Альбом дня

🇯🇵 Casiopea – Super Flight (1979)
#jazz_fusion #smooth_jazz #funk

Сегодня будет достаточно короткий пост, но я очень советую послушать вам музыку, которая к нему прилагается. Речь уже во второй раз пойдёт про Casiopea, но всё самое важное и интересное уже было сказано в первом посте, так что сегодня минимум какой-то фактической информации. Я просто возвращался вчера от зубного врача с сильной болью и хотелось включить что-то приятное и успокаивающее. А что может быть более подходящим, чем японский джаз 70-х. Я не стал далеко ходить и включил Super Flight – второй альбом группы после дебютника. Когда-то давно я его слушал, но очень мельком, просто фоном, а в этот раз ознакомился более внимательно, и не пожалел.

Super Flight записывался в Токио, с августа по октябрь 1979 года, и вышел тогда же в ноябре. Это первый альбом, в котором принял участие американец, композитор Стив Кармен, он написал песню I Love New York. Да и вообще, слушая Super Flight, ловишь себя на мысли, что вся пластинка очень "американская". Это сложно объяснить, но джаз тут такой нуарно-американский, в духе 40-х годов, и практически не содержит выходящих за рамки экспериментов. А обложка только усиливает эту атмосферу.

Персонально для меня звездой альбома стал Иссеи Норо, гитарист группы, использовавший при записи Yamaha SG-2000. Именно гитарные партии мне тут кажутся самыми интересными и запоминающимися. Где-то они звучат более блюзово, где-то более фанково. Некоторые треки, например Sailing Alone, полностью ведёт бас-гитара. Упомянутая выше I Love New York вообще звучит как диско дафт панк, ещё и этот странный синтетический голос сверху... В общем, всем фанатам джаза категорически советую. А то многие Casiopea дальше альбома с гоночными машинками даже не слушают, и очень зря!

Слушать на доступных площадках

🇺🇸 Clutch – Clutch (1995)
#stoner #space_rock #hard_rock #funk_metal

Недавно поймал себя на мысли, что хочу сделать обзор буквально на каждый альбом Clutch, но пока написаны только про дебютник и Phychic Warfare. Пару лет назад я переоткрыл для себя эту замечательную группу, и теперь не могу перестать их слушать. Если мне нужен минималистичный блюзовый стоунер, я всегда включаю что-то из Clutch. При этом каждая их пластинка уникальна, везде сделан акцент на определенный музыкальный аспект, из-за чего их творчество совершенно не приедается. Мы ещё обязательно поговорим про Robot Hive / Exodus, на котором они взяли в команду клавишника, или про Blast Tyrant, ставшего самым успешным релизом в карьере Clutch. К тому же за последние пару лет группа очень преуспела в ремастере своих старых пластинок. И вот один из альбомов, заслуживших переиздание – одноимённик 1995 года. Его релиз, как вы уже могли догадаться, приурочен к 30-летию самой работы. Во-первых, оно вышло просто отличным, с хорошим качеством звука, которое подчёркивает сильные стороны альбома и при этом ничего не портит, так что можете смело его и слушать. Во-вторых, у переиздания просто до неприличия стильная обложка. Вот этот ретро шлем от скафандра на фоне абсолютной пустоты космоса – просто пик дизайна, идеально передающий атмосферу самой пластинки. Оставляю ссылку на то, как выглядит весь бокс-сет переиздания, ну а к посту прикладываю оригинальную версию, она тоже классная.

"Clutch" вышел на East West Records, и стал первым шагом парней в сторону стоунера. Сам фронтмен группы, Нил Фэллон, говорил, что это вообще первый альбом, на котором они нащупали собственный стиль. Я об этом упоминал мельком в обзоре дебютника – тогда Нил жаловался, что они переборщили с агрессией и злобой. На "Clutch" ситуацию решили повернуть противоположным образом, потому что он основывается на юморе. Да, по обложке не скажешь, но всё же тексты тут довольно угарные. Фэллон всё также кричит как безумный бомжара, но сам нарратив теперь наполнен чёрным или абсурдным юмором. Тут вы услышите песни про путешествие по галактике на Dodge Swinger 1973, про побег из космической тюрьмы, про то как рыбак выловил труп убийцы Линкольна, и многое многое другое. Вообще, я до сих пор считаю одноимённик самой сильной работой группы в плане смыслов. Музыкально он впитал в себя очень много от совершенно разных жанров: репитативные риффы напоминают психоделику и спейс-рок, бас отдаёт чем-то в духе Primus, только ещё тяжелее, а барабаны отбивают чистый стоунер с постоянными ударами по тарелкам. Ну и от хардкора, на котором был построен дебют, группа тоже отошла ещё не целиком. На выходе альбом почти не получил внимания, но все, кто его оценивал, отзывались очень положительно. Чтобы "Clutch" вас покорил, ему нужно время. Вы должны принять энергетику безумства, которая исходит от музыкантов, проникнуться ей и только тогда у вас выйдет получить настоящее удовольствие.

