Анимационный сценарий и разработка. Блог Олега Козырева для сценаристов анимации / ДЕВАНимас

БУТЫЛОЧНАЯ СЕРИЯ

Не вполне официальный, скорее профессиональный слэнговый термин – бутылочная серия. Это такая серия (или серии) в сезоне сериала, в которой нагрузка на производство намного меньше, чем обычно.

Допустим, на вашем сериале каждую серию производству нужно создавать какие-то новые предметы (пропсы), возможно даже новые локации, ну или новых персонажей. А еще есть какие-нибудь специальные серии, где нужно внезапно создать зимние локации и зимнюю одежду персонажей. Чтобы производство справлялась с темпами выхода серий в структуре сезона важно продумать облегченные «бутылочные» серии.

Варианты бутылочных серий:
- в сюжете задействованы не все персонажи, а лишь несколько
- все действие сюжета проходит в одной или в малом числе локаций
- это серия с нарезкой воспоминаний из предыдущих серий
- если в вашей серии каждую серию появляется новый персонаж – в этой серии его нет
И т.д.

В общем – это продуманная серия с фокусом на низкую цену для производства.

При этом на сценаристов наоборот нагрузка возрастает, т.к. нехватку визуального зрелища важно компенсировать действительно хорошей историей, диалогами, шутками.

Иногда бутылочные серии делают перед каким-то очень сложными сериями. Например, перед финальными сериями, где может быть какая-то сложная битва с большой и сложной работой аниматоров.
В среднем хорошая пропорция бутылочных серий – 1/5, то есть в 26-серийном сезоне может быть 5 таких бутылочных серий.

На мой взгляд на старте сериала лучше не увлекаться бутылочными сериями т.к. есть риск запутать зрителя, который может не уловить связь с сериалом, не понять его формат.

Бутылочная серия не означает, что она плохая. При хорошей работе сценаристов зритель даже и не заметит, что серия бутылочная. Иногда именно бутылочные серии могут попасть в сердечко зрителя, т.к. в таких сериях есть возможность больше раскрыть внутренний мир персонажей, рассказать больше о вселенной сериала.

==
Напоминаю, что продолжается набор на мой первый курс по созданию анимационных сериалов.

Разработка анимационного сериала: от гэга до пилотной серии:
https://olegkozyrev.skillspace.ru/l/test-kurs-1-458fc5-5352ba

КЛАССИФИЦИРУЕМ СПОСОБЫ ЭКРАНИЗАЦИЙ. НА ПРИМЕРЕ «КРАСНОЙ ШАПОЧКИ»
Экранизация произведения литературы – частое явление в кино и анимации. Попробуем проанализировать и классифицировать способы или даже виды экранизаций. Сделаем это на примере «Красной шапочки» (кстати, у сказки есть разные версии, но возьмем за основу ту, где Волк съедает бабушку, а потом охотники приходят и убивают Волка, спасая бабулю).

ДОСЛОВНАЯ ЭКРАНИЗАЦИЯ
Здесь все просто. Автор фильма старается экранизировать буквально слово в слово все, что происходит в книге. Такие экранизации подходят для сказок, для детских стихотворений, для небольших историй. И чуть сложнее реализуемы в больших произведениях.
В этой экранизации Красная Шапочка проживает все приключения, что мы знаем из сказки.

ПРЯМАЯ ЭКРАНИЗАЦИЯ
Все почти то же, что в предыдущей версии. Но возможны некоторые сокращения ради художественной целостности фильма.
В этой версии, например, могут быть не охотники, а один охотник, который спасет Красную шапочку.

ОСОВРЕМЕНИВАНИЕ
Действие сюжета переносится в наше время. Тот же сюжет переосмысливается через поиск в современности схожих произведению образов. Принцы становятся политиками, крестьянки продавщицами, оборотни преступниками, волшебники программистами.
Красная шапочка просто идет по парку к бабушке, а ей встречается Волк, которого чуть попозже заловят милиционеры.

ИГРА СО ВРЕМЕНЕМ
Действие и вовсе можно переносить в разные эпохи. Герои перемещаются или в первобытные или в футуристические миры и там уже разыгрывают историю.
Красная шапочка легко может быть первобытной, а Волк может стать саблезубым тигром. Или, если перенести в будущее, Красная шапочка летит на космическом корабле к бабуленьке, а за нею гонится Волк- космический пират.

СМЕНА РОЛЕЙ
Меняем моральные полюсы злодеев. Антагонисты становятся преследуемыми, а добряки – злодеями.
Волк у нас становится добрым персонажем а Красная шапочка – злодейкой. Может даже браконьеркой, поставляющей вместе с охотниками ненасытной бабушке вкусных волков, которая готовит из них пирожки.

ЭКРАНИЗАЦИЯ-ДРАМА
Все усложняем. Все страдают. Все мучаются, никто не может найти счастья в этом мире.
Волк не хочет есть Красную шапочку, но должен, иначе его осудит общество. Красная шапочка и вовсе не она – а ее подружка, которую подставили и заставили пойти в лес, надев красную шапочку подружки. А бабушка и вовсе давным-давно умерла, т.к. ее никто не навещает.

МЮЗИКЛ
Тут все просто. Все поют и танцуют. И мюзикл может существовать во всех вариантах сюжетов выше и ниже.

ИГРА С ЖАНРОМ
Ну и очевидно, можно сделать из любой истории или ужастик, или детектив, или комедию.
Красная шапочка расследует серию нападений на девушек в красных шапочках и выслеживает опасного маньяка.

СМЕШИВАНИЕ ИСТОРИЙ
Экранизация, в которую включают и другие сюжеты. Сюжеты сталкиваются, образуя новую картину.
Красная шапочка – Заяц, за которым с криком «Ну, погоди!» гонится Волк. Зайца спасает охотник, который к ужасу Зайца «пиф-паф ой-ой-ой» прямо в зайчика стреляет и зайчик умирает.

