультации для художников на разных этапах развития.

Подробности 👉 https://t.me/fedotovfedorov/210

Художник, которого нужно знать: Salman Toor 🎨

Salman Toor родился в 1983 году в Лахоре, Пакистан, а сегодня живет и работает в Нью-Йорке. Сейчас ему 43 года.

Его картины интересны столкновением двух эпох. Toor обращается к европейской живописи прошлых столетий, но помещает в нее современную жизнь: друзья танцуют, смотрят в телефоны, сидят в небольших квартирах и барах. В центре многих работ — жизнь молодых квир-людей из Южной Азии. Самого художника действительно сравнивали с Ван Гогом, хотя среди его ориентиров также называют Рубенса, Ван Дейка, Мане и Матисса.

Большой прорыв произошел в 2020 году, когда Whitney Museum в Нью-Йорке открыл его первую персональную музейную выставку *How Will I Know*. Всего через два года Baltimore Museum of Art показал уже более 45 его картин и рисунков, созданных в 2019–2022 годах.

Рынок тоже вырос очень быстро. В 2022 году Sotheby's оценивал картину *Four Friends* в $300–400 тысяч. Именно эта работа отлично показывает стиль Toor: четверо друзей в комнате, двое танцуют, остальные сидят на диване — обычная сцена XXI века, превращенная в большую живопись.

А в 2024 году Salman Toor участвовал в основной выставке 60-й Венецианской биеннале — одной из главных международных площадок современного искусства.

Отдельно советую посмотреть его рисунки и альбомы с набросками. В них особенно хорошо видно, как из классической школы постепенно появился тот узнаваемый язык, за который Toor сегодня знают во всем мире.

@Илья Федотов-Федоров Мастерская IFFA

На открытии нового музея — New Museum. Недавно прошла реконструкция, он стал в два раза больше. Очень крутая выставка

3 современных художника, которых вам точно стоит знать

Три совершенно разных автора, которые уже представлены в крупнейших музеях и имеют серьезный рынок.

1. Huma Bhabha

Родилась в 1962 году в Карачи, сегодня живет и работает в США. Ее скульптуры напоминают одновременно древних идолов, инопланетян и персонажей постапокалиптического мира.

Она соединяет влияние древней скульптуры с научной фантастикой и фильмами вроде «Чужого». В 2018 году Метрополитен-музей в Нью-Йорке представил две ее монументальные скульптуры на крыше музея — одна из фигур достигала примерно 3,7 метра.

Ее работы находятся в коллекциях MoMA, Метрополитен-музея и Whitney Museum.

2. Marlene Dumas

Родилась в 1953 году в Южной Африке, с 1970-х живет в Нидерландах.

Дюма известна тревожными, иногда почти пугающими портретами. Часто она пишет не с натуры, а использует фотографии из газет, кино и собственного архива.

Сегодня она одна из самых дорогих ныне живущих художниц. В 2025 году ее картина *Miss January* была продана на Christie's за $13,6 млн.

Ее работы есть в MoMA, Tate и Centre Pompidou.

3. Salman Toor

Родился в 1983 году в Лахоре, сегодня работает в Нью-Йорке.

Тур изображает друзей, вечеринки, свидания, небольшие квартиры и повседневную жизнь квир-сообщества. Современные сюжеты он соединяет с приемами классической европейской живописи.

В 2022 году его *Four Friends* продали на Sotheby's примерно за $1,2 млн при предварительной оценке всего $100–150 тысяч.