Слушать на доступных площадках

🇬🇧 Funeral for a Friend – Hours (2005)
#post_hardcore #melodic_hardcore #emo

Я, к своему стыду, мало слушал Funeral for a Friend. И зря, ведь это очень важная для мелодик-хардкора группа, не менее важная, чем Madina Lake, The Wonder Years или Four Year Strong. Однако, стоит подчеркнуть, что речь идёт не о хардкорном хардкоре, это просто более тяжёлый и более эмоватый поп-панк, которому далеко до уровня агрессии каких-нибудь Брингов или Аскингов. Сама группа образовалась в начале 00-х, основал её вокалист January Thirst, Майкл Дэвис. Название Дэвис взял из песни другой любимой хардкор-панк группы, Planes Mistaken for Stars. Однако для собственного проекта Майкл выбрал немного иной стиль, он отошёл от агрессивного и тяжёлого хардкора в сторону более популярного тогда раннего эмо. И этот мув сработал на ура, Funeral for a Friend чудесно влились в волну мрачной американской альтернативы, и уже после дебютного альбома спокойно турили с My Chemical Romance, Linkin Park и Moments in Grace. Про последних, кстати, у меня есть отдельный пост, а ещё они так сдружились с Funeral for a Friend, что даже записали совместный сплит сингл в 2004 году. А теперь вот вам плот-твист: вообще-то наши сегодняшние гости британцы из Уэльса, поэтому вдвойне удивительно, что они нашли себя на поприще эмо-музыки США. Но факт остаётся фактом, дебютник стал золотым в Британии, а группа получила несколько наград от уважаемых изданий.

Говорить мы будем не о первом альбоме, а о втором, Hours 2005 года. Не потому что он лучший, а потому что когда-то deezer подкинул мне песню History как раз отсюда, так я познакомился с коллективом, и в будущем, если возвращался к нему, то обычно именно к Hours. Данный альбом записывался уже в США, в Сиэтле, в личной студии Pearl Jam. Интересный факт: голос для трека Drive вокалист записывал прямо в машине, которая каталась по улицам города. Продюсером пластинки выступил Терри Дейт, работавший с такими металистами как Pantera, Overkill, Dream Theater и Deftones. Однако никакой тяжести он не привнёс, Hours – это всё ещё, в первую очередь, эмо-альбом. Красивый, душевный, посвященный усталости от жизни, потерям близких, апатии и всему тому, о чём пели эмари тех лет. Да, тут есть пара неплохих качовых риффов, но не ждите экстрим-вокала или грува. Лично я советую Hours тем, кто любит грустноватую альтернативу середины 00-х. На релизе альбом получил позитивные, но не восторженные отзывы, а позже продажи Funeral for a Friend стали только падать, так как тренд на подобную музыку стал потихоньку уходить. Хотя за качество их более современной музыки я ручаться не могу, если сам доберусь до неё, обязательно сделаю постик.

Слушать на доступных площадках

🇺🇸 Jack White – No Name (2024)
#garage_rock_revival #blues_rock

Вот уж от кого не ожидал услышать блюз в 2020-х, так это старина Джек Уайт. В прошлом десятилетии я следил за ним очень плотно. Был большим фанатом The White Stripes, очень тепло встретил первый сольник Blunderbuss (2012), и ещё теплее второй, Lazaretto (2014), про который даже делал пост. Кстати, про сайд-проект The Dead Weather я тоже писал пару лет назад. Так вот, когда вышел Boarding House Reach (2018) я очень напрягся, ведь вместо гаражного рока с двумя скрипачами услышал какую-то экспериментальную психоделику с электроникой. И, зная, что обычно люди из такого направления уже не возвращаются обратно, я забил на творчество Джека. Но наступил 2024, и многие друзья тогда твердили мне, что Уайт вернулся в старый добрый блюз на своём последнем к тому моменту альбоме No Name. Добрался я до него только сейчас, в 2026, и выяснилось, что друзья были правы. Джек выдал крепчайший гаражный блюз в духе ранних The Black Keys, местами даже тяжелее.

Из-за того, что я пропустил всё, что было между Boarding House Reach и No Name, мне сложно рассматривать данный альбом в контексте всей дискографии артиста. Но я с удовольствием сравню его со своим любимым Lazaretto. И первое, что приходит в голову, это ощущение, что альбомы должны были быть написаны в другом порядке. На Lazaretto Джек как будто уже осознанный экспериментатор, который вырос из глупого блюза и пишет музыку со скрипками и банджо. А на No Name наоборот, он молодой, агрессивный и бойкий рокер с грязными гитарами и смелыми текстами. Кстати да, тексты. Они тут офигенные. Я обожаю сонграйтинг мистера Уайта. Иногда он слишком... абстрактный, но у него точно есть фирменный юмор и едкая ирония, которой он не боится укалывать окружающих. Я рад, что Джек к 50 годам не растерял умение писать классные песни, хотя при прослушивании No Name меня не покидало чувство, что ему тут должно быть где-то 25.

Джек всегда был хейтером всего цифрового и большим фанатом аналогового, в какой-то момент он даже принципиально удалялся со стримингов. Когда No Name был записан, Джек напечатал небольшую партию виниловых пластинок без опознавательных знаков, и просил продавцов своего музыкального магазина Third Man Records давать этот винил в подарок к покупкам. Лишь после того, как поднялась шумиха об этих загадочных пластинках, альбом был выпущен официально. В записи принимала участие жена Джека, Оливия, и дочь Скарлет. У критиков релиз вызвал полный восторг. С одной стороны я удивлен, потому что блюз-рок в 2020-х никому не нужен, с другой, не удивлён, потому что Уайт действительно выдал объективно свою лучшую работу за последние 10 лет. Издание MOJO даже назвали No Name альбомом года. Мне теперь очень интересно послушать остальные релизы, которые я пропустил, включая вышедший в этом июле, но боюсь разочароваться...