ОТАРАНТИНИВАНИЕ
Сюжеты миксуются по таймингу, герои пускаются в длинные монологи и диалоги. История становится иной в монтажном смысле.
Красная шапочка вспарывает живот бабушке. Зритель в ужасе. Затем история чуть откатывается назад. И после череды событий мы понимаем, что живот вспорола она не бабушке, а Волку. А бабушка оказывается спасена в последний момент ее внученькой, доведенной до отчаяния предыдущими событиями.

СОЦИАЛЬНЫЙ РОЛИК
На примере экранизации создается что-то поучительное для кого-то.
Красная шапочка идет по лесу, а ведущий-веселый анимационный Кролик рассказывает детям, как правильно переходить дорогу и как нельзя ходить по лесу без родителей.

НАЦИОНАЛИЗАЦИЯ
Истории придается максимально иной национальный колорит.
Девушка-викинг плывет по морю на краснопарусном драккаре, чтобы доставить бабушке топоры.

А вы какие типы экранизаций еще встречали?

ИЗ ОДНОЙ ШАПКИ СЕМЬ КАФТАНОВ
Анимационный контент очень дорого производить. Тем ценнее умение творческой команды создавать из одного контента много контента. Честно говоря, я люблю такие задачи и научится делать их хорошо. Давайте и с вами поделюсь некоторыми навыками.

Итак, у вас есть серия анимационного сериала. Это тип контента 1.
Сделайте из этой серии музыкальный клип, нарезав происходящее в серии под музыку. Вот уже тип контента 2.
Уберите цвет из серии и раскрашивайте ее. Получится видеораскраска. Образовательный тип контента 3.
А теперь к клиповой версии добавьте караоке-текст. Получился тип контента 4.
Нарежьте серию, останавливая ее в разных местах и задавая вопрос, что будет дальше. Почти игра. Тип контента 5.
Пригласите зрителей (или звезд) переозвучить серию. Проведите конкурс на лучшие переозвучки. Получился тип контента 6.
Возьмите пропсы (объекты) из серии. Сложите из них познавательный сериал-викторину для малышей. Вот вам тип контента 7.
Добавьте сурдоперевод к сериям. Вот тип контента 8.
Выложите аниматик. Вот тип контента 9.
Создайте на основе аудио серии аудиосказку. Вот тип контента 10.
Выложите саундтрек сериала. Вот тип контента 11.
Выпустите рассказ на основе сценария серии. Вот тип контента 12.
Опубликуйте сам сценарий. Вот тип контента 13.
Создайте сказку, пусть дети сыграют то, что происходило в серии. Вот тип контента 14.
Создайте кукольный спектакль по серии. Вот тип контента 15.
Сделайте нарезку-комикс из серии. Вот тип контента 16.
И т.д.


И это уже не говоря о том, что можно сделать нарезку:
- лучших фрагментов серий
- худших фрагментов серий
- самые трогательные моменты
- лучшие фразы персонажа 1
- лучшие фразы персонажа 2
- нарезка всех титров серий

Еще можно выложить отдельно заставку сериала.

Контент не должен пылиться. Есть кто-то, кто любит музыку вашего сериала. Есть кто-то, кто хочет увидеть, как вы создаете свой сериал и увидеть аниматики. Есть кто-то, кто поймет ваш сериал только с сурдопереводом. Есть кто-то, кто впервые о вас узнает через аудиосказку.

А если во время создания серии вы сразу закладываете создание разного типа контента – то и произвести его будет дешевле.

ШКОЛА ГЭГА. АБСУРД
Продолжаю пытаться систематизировать океан юмора. На этот раз рассмотрим гэги абсурдные. Это мой любимый вид гэгов, который часто используется и в кинокомедиях.
Итак, что это за гэги? Абсурдные гэги – неожиданное действие героя, которое идет против всякой логики окружающих его обстоятельств.

Приведу примеры:

Двугорбый верблюд наступает на колючки. Кричит от боли. Переворачивается и убегает на горбах.

Корабль врезается в айсберг. В айсберге – пробоина. Айсберг тонет.

Человек нажимает на кнопку лифта и уезжают кнопки, а не лифт.

Шарик протыкает ребенка ниткой и ребенок сдувается.

Зебры сталкиваются друг с другом и получаются зебры в клеточку.

Робинзон на острове устает ждать, пока его спасут, вызывает такси, подняв руку голосующим жестом и криком «такси!»

Гэг и без того то, что удивляет. А абсурдные гэги еще сильнее работают в поле неожиданного, т.к. они возникают там, где не ожидаешь. Но заметим, что все гэги имеют внутреннюю логику и опираются на исходную ситуацию, обстоятельства, локацию, героя.

ПРОКЛЯТИЕ ЛОГЛАЙНА

Идеальный логлайн бывает трудно написать и начинающим сценаристам и опытным. Ведь задумку огромного фильма нужно уложить в несколько строк!
Как же справиться с логлайном?

Напомним, что логлайн – это краткое, буквально в два-три-четыре предложения концентрированное описание сюжета фильма. В логлайне вы обязательно заявляете героя, главное событие вашего фильма и к какой цели направляется герой, обозначаете мир произведения.

Также напомню, что можно логлайн сформировать через вопросы:
Кто? – орк / волк / неизвестное науке животное / папа-рыбка
Потом прибавляем перед этим словом-персонажем его важное качество
Какой? – нелюдимый / недотепа-хулиган / наивный / сверхопекающий
Сталкивается с чем? – выселен со своего болота, пока не победит дракона / хочет съесть зайца / ищет друга / теряет своего сына
И вынужден сделать что? – спасти принцессу и победить дракона / отправляется в бесконечную неудачную погоню / найти много друзей, а особенно друга - Крокодила / должен найти спасти сына, которого держат на суше /
Где? – в мире сказочных персонажей / в комедийном мире животных, живущих как люди / в мире, где животные и люди живут рядом / пройдя просторы опасного океана

Вопросы можно формировать иначе – они лишь опора для формирования текста. Так или иначе – читающие логлайн должны понять, чего стоит ваша идея из этого краткого описания. Но как к нему прийти? И как «отрезать» кучу значимого и важного в идее?

1. Напишите идею кратко, но не обязательно в несколько предложений. В два-три абзаца.

2. Подумайте, что является самым уникальным и привлекательным в вашем фильме. Что выделяет его от остальных. Персонаж? Поворот сюжета? Мир? Сожмите каждый из этих уникальных моментов до двух-трех слов.

3. Теперь попробуйте написать не логлайн, а тэглайн – будто бы вышла уже премьера вашего фильма и вам надо написать анонс в телепрограмме или на афише. Прорекламируйте ваш фильм зрителям кратким описанием.

4. Теперь заполните логлайн, как можно более кратко, но отвечая на вопросы выше.

5. Вырежьте все лишнее, обязательно оставив ключевые фишки вашей идеи.

6. Посмотрите, чтобы остались эмоциональные краски в логлайне, чтобы текст не был «пересушен»

PS
Продолжается набор на первый мой курс по анимационной драматургии, где каждый сможет создать заявку на свой сериал + узнать основы разработки анимационных сериалов.
https://olegkozyrev.skillspace.ru/l/test-kurs-1-458fc5-5352ba

ОТ БИБЛИЙ К ЭНЦИКЛОПЕДИЯМ
В этом тексте не будет совета, а будет обозначена определенная проблема.
Итак, до сих пор большинство анимационных студий обходились библиями проектов. Большими или маленькими, подробными или не очень, обновляемыми, или забытыми сразу после написания, а то и вовсе не написанными.
В библии анимационного проекта описывался сюжет, главные герои, локации, движки серий, ключевые фразы персонажей и прочие детали, которые умещались на стадии производства сезонов или франшиз.
Но вот в чем проблема для индустрии. Проблема в том, что сериал выходит раз в неделю серия, франшиза выходит раз в год фильм, а материалы по вселенной проекта выходят практически ежедневно. Маркетологи составляют маркетинговые планы, SMM планирует активность в социальных сетях, отделы коммерции заключают следки с партнерами (особенно с партнерами в издательском деле). В результате появляется тьма текстов, картинок, мемов, стикеров, комиксов, книжек, аудиоспектаклей, детских спектаклей. А еще конкурсы. А еще ответы на комментарии в соцсетях.
И эта часть жизни анимационного проекта очень важна, т.к. именно тут выстраивается прямая связь со зрителем. Именно здесь удается или поддерживать дух проекта и развивать фан-базу, или гасить ее.
Ваш сериал может быть супервеселым, но если посты в сообществе и комментарии в нем будут сухими – вы можете упустить свой рост. Ваш проект может быть суперпознавательным, но если посты в сообществе и комментарии в нем будут банальными и не увлекательными – вы потеряете в качестве своей аудитории.
И вот какая важная штука тут происходит, в этой точке. Ваш проект может быть сколь угодно крутым. Но именно в соцсетях, именно на уровне SMM ваши герои обретают голос и начинают напрямую говорить со зрителями.
А теперь самое интересное. Откуда сммщик узнает, что ваш герой бы ответил? Откуда сммщик узнает, какой-то факт из вселенной, о которой его спросили читатели?
И вот мы подходим к сути моего текста сегодняшнего. На мой взгляд уже недостаточно писать только Библию анимационного проекта. Сразу после старта сериала необходимо создавать что-то вроде энциклопедии знаний по проекту. Чтобы все десятки людей, кто будут сейчас или через годы работать над проектом, могли наиболее удобным и быстрым образом находить все эти знания. Наверное, для проектов удобен вики-формат.
Полезно участие в брифе сммщикам авторов проектов, шоураннеров.
В реальной жизни студий такими вопросами ведает редакция. Обычно именно с редактором консультируются коллеги. И это тоже хороший путь, т.к. редактор становится эдаким аналогом энциклопедии, носителем знаний о проекте. Впрочем, проблема возникает мгновенно в случае ухода редактора и замены его новым.
Анимация – очень затратная индустрия. И производство настолько изматывает, что студиям иногда не хватает сил отследить качество своих вселенных в соцсетях. И в результате смм-агентства, которые нанимают студии, часто просто дублируют темы в десятках анимационных сообществ, лишь немного адаптируя тексты под сериалы заказчиков. При этом, в смм также трудятся хорошие, классные авторы. И если какому-то из сериалов повезет попасть на такого уникума – то блог такого сериала будет читать не менее интересно, чем смотреть сам сериал.

МОЙ ПЕРВЫЙ РЕКЛАМНЫЙ РОЛИК (СТУДИЯ «ПИЛОТ»)
Сценарий своего первого рекламного ролика я написал на студии «Пилот». Точнее, над сценарием работали трое – Валерий Качаев, Александр Татарский и я.

В те годы компании еще не привыкли работать через рекламные агентства и отделы маркетинга и могли напрямую обращаться к продакшенам, к анимационным студиям. Впрочем, и сами анимационные студии могли обзванивать компании и предлагать свои услуги.

1995 год. Поступил заказ от «Красного октября» сделать анимационный ролик про их знаменитый ирис. Насколько я помню, именно Валера Качаев в те годы развивал на студии «Пилот» всю эту нишу с внешними заказами от рекламодателей.

Основные параметры ролика были такими – 20 секунд хронометраж. Рассказать про натуральность отечественного ириса и, если получится, попинать ненатуральность конкурентов.

Нужно было найти какой-то яркий образ. Татарский почти сразу предложил историю со спортивными соревнованиями, в котором «натуральный» ирис побеждает химических соперников. Но мы какое-то время не могли сойтись на том, какое это будет соревнование. Футбол? Баскетбол? Бокс? Перебирали в кабинете Татарского много вариантов, пока мне не пришло в голову – гребля! Тем более, что здание «Красного октября» находилось как раз на набережной реки.