Слушать на доступных площадках

🇺🇸 Megadeth – Peace Sells... but Who's Buying? (1986)
#thrash_metal #heavy_metal #progressive_metal

Сегодня участвую в челлендже, эстафету в котором мне передали аж три замечательных криэйтора: Музыкальный Хирург, Нейровайбер и Закопайте кавербенд поглубже. Суть в том, чтобы рассказать про альбом, который с годами приблизился к статусу персонального идеала. В моём опыте подобные ситуации случаются нечасто, обычно мне альбомы либо нравятся, либо не нравятся с самого начала. А если я и возвращаюсь к чему-то, к чему был равнодушен (или даже негативно настроен), оно редко вызывает новые эмоции. Но, немного подумав, я вспомнил про свои отношения с ранними альбомами Megadeth. Для начала обозначу, что дебютный Killing In My Business мне не нравится до сих пор. Это ничем не примечательная металлика-лайк трешанина – попытка отомстить Хэтфилду за разрыв отношений, а также переосмысление материала, сочинённого ещё во времена работы над Kill 'Em All. А вот ситуация с Peace Sells интереснее.

Моё знакомство с этим шедевром началось не с музыки, а с обложки, где-то в 2013 году. Одноклассник в лицее нарисовал того самого Раттлхэда с табличкой "For Sale" на перемене между парами. Я спросил кто это, и тут же получил пояснение, однако подобная музыка мне совсем не зашла. Я не сдавался, и со временем всё-таки вкатился в творчество Megadeth. Сначала с вышедших в 90-е Countdown и Youthanasia, а потом заценил и современные альбомы, тогда как раз случился релиз Super Collider. Но, считающиеся у фанатов эталонными Peace Sells и Rust, мне никак не давались. Несмотря на это, я стабильно раз в пару лет к ним возвращался, и с каждым прослушиванием действительно находил для себя что-то новое. Этому способствовало три фактора: 1) мой увеличивающийся кругозор в жанрах, 2) возросшая терпимость к тяжелой музыке и интерес к "сложным" жанрам, 3) общая культурная образованность. Всё-таки обычный школьник едва ли мог понять, что пытается донести до него Дэйв Мастйэн с другого конца планеты.

Теперь, наконец, расскажу, о чём пластинка. В основе своей это глубоко циничное, мрачное и остросоциальное произведение, в котором открыто критикуется внутренняя и внешняя политика США. Но не ждите духоты, помимо этого тут есть и типичные для метала темы: убийства, демоны, ритуалы. Благодаря всему этому тон у Peace Sells мрачный, напоминающий лучшие работы Coroner. На этом моменте принято ругать вокал Мастейна, но его манера артистично "читать" строчки в данном случае идёт только на пользу вайбу. Музыкально это тоже далеко не унылый треш. Барабанщик Гар Самуэльсон и гитарист Крис Поланд имели джазовые корни, отчего альбом наполнен джазовыми секциями, резкими переходами, полиритмами и, если честно, представляет из себя очень добротный прог-метал. Десять лет назад меня это только отталкивало, но сейчас я не могу оторваться витиеватых соляков и драйвовых риффов. Далее Мастейн только закрепит свой успех на Rust, но о нём расскажу в другой раз, скорее всего даже в рамках золотой коллекции. Вот так старое технотреш-творчество Меги прошло у меня за 10 лет целый путь от полного неприятия до абсолютной любви. А я, тем временем, передаю эстафету в этом челлендже каналам Melt Session и культовый альбом на каждый день, да и всем, кто сам хочет принять участие.

Слушать на доступных площадках

🇺🇸 Passion Pit – Manners (2009)
#indie_pop #electropop #synthpop

Я очень люблю Passion Pit, честно. Помимо того, что это очень классная и во многом даже новаторская электронщина, это ещё и важный лично для меня проект. Если быть точнее, то альбом Kindred – это первый релиз, который я добавил в избранное в сервисе deezer, и он стал для меня символом перехода от скачивания дискографий к прослушиванию через стриминги. А ещё я слушал его весь февраль 2019 года, так что он для меня очень зимний. Подробнее в старой рецензии. А сегодня, спустя почти три года, я наконец решил рассказать про дебютную работу, которая родилась из желания сделать подарок для девушки. Майкл Ангелакос, а именно он является сердцем группы и единственным автором, в 2007 году учился в колледже в Бостоне. И на день святого валентина, в качестве подарка возлюбленной, Майкл записывает на свой ноутбук несколько песен, посвященных тому, как она его терпит. Эти треки услышала не только девушка, но и друзья, которые скачали их и распространили по кампусу. Вскоре они вышли за его пределы, и с Майклом связались Frenchkiss Records, которые предложили выпустить альбом. Таким образом родился дебютный EP Chunk of Change. К слову, спустя почти 10 лет после этого, Майкл совершит каминг-аут сначала как би, а потом как гей.

Но сегодня мы будем слушать не EP, а дебютный полноформатник Manners, куда из Chunk of Change перекочевала только одна песня – Sleepyhead (до сих пор один из главных хитов Passion Pit). Само название Passion Pit Майкл придумал на ходу, чтобы было под каким псевдонимом выпускаться на лейбле. Перевести его можно как "яма страсти", так называли открытые кинотеатры в США ещё с 1920-х годов. А Майкл увидел в этом словосочетании отсылку к бездне эмоций. Так вот, Manners писался уже целиком осознанно, в Gigantic Studios. У Ангелакоса не было чёткого плана, он писал стихи на ходу, а музыку сочинял прямо в студии, вместе с продюсером Крисом Зейном. Несмотря на получившийся мажорный тон пластинки, Майкл признавался, что это его самый суицидальный и мрачный альбом, наполненный чувством вины. В то время он боролся с биполярным расстройством и как раз переживал кризис сексуальной ориентации. Но лично мне намного больше нравится музыкальная составляющая. Manners – это яркие, глитчевые и режущие ухо синтезаторы, вместе с которыми играют не биты, а настоящая бас-гитара и барабаны. Тут смешан и хаус, и синти-поп, и даже психоделика. А вишенкой выступает тонкий и узнаваемый, почти детский фальцет Майкла Ангелакоса. В итоге получился один из самых высокооценённых инди-альбомов 2009 года, который я советую всем фанатам MGMT или STRFKR. В будущем ждите пост про следующий альбом Passion Pit – Gossamer.

Слушать на доступных площадках

🇮🇪 Van Morrison – Veedon Fleece (1974)
#bard #folk #jazz #soul

Начну рассказ с признания: Ван Моррисон – мой самый любимый певец на свете. Даже если я буду делать новый топ с другими артистами, то 4 позиции с конца поменяются, а первое место останется за этим замечательным человеком. Тут совпало две причины: первая заключается в объективной крутости голоса Моррисона, а вторая – в том, что он западает лично мне в душу. Так было буквально с первого прослушанного мной альбома – Days Like These (1995), и до сих пор, спустя 10 лет, это всё ещё топовый вокалист. Я знаю, что при упоминании Вана Моррисона принято рассказывать об Astral Weeks или Moondance, но оставим это на другой раз, а я сразу окуну вас в свою любимую эпоху – середину 70-х.

Мне много что нравится из того периода, но для поста я выберу Veedon Fleece 1974-го. Это восьмой альбом артиста, и к моменту его написания Айван был ужасно вымотан. Помимо плотного концертного графика, по нему сильно ударил развод с женой Жанет Ригсби. Тогда, в октябре 73-го года, Айван решает сбежать от суеты и впервые за 6 лет уезжает домой, в Ирландию. Путешествуя по родине, он пишет новые песни, прямо на салфетках и конвертах – что попадётся под руку. Вернувшись в Калифорнию, он собирает музыкантов в своём гараже, и они начинают запись. Айван буквально на словах объясняет кому что играть, напевает мотивы, да и сам придумывает недостающую часть материала на ходу. Отсюда на Veedon Fleece столько импровизации, столько эмоциональности и душевности.

Альбом был встречен прохладно, никто не оценил ирландские мотивы и достаточно личные тексты. Но это тогда. А сейчас Veedon Fleece считается шедевром, который впервые открыл широкой публике всю глубину души Вана Моррисона. Ну и пара слов про вокал. Голос Моррисона – это кисть, и он рисует им на холсте что и как захочет. Он то рычит, то скулит, то почти плачет, а слова местами превращаются в бессвязный набор букв. От бельтинга до фальцета: Моррисон использует множество техник, чтобы передать весь спектр эмоций. Грейл Маркус говорил, что ни один белый человек не поёт как Ван Моррисон. На его вокале выросли десятки певцов: Боно, Шинейд О' Конор, Элвис Костелло, Брюс Спрингстин и многие-многие другие буквально называли его кумиром. Слушая почти любой альбом Вана Моррисона, у меня на глаза наворачиваются слёзы от того, насколько это потрясающе. А альбомов, между прочим, 45 штук только студийников! И я обязательно расскажу тут про парочку. К сожалению, как бы я ни старался, я никогда не смогу словами описать как сильно люблю песни Вана Моррисона, поэтому очень прошу вас просто дать шанс как минимум этому альбому, надеюсь вас тоже зацепит.

Слушать на доступных площадках

🇬🇧 Joe Cocker – Joe Cocker! (1969)
#soul #rhythm_n_blues

Вчера немного заспойлерил, ну да ладно. Я очень люблю Джо Кокера. Причём оба его периода, как ранний сырой соул, так и позднюю поп-музыку. И, прзнаюсь честно, вторая мне местами нравится даже больше, ведь я буквально рос под My Father's Son или Unchain My Heart, которые постоянно крутились на Ретро FM. К слову, моя мама очень любила эту радиостанцию, и по ней я первые услышал Элтона Джона, Alphaville, Depeche Mode, и много кого ещё. Когда я стал постарше и полез разбираться, то выяснил, что Джо не всегда пел такой лёгонький R&B, а в молодости был известен как безумный дядька, который хаотично дёргал руками, прыгал по сцене и исполнял таким голосом, что многие считали его на самом деле чернокожим. Конечно, для поста я выберу что-то из ранних записей, но просто держите в голове, что его релизы с 90-х по 2010-е я тоже люблю всей душой.