Тут мы попали в точку. Сценарий тут же утвердили у клиента и был произведен этот ролик. Интересно бы вспомнить, кто над ним работал. Мне кажется, режиссером был Качаев, но могу ошибиться.

Интересная деталь с этим роликом получилась, почти пророческая - сын Александра Татарского занимается как раз греблей.

Выкладываю ролик, пусть сохранится для истории, а то вдруг его не осталось в цифровом виде больше нигде. У меня он есть только в таком разрешении, в каком выложил.

ВИЗУАЛИЗАЦИЯ СЦЕНАРНОЙ РАЗРАБОТКИ / РАБОТА С ОНЛАЙН-ДОСКАМИ
Многие годы мне вполне хватало доковского текстового файла, чтобы описывать свои идеи. В редких случаях использовал презентации. Но онлайн-доски, появившиеся в последние годы, продемонстрировали свои плюсы для авторов. Попробую описать часть возможностей онлайн-досок для сценарной разработки.

1. Визуализация сюжета, арок полнометражного фильма
Именно на онлайн-доске легко формировать историю по актам, видеть вступление и развитие ключевых персонажей, хорошо планировать визуальную часть историю в аспекте локаций. Можно грамотно планировать музыкальные фрагменты истории, битвы, экспозицию.

2. Планирование производства для творческих групп
На онлайн-доске идеально вписываются таблички графика этапов, внутри которых можно что-то править, корректировать, добавлять новые графы, новые департаменты. А доступ к онлайн-доске самих этих департаментов дает возможность убедиться, что все правильно понимают сроки – от сценаристов до PR.

3. Разработка мира
Конечно, мало что подходит для поиска интересного анимационного мира, как онлайн-доска. Здесь можно привести примеры конкурентов, поискать референсы и, наконец, искать пути собственного визуального решения. Автор может работать с художниками постановщиками, арт-директорами, концепт-артистами на такой доске.

4. Разработка персонажа
На онлайн-досках можно создавать профиль персонажа. Причем речь не только о визуальной стороне героя, но и искать его имя, характер и т.д.

5. Планирование структуры сезона сериала
Доски идеально подходят для планирования структуры сезона сериала. Здесь можно видеть все сюжеты всех серий. Планировать специальные и «бутылочные» серии. Планировать количество героев, локации и т.д.

6. Предметно разбирать пилотные серии и особенные серии
Например, хорошо на онлайн-досках работать с битматиками – видом раскадровок, где вначале планируются только самые важные сцены будущего фильма/серии.

И т.д.
Конечно, с уходом из РФ Миро, работать с онлайн-досками стало сложнее. Пока еще ни один из аналогов не приблизился к Миро-функционалу. Сам я пока что использую Яндекс доску (называется Яндекс.Концепт) – просто по причине большей доступности для всех. Ведь суть онлайн-доски – возможность работать в команде. Если вы знаете какие-то лучшие аналоги – дайте знать. Но пока все, что я смотрел, сильно проигрывают по количеству встроенных шаблонов, либо по платности.
PS
Подробнее о том, как работать с онлайн-досками, а также примерами шаблонов такой работы, я буду делиться на своем курсе «Разработка анимационного сериала: от гэга до пилотной серии», который стартует с 18 февраля. Ссылочка есть в закрепе в группе.

Анимационный сценарий и разработка. Блог Олега Козырева для сценаристов анимации / ДЕВАНимас pinned «АНИМАЦИОННАЯ ДРАМАТУРГИЯ. ШАГ ПЕРВЫЙ Было время учиться и накапливать знания. Пришло время их передавать. Этот год у меня определенно будет переломным по части фиксации всего, что за тридцать лет в анимации накопилось. Я запускаю сегодня свою мастерскую и…»

АНИМАЦИОННАЯ ДРАМАТУРГИЯ. ШАГ ПЕРВЫЙ
Было время учиться и накапливать знания. Пришло время их передавать. Этот год у меня определенно будет переломным по части фиксации всего, что за тридцать лет в анимации накопилось.

Я запускаю сегодня свою мастерскую и первый полноценный онлайн-курс. Данный курс называется «Разработка анимационного сериала: от гэга до пилотной серии». Мне всегда казалось важным все же отталкиваться от практики. Так что все свои знания о сериалах я вложил в этот курс, но при этом оставил курс практичным. На выходе будем создавать заявки и пилотные серии сериалов.
Мастерскую решил открывать на платформе онлайн-обучения Skillspace. Пока что она показалась наиболее удобной для моего формата курсов.

Постарался не растягивать занятия, каждое будет суперсодержательным и компактным. Огромное число тем упаковал всего в 4 месяца.
С самых первых шагов в анимации меня беспокоило, что для современных сценаристов в анимации не так много есть учебных материалов. Поэтому пришлось самому их начать создавать. На курсах слушатели первыми увидят мои наработки, которые готовлю для своей большой книги по анимационной драматургии и разработке.

И вот сформулировал 7 принципов моей мастерской вообще и данного курса в частности.
1. Идем от практики к теории, а не наоборот. Сперва понимание предмета анимации, а потом осмысление. Вот почему начинаем с гэгов, а затем переходим к драматургии.
2. Не усложняем драматургию, а упрощаем. В анимационной драматургии много неустоявшихся терминов и мало (можно сказать, что нет) образовательной литературы. Автор курса помогает участникам курса увидеть главное, отсеять второстепенное.
3. Визуализируем! Сценарный девелопмент это не только про текст, но и про визуализацию идей. Учимся работать с шаблонами, онлайн-досками, презентациями, чтобы наиболее эффективно организовывать сценарный процесс и личный и в командах.
4. Экономия и эффективность - наш метод. Не льем воду на встречах. Экономим время друг друга. Курсы компактные, содержат много информации - всю суть тридцатилетнего опыта мастера. На самих курсах учимся наиболее эффективно и наглядно формировать и представлять свои идеи, экономно и сбалансированно работать в творческих командах.
5. Знания лучше усваиваются в небольших командах. Поэтому на курсе группы не превышают 15 человек - примерно такое число профессионалов максимально собирается на мозговые штурмы в реальных анимационных студиях. Небольшой состав группы помогает получать и обратную связь от мастера и получать навык работы в команде.
6. Сценарий не существует вне производства. Поэтому мы изучаем современные реалии работы студий с заявками, сценариями, самими сценаристами. Изучаем то, что нужно студиям и зрителям сегодня. Учимся понимать особенности анимационных технологий (перекладка, 3д, кукольная и т.д.)
7. Развиваем не просто креативность, а быструю креативность. Аниматоры умеют быстро и много рисовать. Сценаристы анимации должны уметь быстро и много писать. Художники в анимации умеют создавать множество эскизов, искать варианты художественного решения. Авторы в анимации должны уметь создавать множество заявок, сюжетов в короткое время.

Не буду делать вид, что не волнуюсь. Создание курса это тоже творчество. Буду рад, если кому-то оно окажется нужным.
(upd на курс добавлена возможность оплаты частями, в рассрочку)
Ссылка на курс:
https://olegkozyrev.skillspace.ru/l/test-kurs-1-458fc5-5352ba

ИЗМЕНЕНИЕ ТРЕНДА НА СЦЕНАРНЫЕ ЗАЯВКИ
В минувшем году заметил заметно изменившиеся требования продюсеров, руководителей студий к входящим заявкам. Хочу этим с вами поделиться, вдруг кому пригодится такое знание.
Итак, раньше все требовали полноценную текстовую заявку, например, на сериал. Второй вариант – та же заявка могла быть в виде презентации (особенно если предварительно авторы успели продумать визуальную составляющую проекта).

Теперь все чаще просят заявку в виде презентации буквально на два слайда, не больше. С описанием идеи, мира и персонажей.

Это логично и разумно по двум причинам.
1. Такая преза заменяет логлайн и экономит время продюсера. Если идея заинтересовала – запросит полный пакет разработок по проекту.

2. Сам продюсер собирает пакет из таких двухслайдовых заявок, заинтересовавших лично его, но пришедших от разных авторов, и несет показывать эти идеи выше (или дальше). И, условно говоря, на проходящей периодически встрече за час, например, успевают отсмотреть десяток таких двухслайдовых презентаций и выбрать проекты, которые заинтересовали всех.

Итого.
Помимо заявки и/или презентации авторам есть смысл иметь под рукой двухслайдовую версию проекта.

ОСНОВНЫЕ ОШИБКИ АВТОРОВ СВОИХ СЕРИАЛОВ
Не буду ввязываться в бесконечные споры о том, какие сериалы лучше – коммерческие или авторские. Но опишу основные проблемы сериалов, которые пишет сам автор. Точнее – типичные возможные ошибки авторов таких проектов.

1. Автор спешит рассказать историю, не давая зрителю насладиться миром
Дайте зрителю время насладиться вашей идеей. Богатые на фантазию и Миядзаки, и Беннетт с Гюттнером дают зрителю время удивиться, рассмотреть, потрогать их миры.

2. Автор забывает раскрыть героя
Автор прописал характер героя где-то там в концепции проекта и забывает вставить в серию достаточно сюжетных моментов, раскрывающих этот характер. И зритель банально не успевает полюбить или узнать героя так, как его знает автор.
То есть для автора герой целостный потому, что герой имеет цельный образ в голове создателя. Но для зрителя герой не целостный, т.к. зрителю не дали увидеть этот образ.

3. Автор увлекается неожиданным
Авторы иногда так любят удивлять, делать нешаблонные ходы, что в итоге ломают драматургию и не дают зрителю вообще возможности подключиться к сюжету, к сопереживанию.

4. Автор упускает ценность серии
Иногда авторы упускают ценность каждой отдельной серии. Т.к. автор видит общую картину – он надеется, что зритель вот там в будущем удивится, да восхитится, да все поймет. Но проблема в том, что если зритель серию за серией не будет получать вознаграждения в виде зрелища, в виде эмоционального переживания, - зритель просто бросит сериал, не досмотрев до той самой великой серии, которая все перевернет и объяснит.

5. Автор перенасыщает историю персонажами
Авторы иногда могут скатиться в обилие персонажей. Их может стать так много, что снижается ценность тех персонажей, с кем зритель уже знаком. Экранного времени на всех не хватит и история начинает провисать, превращается просто в смену мельтешащих кадров с говорящими головами.

6. Автор не отслеживает целевую аудиторию
Бывает, что автора колбасит между аудиториями. И он и той аудитории подмигивает и другой – и в итоге история расбаллансируется и автор теряет аудиторию всю.

ИНТЕРВЬЮ

Вышло развернутое интервью со мной. Рассказал о своем тридцатилетнем пути в анимации, работе с анимационными студиями, о том, как создавал игры.

https://vk.com/@foryourenjoyment-intervu-s-talantami-nashei-animacii-oleg-kozyrev

ДОТРОНЬСЯ ДО ДУШИ
Сложность сериального формата для сценариста и, особенно, для создателей сериала в том, что сериал может мгновенно забронзоветь. Особенно вертикальные сериалы для детей. Характеры персонажей определены, отточена нарративная часть. Герои ясным образом совершают ошибки, ясным образом их исправляют, ясным образом в финале получают урок.
И сериал становится пластиковым.

Мы ни разу не видим героев в минуты настоящей слабости. Когда они растеряны и не знают, что делать. Или когда в ужасе от того, что натворили. Или когда не могут справиться со своими эмоциями. Да что там говорить – персонажи сериалов почти перестали плакать!