К началу карьеры Джо было всего 17 лет, он собрал группу Vance Arnold and the Avengers, и выступал в пабах, где его заметили Decca Records, подписав к себе. Никакого успеха данное сотрудничество не принесло, и после окончания контракта Джо начал записывать каверы на The Beatles. Его версия With a Little Help from My Friends внезапно выстрелила, что позволило ему не только повыступать с The Who и Полом МакКартни, но и записать дебютный альбом, состоящий целиком из подобных каверов. К слову, большую часть карьеры Джо исполнял именно каверы, а если дело доходило до оригинальных композиций, то они всё равно были написаны с кем-то в соавторстве.

Дебютник я не сильно люблю, а вот второй альбом, Joe Cocker!, мне уже нравится больше. Он является сборником каверов на таких артистов как Боб Дилан, Леонард Коэн, Джордж Харрисон, Леон Расселл и других. Но нам сегодня важнее поговорить именно про голос Кокера. Его низкий, прокуренный баритон был с ним всегда, он узнается с первых секунд. Такой голос у Джо с рождения, и он его не выучил, а просто тренировал годами. При этом каждая исполненная в таком стиле песня звучит не грубо или грязно, а как-то очень чувственно и притягательно. Местами даже сексуально, что сделало You Can Leave Your Hat On буквально гимном стриптизёрш. Несмотря на то, что до записи этой композиции было ещё 20 лет, уже в 60-е Джо получил статус звезды, выступал на Вудстоке и стал желанным гостем у артистов всех мастей. Возможно тут я немного предвзят, ведь голос Кокера для меня уже как родной, но я правда очень люблю этого мужика и его небрежную манеру пения. Причём не важно пения чего: от блюза до попсы.

Слушать на доступных площадках

🇦🇺 Jimmy Barnes – Flesh and Wood (1993)
#country_rock #soul #blues

На 3 место я хочу поставить не очень известного в СНГ, но точно заслуживающего внимания вокалиста. Это Джеймс Барнс, участник групп Cold Chisel, The Barnestormers, Fraternity и Living Loud. Про первую мы ещё поговорим в другой раз, а сегодня я расскажу про Джимми как про сольного артиста. Его карьера вне группы началась в 1983 году, когда случился распад Cold Chisel из-за творческих разногласий и недобрых настроений внутри. Барнсу хотелось выйти из тени бывшего коллектива, а также заработать деньги на содержание семьи. Дебютный альбом Bodyswerve был записан в том же году, практически на коленке, и в очень сжатые сроки. При этом он привлёк тонну внимания от публики в родной Австралии, получив статус No1 Australian Albums от Kent Music Report. И дальше дела шли всё лучше и лучше, каждый релиз был не только успешен, но и являлся для Барнса платформой для экспериментов и творческого роста. Cold Chisel играли паб-рок, и не особо отходили от этой формулы, в то время как сольно Барнс писал и хард-рок, и АОР, и фанк с соулом. И вот мы доходим до релиза, который я хочу показать вам сегодня – Flesh and Wood. Если честно, собирался включить его в список любимых акустических альбомов, но, так уж и быть, выложу сейчас, ведь он лучше прочих раскрывает вокальные способности Джимми. Так что переходим к самому интересному.

Джеймсон Барнс – настоящий рок-н-ролльщик с поистине мощным рокерским вокалом. Его надрывные крики, к которым в старости добавилась ещё фактурная хрипотца, критики охарактеризовали как working class tenor. Он сырой и полон напряжения, что отлично перекликается с его биографией, ведь Джимми вырос в бедной семье шотландских эмигрантов. Во время пения Барнс использует не голосовые связки, а вестибулярные. Обычно это опасно для голоса, но организм Джимми научился с этим справляться, поэтому даже к 70 годам он сохраняет свой диапазон в почти 4 октавы. Конечно, со временем его манера пения также эволюционировала, на самых первых пластинках Cold Chisel он ещё молодой и берёт много высоких нот, а сейчас перестал тянуться выше и старается давить драйвом и мощью. Акустический Flesh and Wood как раз является переходным периодом между этими двумя стилями. Под местный кантри-блюз сам Барнс выступает в качестве дополнительного музыкального инструмента, и постоянно вставляет какие-то фишечки, чтобы передать эмоцию. Вместе с Джимми тут пришли спеть такие звёзды как Росс Уилсон, Дебора Конвей и даже сам Джо Кокер. О последнем как раз расскажу завтра!

Слушать на доступных площадках

🇬🇧 Led Zeppelin – Led Zeppelin III (1970)
#folk_rock #psychedelic_rock #blues

Я вкину довольно спорный вариант на 4 место, но мне очень нравится как поёт Роберт Плант. Есть в его манере вокала что-то одновременно животное, и одновременно волшебно-манящее. Он умеет быть как сексуальным, так и опасным, ещё и исполняет блюз. В блюзе вообще много недооценённых вокалистов, но это разговор для отдельной серии. На этом мои восторги Робертом не заканчиваются: помимо всего прочего я ещё отмечу несколько моментов. Во-первых, Роберт одним из первых в рок-музыке стал использовать голос как самостоятельный инструмент, "играя" им поверх гитар и барабанов. Во-вторых, феноменальный диапазон в 4 октавы. Ну и в-третьих, безумная харизма, которая сделала его мечтой всех девушек и ролевой моделью для парней. Я понимаю, что объективно Роберт не супергерой, но лично мне его образ и манера вокала очень доставляют, так что я решил включить его в свой список.