Они покрыты коркой идеальности, даже если персонажи недотепы и им каждую серию преподают урок. Перед зрителем проживает свою серию формальный недотепа, который с равной степенью бодрости и глупость совершает и через полминуты извиняется за глупость. И всё хорошо, все смеются.

Такие идеальные персонажи не идеальны на самом деле. Они не достоверны. Они не открывают свое сердце для зрителя. Они не трогают его душу.

Чтобы тронуть чью-то душу – надо показать свою.

Сложнейшая задача автора в сериале – не дать персонажам покрыться коркой формальной канвы повествования. Не гоните персонажей по движку серии. Остановитесь иногда. Сделайте паузу. Покажите, что на самом деле чувствует герой.

Много лет спустя, когда ребенок вырастет, он будет помнить те слова героя, которые затронули его сердце. И не бойтесь малышей! В каждом возрасте можно понять что-то, что затрагивает сердце. Что-то можно сказать трехлетнему зрителю. Что-то пятилетнему. И уж совсем много можно сказать семилетнему.

В следующий раз, когда у вас перед глазами будет эти пять или шесть страниц сценария, посмотрите на сценарий еще раз и задайте себе вопрос – могу ли я что-то такое сказать в этой серии, что затронет сердце ребенка и заставит его этот момент, эти слова вспоминать хотя бы какую-то часть своей жизни, а может быть и всю жизнь.

Можно сдавать сценарии, а можно создавать. И помогать детям расти.

АНТАГОНИСТ И ЕСТЬ ГЛАВНЫЙ ГЕРОЙ
Пост не объясняющий, а запутывающий.

Обычно антагонист – противовес главному герою. Он ему противостоит, создает препятствия, с ним и происходит у героя один из ключевых конфликтов. Антагонист является важной фигурой в комплекте персонажей фильма или сериала.
А теперь – страшная правда. В реальности антагонист довольно часто и является главным героем!

Ну вот смотрите – в классическом «Ну, погоди!» неужели Заяц тянет на главного героя? Да не особо. Частенько мы даже не знаем, как он начинает свой день. А Волка мы и в майке-алкоголичке видели, и на пляже в семейниках, и в гараже с мотоциклом.
В общем-то, в «Ну, погоди!» скорее Заяц противостоит главному герою. Заяц, пожалуй, антагонист, разрушающий план Волка. Назвать Волка главным героем мешает нам только то, что он злодей. А по драматургическим канонам наоборот он ближе к герою-то.

При этом в «Томе и Джерри» у двух героев равное экранное время, местами переваливающее в сторону мышки Джерри. Поэтому здесь пара работает как надо – антагонист и протагонист примерно хорошо работают. Вот только, если подумать, Джерри-то паразит! Ворует еду. А кот-то защищает хозяина, честно работает котом. То есть Том-то и есть протагонист! Весело, да?

В комедийных фильмах, в сказках, антагонист незаметно или намеренно имеет право стать главным героем. По своему экранному времени, по раскрытию героя, по симпатии зрителя. И это не страшно.

Так что же? Начнем называть антагонистов главными героями? Я думаю, нет. Драматургия все же немного и наука. Тут не так и много устойчивых терминов. Лучше не путать все окончательно.

Просто знайте, что антагонист вполне может быть главным героем. А главный герой, если подумать, не всегда протагонист.

Надеюсь, не разобрались :)

СТРОИТЕЛЬСТВО ЛИЧНОГО БРЕНДА СЦЕНАРИСТА
Сценаристы не публичные люди. Сценаристы анимации и вовсе не просто не публичные люди, а еще присыпанные общей медийной невнимательностью к именам в анимации. А ведь от нашего имени зависит позовут ли нас вообще куда-то на проект.
Вот несколько простых вещей, которые я рекомендую делать всем сценаристам, хоть начинающим, хоть не начинающим.

1. Представляйтесь на встречах не по имени, а по имени-фамилии.
Не важно, что на зум встрече или очной встрече все коллеги по студии или по проекту представились «я Аня», «а я Вася». Всегда называйте свои имя и фамилию. Т.к. именно сейчас, в этом месте сидят люди, которые в следующий раз или позовут вас в новый проект, или не позовут, т.к. фамилию вашу забыли, а по имени вас не нагуглишь.
Нравится нам или нет, но все имена в анимации мы запоминаем по фамилии: Константин Бронзит, Антон Дьяков, Дмитрий Яковенко, Дарина Шмидт, Александр Архипов, Мария Большакова, Ульяна Стратонитская, Станистав Метельский и т.д. При всем уважении ко всем этим фамилиям, вряд ли мы кого вспомним по имени, кроме совсем редких имен. Именно по фамилиям наш мозг чуть-чуть быстрее запоминает профессионалов индустрии: режиссеров, сценаристов, звукорежиссеров, композиторов, арт-директоров. Ровно так же это работает и с вашей фамилией, уважаемый сценарист. Так что как бы вы ни были скромны, ровно в этот момент того редкого случая, когда вас вытащили из писательской конуры в пространство общения более чем с одним коллегой – пользуйтесь моментом. Называйте и имя и фамилию.

2. Придется завести хотя бы один аккаунт по своей профессии
Жили вы были не тужили, писали про дни рождения, про детей, про родителей, про машинки и про котиков. Но вот пришло время, когда вы хотите, чтобы вас, наконец, зафрендил анимационный продюсер. И что ему френдить? Котиков?
Если уж вы сценарист – хотя бы один аккаунт в одной хотя бы социальной сети заведите только под свою профессию. Так вы соберете первоначальный круг профессионалов, которые вас знают и, глядишь, позовут в проект. Или которым вы сможете написать по поводу своей новой идеи.