Теперь постараюсь объяснить почему в качестве иллюстрации мы будем слушать Led Zeppelin III. Первые два альбома коллектива абсолютно точно заслуживают уважения и внимания, ведь являются авангардом блюзового хард-рока. Однако именно III впервые раскрывает Led Zeppelin с новой стороны. Он родился из поездки Роберта Планта и Джимми Пейджа в Уэльс, где они могли чиллить в коттедже Брон-Эр-Айр, а в местных пабах их никто не узнавал. Эта умиротворяющая обстановка стала на удивление плодотворной. Парни начали наигрывать друг другу какие-то более лёгкие мотивы, уходящие от рока в сторону блюза, фолка и кантри, а из-за отсутствия электричества под рукой оказались только акустические инструменты. Это и определило будущее звучание III, который стал для группы экспериментальным, и показал ребят с новой стороны. На пластинке можно услышать множество акустических мелодичных зарисовок, восточных веяний и, конечно же, блюза. Трек Since I've Been Loving You до сих пор является одной из моих самых любимых песен Led Zeppelin. Здесь и Роберт открывается для слушателей по-новому, он больше не орёт как сумасшедший (не считая легендарной Immigrant Song), а просто спокойно исполняет куплеты своим сладким голосом. Несмотря на очень прохладный приём современников, сейчас считается, что III спас группу от клейма рок-звёзд, и без него мы бы не услышали ни Houses of the Holy, ни Physical Graffiti, про которые у меня тоже есть посты.

Слушать на доступных площадках

🇮🇪 The Divine Comedy – Promenade (1994) / Casanova (1996)
#chamber_pop #art_pop

Начну с человека, из-за которого и появилась идея данной серии. Нил Хэннон и его Божественная Комедия. Сразу предупрежу: пост будет очень субъективным, ведь я не встречал ни одного человека, которому голос Хэннона в целом бы нравился. Его часто называют скучным и монотонным, но при этом нельзя отрицать, что в нём много силы и глубины. Несмотря на баритоновую основу, он легко и с точностью берёт высокие ноты. Ещё его отличает фирменный вибрато, добавляющий теплоты. Плюсом ко всему идёт обворожительный ирландский акцент и прикольные фразочки, которые Нил любит вставлять между куплетами. На сегодняшних альбомах их больше всего: Нил разыгрывает сценки, читает стихи и вообще ведёт себя как настоящий театрал. Это некий переходный период между ранним брит-попом и поздним оркестровым эпиком. Ещё не опера, но уже полноценный театр одного актёра. Причём театр интеллигентный и, не побоюсь этого слова высокоинтеллектуальный.

Promenade является концептуальным произведением. Он рассказывает про день из жизни влюбленных, которые они проводят у моря: катаются на велосипедах, обедают, смотрят кино. Главным ориентиром для Хэннона во время создания Promenade являлся композитор Майкл Найман. Нил даже шутил, что он не против, если Найман его засудит за плагиат. Пластинка просто переполнена отсылками к греческой мифологии и французскому кино. Casanova, в свою очередь, является вольной интерпретацией жизни того самого авантюриста и романтика, чьё имя вынесено в название. Здесь музыка стала ещё богаче, а монологов между куплетами стало больше. Casanova до сих пор считается самой успешной пластинкой The Divine Comedy, она получила золотой сертификат по результатам продаж, а каждый сингл добрался до верха чартов. Песня The Frog Princess до сих пор кажется мне пиком того, что делал Хэннон в 90-е. Сначала я невзлюбил и Promenade, и Casanova, предпочитая рыдать в подушку под более взрослый и трагичный Absent Friends, но сейчас чаще всего возвращаюсь именно к ним. Понимаю, что серия задумывалась как рассказ про сильных вокалистов, а Нил Хэннон берёт скорее манерой и артистизмом, но ничего не могу с собой поделать, я слишком большой фанат The Divine Comedy. Дальше будут посты про более голосистых ребят.

Слушать Promenade на доступных площадках
Слушать Casanova на доступных площадках

Приветик. Я тут вспомнил, что в посте про The Divine Comedy, в процессе восхищения талантом Нила Хэннона, пообещал сделать серию постов про любимых вокалистов. Собственно, я её сделал, на следующей неделе буду выкладывать по альбому в день, с условного пятого места по условное первое. "Условные" они по многим причинам. Во-первых, мнение будет, как всегда, субъективное, и я заранее могу предположить, что не совпаду в этом мнении почти ни с кем. Во-вторых, я не буду брать людей с действительно сумасшедшими вокальными данными, каких-то оперных певцов или экстрим-металистов, а пройдусь по классике батя-рока, фолка и кантри. В-третьих, расставлять любимых артистов в какой-то топ всегда сложно, всё равно каждый любим по-своему. Но в любом случае получится неделя хорошей музыки, тут могу гарантировать. Начинаем завтра в 10:00, как обычно

🇺🇸 The Backseat Lovers – When We Were Friends (2019) / Waiting to Spill (2022)
#indie_rock #midwest_emo

Про The Backseat Lovers узнал буквально вчера, и уже смог получить огромное удовольствие от прослушивания их дебютника. Оказалось, что группа существует с 2018 года, а началось всё с того, что вокалист Джошуа Хармон и гитарист Джонас Свансон познакомились, стоя в очереди на открытый микрофон, проходивший в городе Прово, что в штате Юта. Парни быстро поняли, что в их музыкальных вкусах много общего, нашли себе барабанщика и басиста, назвались The Backseat Lovers и решили принять участие в битве групп. Не знаю победили они или нет, но в любом случае материал, написанный в то время, лёг в основу их дебютного EP Elevator Days, вышедшего в том же году. Развивать этот EP до полноценного альбома парни не стали, а записали дебютный полноформатник When We Were Friends из полностью новых треков. И EP, и альбом вышли на деньги самих музыкантов, без лейбла. Но не переживайте, группа благополучно пережила ковид, в 2021 успела выступить на фестивале Lollapalooza и там их заприметили Capitol Records, которые помогли с выпуском второго полноформатного альбома Waiting to Spill в 2022 году.

Звучат оба альбома как очень приятный, слегка гаражно-шугейзовый инди-рок. Вы также могли в подзаголовке увидеть тег мидвест эмо. Дело в том, что всё творчество The Backseat Lovers достаточно меланхолично, песни тут грустные, гитары лёгкие, а вокал Джошуа немного надрывист, когда того требует настроение. Два, существующих на данный момент лонгплея, между собой всё же отличаются – чувствуется рука, которую приложил лейбл. When We Were Friends ощущается более однородным, кустарным, в общем настоящее инди. Кроме кривовато записанных инструментов и голоса, там нет ничего лишнего. На Waiting to Spill можно уже услышать намного более качественный мастеринг, много акустики, клавиш, более богатые аранжировки. Но вы же знаете, что когда речь идёт об эмо, такой продакшн скорее вредит, чем помогает. Так что Waiting to Spill всё ещё ощущается очень спокойным, грустным и местами мечтательным, но от него веет скорее пост-боритпопом в духе ранних Coldplay. Вон, на том же RYM ему уже понаставили в жанры теги арт-рок и пост-рок, но я бы так глубоко не копал. Всё равно оба альбома в основе своей – это хороший и добрый инди. Ничего сверхъестественного, но если вы такое любите, то хотя бы пару песен с одного из альбомов скорее всего заберёте себе в плейлист. Также вокалист The Backseat Lovers, Джошуа Хармон, в 2024 году выпустил первый сольник под названием Deeper Sleeper, который представляет из себя слегка экспериментальный фолк-рок, можете его тоже заценить. Джошуа пообещал, что его сольная карьера не помешает творчеству The Backseat Lovers, и сказал, что работа над третьей пластинкой группы уже кипит.

Слушать When We Were Friends на доступных площадках
Слушать Waiting to Spill на доступных площадках

🇺🇸 Arch Echo – Final Pitch (2023)
#jazz_fusion #progressive_metal #math_metal #djent

Есть такой интересный жанр, который совмещает в себе прогрессивный мат-метал и фьюжн-джаз. Его саунд достаточно уникален, поэтому мне даже сложно сказать к чему он ближе: металу или джазу. Субъективно для меня он ближе ко второму: это как раз очень тяжёлый джаз с электрогитарами и брейкдаунами, а не наоборот. К слову про гитары: именно звучание и скилл гитаристов влюбили меня в это направление в своё время. Смотреть живые выступления таких профессионалов – одно удовольствие. Среди моих постов уже множество раз появлялась подобная музыка: Scale the Summit, Plini, David Maxim Micic, да даже у Polyphia есть подобные композиции. И вот настало время для новых гостей на данной сцене – Arch Echo. Их вы уже могли слышать у меня на канале, если ознакамливлись с альбомом Fiction от Syncatto, про который я писал два года назад. Именно на нём есть трек Prestige, который является фитом с Arch Echo.

Итак, кто же такие Arch Echo? Это группа, которая собралась в 2016 году в самом музыкально-задротском месте на планете – колледже Беркли. Выпустили парни всего три альбома, но поскольку новые звёзды на этом поприще появляются не очень часто, их сразу полюбили фанаты джазового прог-метала. Критик из New Noise Magazine отмечал, что слышит в творчестве Arch Echo влияние гитарной игры Стива Вая и композиционику Meshuggah. С самого первого альбома группа завоевала уважение коллег по цеху и успела потурить с такими артистами как Dream Theater, Periphery и тот же Plini.

Вам я хочу дать послушать последний на данный момент альбом парней, вышедший в 2023 году. Здесь есть несколько классных артистов на фитах, например в одноимённой песне с Arch Enemy пришёл спеть Энтони Винсент, ведущий ютуб-канала Ten Second Songs, на котором уже 3.5 миллиона подписчиков, а за саксофон на этом же треке взялся Эдриан Гонзалез, участник группы The Mars Volta. Остальные песни, если что, инструментальные, вокал есть только на этой. На трек Aluminosity удалось затащить Джордана Рудесса, клавишника Dream Theater и Liquid Tension Experiment. При этом сам альбом вообще не тяжёлый, несмотря на свою джентовость. Это очень мелодичный и качовый мат-метал, где, помимо первоклассной гитары, можно также услышать первоклассные клавиши. Да и остальные инструменты также сияют, всё же чуваки учились в Беркли. Если вам понравится, первые два альбома тоже слушайте смело.