3. Следите за тем, чтобы вас добавляли в титры
Не со зла, но бывает, что студии могут забыть добавить вас в титры. Меня однажды одна крупная студия позвала на премьеру фильма, где я активно и много гэгил, но… но в титрах меня указать забыли. Коллеги когда это увидели, извинялись. Было неудобно. Но тем не менее это бывает и как правило не со зла.
На одном сериале меня тоже забыли добавить в титры в первых сериях. Я об этом сказал – меня стали добавлять даже в серии, где я не участвовал как гэгмен. Да уж, не без перебора, но такая наша жизнь.
Нет тебя в титрах = нет тебя в кинопоиске и в википедии и на аниматоре.ру и в книге Сергея Капкова.
И не ленитесь писать на кинопоиск, на прочие сайты, где можно добавлять инфо о себе и пополнять фильмографию.

4. Прокачивайте и (да почему нет?) выпячивайте свои наиболее сильные качества
Особенно это важно на старте, пока вас плохо знают. Умеете делать что-то хорошо? Говорите об этом! «Я классно пишу диалоги» или «умею писать полные метры за три дня». Особенно на старте важно, чтобы вас за что-то запомнили.
В начале сценарного пути меня конечно часто запоминали как гэгмена. Сейчас я по факту могу делать в сценарном деле абсолютно все. Но даже сейчас стараюсь подчеркивать что-то, что у меня правда получается хорошо – что умею быстро создавать интересные заявки или докторить полные метры за считанные дни, например. Потому что когда говоришь «я могу делать все» - это не запоминается. Так уж устроен мозг человека. Нужно свое уникальное торговое предложение – чем ты отличаешься от других сценаристов на рынке, чем именно ты можешь усилить команду.

5. Старайтесь давать интервью
Даже если это микросайт вашего знакомого, в котором всего десяток подписчиков. С чего-то надо начинать.

6. В идеале бы еще и почту иметь в стиле имяфамилия@почтаком, а не котик1968чтаком, но сейчас уже по почте почти никто не пишет.

Вот, примерно так. Разумеется, советы касаются не только сценаристов. Всем удачи в построении своего бренда!

ЭКСПОЗИЦИЯ БРУТАЛЬНОГО МОЛЧАЛИВОГО ГЕРОЯ
Не представляет особых трудностей экспозиция болтливого персонажа. Он сам о себе все расскажет за полминуты действия. Но что если наш герой молчалив, брутален, за словом в карман не лезет? Таких героев много и в анимации и в кино.
Часть сценаристов и режиссеров допускают ошибку с такими героями. Думают, что самой брутальности достаточно. Вот герой поиграл мышцами, раскидал врагов, молчаливо посидел у костра, поел мамонта… Но проходит одна серия, вторая, третья, а к нашему герою не появляется у зрителя никакой привязанности. Формально герой отыгрывает свою ролевую модель, но не попадает в сердечко зрителя. Почему? Вы не смогли правильно заявить героя, не раскрыли его.
А герой-то (допустим) главный! Критически важно, чтобы зритель понимал его мотивы, будь это мотивы любви или мотивы мести. Хотелось бы и популярности для персонажа. А какая ж популярность, если героя никто полюбить не может?

Давайте рассмотрим способы экспозиции подобных персонажей.
1. Экспозиция через говорливого или эмоционального напарника.
Если наш герой молчалив, как скала, то говорить за него должен его напарник. На фоне зашкаливающей яркости напарника можно будет лучше разглядеть все тени нашего главного героя. Его редкие улыбки, его недовольно сложенные брови, его вспышки гнева с просьбой помолчать – все это будет работать на раскрытие эмоционального облика нашего героя.

2. Экспозиция через беззащитного и слабого
Похожий тип экспозиции, но наш напарник или друг или спутник героя намеренно слаб, беззащитен, наивен, юн, неподготовлен для полного насилия мира. И тогда наш герой постоянно должен бросаться на помощь этому беззащитному. Вовремя поставлять ему руку для помощи, защищать от стрел своей спиной, нести его через опасности на своих грубых ладонях. Грубый молчун, который нежен к слабому – это хорошо и быстрым образом проявляет нашего героя.

3. Экспозиция через заботу
Наш гигант может любить что-то. Покажем это зрителю! Киллер может любить цветок, чудовище может любить музыку, огромное может бережно хранить что-то малое. Небольшая сцена с нашим героем, заботящимся (когда его никто не видит) о чем-то хрупком – хороший путь показать, что наш герой не так прост.

4. Экспозиция через слабость
Если пораньше показать, что у нашего непобедимого вояки все же есть какая-то слабость, - зрителю будет легче проассоциировать себя с главным героем. Тогда будет понятно, что смелость героя не по умолчанию – это все же часть его работы над собой. И ему тоже есть что преодолевать.

5. Экспозиция через потерю
Это очень тонкий пункт. Иногда к нему подходят формально. Быстро показывают кого-то, кого герой потерял. Но не дают возможность зрителю тоже полюбить потерянного (а значит и принять боль героя близко к сердцу!). В общем, здесь следуем простому правилу – никого важного не теряем до того, пока зритель тоже не полюбит его и не почувствует для себя важным. Хорошо бы чтобы к моменту потери зритель так же рыдал над потерей, как и наш герой. Тогда все будет достоверным и мотивы героя будут яснее.

Конечно, можно идти и иными путями. Например, раскрыть нашего героя только в финале. Но все же с главными героями это риск. Риск, что зритель просто не будет смотреть ничего далее первой серии. Даже про крутого и брутального персонажа.
Это понимают многие создатели успешных историй про опасные путешествия говорливых эмоциональных напарников и напарниц героических брутальных молчунов

Как видим, в этом упражнении подход простой. Вначале придумывается какой-то интересный мир. Затем пытаемся найти в рамках этого мира хорошую историю для разных целевых аудиторий.
Как минимум удастся прокачать креативные мышцы. Как максимум – создать несколько версий заявок.

ТРЕНИРУЕМ ПОНИМАНИЕ ЦЕЛЕВОЙ АУДИТОРИИ
Моя новая авторская разработка – тренинг для понимания целевой аудитории.
Шаг 1. Придумаем идею (вне целевой аудитории) сериала
Допустим, семья робких интеллигентных космических кораблей отправляется на пикник в одну туристически привлекательную галактику, но попадает в эпицентр межзвездной войны. Семью случайно принимают за банду известных кораблей-пиратов. Так что незадачливой семье, чтобы выбраться домой, придется попритворяться пиратами и повыполнять разнообразные сложные задания и надеяться, что их не раскроют до того, как дорога домой откроется.

Шаг 2. Делаем сериал для аудитории 0-3
Семья космических кораблей узнает окружающий мир, учится умываться, одеваться и правильно переходить галактику. И все это через веселые песни и танцы.

Шаг 3. Делаем сериал для аудитории 4-6, мальчики
Семья изобретателей-космических кораблей спасает жителей разных планет, приходит к ним на помощь, помогая создать роботов, которые решают самые разные проблемы: от орошения до строительства. Забавный коварный корабль-пират пытается им помешать и строит коварных роботов. Но т.к. пират плохо учился в школе – все его роботы в итоге больше наносят вреда пирату, чем нашим героям.

Шаг 4. Делаем сериал для аудитории 4-6, девочки
Няшные котики-единороги живут каждый на своей планете. Один на цветочной. Другой на сладкой. Третья на танцевальной и т.д. Котики-единороги летают друг к другу в гости верхом на космических кораблях, словно на лошадках. Каждую серию они танцуют, пекут вкусняшки и играют.

Шаг 5. Делаем сериал для аудитории 6-8, девочки
В мире милых котов-единорогов случились неприятности. Солнце Дружбы гаснет. Коты-единороги верхом на диких грациозных космических кораблях отправляются по ближайшим планетам на поиски поссорившихся, чтобы их помирить.

Шаг 6. Делаем сериал для аудитории 6-8, мальчики
В семье космических кораблей не подозревают, что их дочка-корабль тайно участвует в космических гонках. Она ведь вроде бы такая тихоня и так любит заумные книжки. Но каково же будет удивление гонщицы, когда она поймет, что главный антагонист-злодей, нарушающий все возможные правила в гонках… это ее собственный брат! Смогут ли главные соперники на гоночной арене соревноваться друг с другом и на трассе и в собственной семье?

Шаг 7. Делаем сериал для аудитории 8-12, девочки
В школе космических кораблей новичку непросто. Ее не принимают, ее обижают. Главная героиня недавно потеряла родителей и живет с бабушкой и дедушкой, перевелась на другую планету. Серая мышка класса однажды вечером находит трансформатор, преображающий ее в суперкорабль, который может сражаться со злодеями-кораблями-монстрами, периодически атакующими галактику. Сможет ли героиня сдержать свою суперсилу и не начать использовать ее для вреда одноклассникам?



Шаг 8. Делаем сериал для аудитории 8-12, мальчики (сойдет наша базовая история)
Семья робких интеллигентных космических кораблей отправляется на пикник в одну туристически привлекательную галактику, но попадает в эпицентр межзвездной войны. Семью случайно принимают за банду известных кораблей-пиратов. Так что незадачливой семье, чтобы выбраться домой, придется попритворяться пиратами и повыполнять разнообразные сложные задания и надеяться, что их не раскроют до того, как дорога домой откроется.

Шаг 9. Делаем сериал для аудитории 12+, подростки
Прошли миллионы лет после исчезновения человечества. Разумные космические корабли, используя автоматические ремонтные базы, смогли пережить своих создателей. Постепенно каждый корабль приобрел черты своего капитана. И внешние и внутренние.
Века мира после исчезновения людей грозят уйти в прошлое. Ведь внутри кораблей начинает просыпаться не только память их капитанов, но и их чувства, их эмоции, их страсти, их конфликты и их любовь. Смогут ли корабли построить лучший мир, или скатятся в конфликт, унесший жизни их создателей?
Как и миллионы лет назад, конфликт начинается с запретной любви одного юноши-корабля, бродяжничающего по бескрайним мирам космоса и аристократки-корабля-принцессы, дочери главы могущественного клана.

ЗАЯВКИ-СКЕТЧИ
Любопытно, что к сценарным заявкам, идеям, у сценаристов бывает такое особенное отношение, что, мол, заявка должна вызреть, идею надо придумать и хорошо если за всю жизнь придумаешь одну хорошую идею.
Однако, креативность можно прокачивать и совсем иным подходом – пробовать создавать в короткое время сразу много заявок. Набросков идей, по крайней мере. Ровно так работают художники, делая упражнения на рисование множества скетчей в короткое время.
Первый пост в блоге в 2025 году начну с предложения сделать небольшую креативную зарядку. Попробуйте в течении буквально десяти минут накидывать сразу по десять и более разных идей.
Но для начала такого набрасывания накидывайте какой-нибудь простенький скелет:
- кто?
- в каком мире?
- должны сделать что?
Конечно, такой скелет все еще остается слишком общим. Поэтому все, что вам надо – это чуть сузить скелетик и обрастить его сухожилиями.
- кто? (Две противоположности: Буратино и Уголек, Волк и Красная шапочка, богач и бедняк, гаишник и угонщик / и т.д.)
- в каком мире? В мире (кораблей на планете без суши / в огромной многоэтажке постапокалиптического мира / сказок, захвативших реальный мир и т.д.)
- должны сделать что? (доставить необычный груз: корову, царя, гнома-невидимку / и т.д.)
Не нужно пока придумывать твисты, сложные сюжеты. Просто научитесь быстро создавать интересные группы героев, любопытные миры и нелепые задания. Твисты и сложности можно накрутить попозже.
У хорошего автора в реальном отделе девелопмента анимационной студии должен быть навык в стиле «к концу дня нужно несколько заявок по теме …».