Слушать на доступных площадках

🇺🇸 Mammoth – WVH (2021) / II (2023)
#hard_rock #alternative_rock #post_grunge

Я сейчас сделаю очень странный мув, который многие не поймут, но мы с вами будем обсуждать Вольфганга Ван Халена, не поговорив перед этим о его отце – Эдди Ван Халене. Для новоприбывших: да, за почти 3 года существования канала я до сих пор не нашёл времени сделать пост про хотя бы один альбом пионеров хард-рока Van Halen. Разумеется мы ещё поговорим о них, послушаем легендарный "1984", мой любимый Balance, и крайне недооцененный A Different Kind of Truth. Так вот, может кто-то из вас не знал, но у Эдди Ван Халена всё это время рос сын-музыкант по имени Вольфганг. Он родился в 1991 году от брака Эдди с актрисой Валери Бертенелли. Маленький Вольфганг рос в Санта-Монике и уже в детстве начал играть на барабанах. Однако первую концертную деятельность наш артист начал в роли басиста в группе отца, он присоединился к Van Halen в 2007 году, когда был ещё 11-классником. Его бас можно услышать и в студийном формате: Вольфганг играл на бас-гитаре на A Different Kind of Truth, и вообще был полноценным участником группы вплоть до распада Van Halen из-за смерти Эдди в 2020 году.

За свою только недавно начавшуюся карьеру Вольфганг успел поиграть и с Тремонти (гитаристом Alter Bridge и Creed), и с Sevendust, про которых у меня когда-то выходил пост. Но сегодня мы послушаем собственную группу Вольфганга, под названием Mammoth. Нейминг отнюдь не случайный, Mammoth (мамонт) – одно из названий, которое Эдди предлагал для группы Van Halen, но тогда все остановились на варианте Van Halen. Работа над первым альбомом собственной группы началась в 2015 году, в 5150 Studios, однако сама пластинка вышла только в 2021. Все песни писал, сочинял и играл один Вольфганг, другие люди ему помогали лишь со сведением. С первых секунд мы слышим, что сын решил отойти от формулы отца и ударился в достаточно попсовый пост-гранж. "Попсовый" я говорю не в негативном ключе. Это очень приятный, ориентированный на радиоформат хард-рок в духе Nickelback или 3 Doors Down. Я ни в коем случае не могу назвать скилл самой гитарной игры Вольфганга плохим, однако сила его альбомов не в этом, а в очень крутом продакшене. Чувствуется сколько сил и времени вложено в то, чтобы все инструменты звучали именно так, как задумал сам Вольфганг, а в песнях сделан упор на душевные цепляющие припевы, а не сумасшедшие соло-партии. На данный момент группа Mammoth выпустила три студийных альбома, последний из которых вышел в 2025, и мои любимые – первые два. Не могу сказать, что Вольфганг создал какие-то нетленки на все времена, но это сделанный с большой любовью рок, отправляющий меня ментально в конец 2000-х, когда такую музыку величали загадочным словом "альтернатива".

Слушать WVH не доступных площадках
Слушать II не доступных площадках

🇯🇵 緑黄色社会 – Actor (2022)
#jrock #pop_rock

После того, как я выяснил, что у моего любимого подвида японской музыки есть название, мне стало намного проще искать что-то новое. Если что, называется он yakousei, и почитать о нём подробнее вы можете в обзоре на Sangatsu no Phantasia. И вот мои поиски привели меня к достаточно известной японской группе Ryokuoushoku Shakai, что можно привести как "зелёно-жёлтое сообщество". Название является неким локальным мемом участников, не буду вдаваться в подробности. Коллектив состоит из четырёх человек и я, если честно, не могу даже сказать, чьи партии цепляют меня тут больше всего. За гитару и вокал (а также харизму, энергетику и драйв) отвечает Харуко Наайа, эта маленькая девочка очень уж зажигательно поёт, так что я влюбился в музыку Ryokuoushoku Shakai во многом благодаря ей. В коллективе также есть вторая девушка, Шинго Анами, она тут басистка, и, по её словам, она пришла в группу услышав впервые как поёт Харуко на демках. На клавишах отрывается музыкант под сценическим псевдонимом Peppe, и он тут отвечает как за фанковые космические синты, так и за чистое фортепиано на балладах. Ну и на ритм-гитаре играет некий Иссеи Кобаяши, про него мне нечего сказать.

Коллектив собрался в 2011 году в музыкальном клубе местной школы префектуры Айти. С первого же EP "Nice To Meet You??" группу подписали к себе Tower Records, а пластинку издали за пределами Японии. Правда между основанием коллектива и первым релизом прошло целых 6 лет, но я не смог найти информации о том, чем были заняты ребята в это время, видимо, учились в школе. Кстати, поздравляю всех школьников с днём знаний! В 2018 у Ryokuoushoku Shakai вышел уже первый лонгплей, который открыл им на дорогу на Epic Records, что только сильнее бустануло известность группы. Сейчас у коллектива пять пластинок, и я послушал все, но больше всего мне понравился Actor 2022-го. И не просто так, оказывается я уже знал отсюда одну песню: ずっとずっとずっと. Точно не могу сказать каким образом, но она уже была добавлена в мой плейлист с японской музыкой. Играют ребята типичный якусэй: смесь фанка, джаза и джей-рока с яркими инструменталами и забавными текстами. Да, не могу сказать, что музыканты тут прям какие-то джазмены, и я слышал в своей жизни намного более техничный якусэй, но энергетика у группы всё равно классная, во многом за счёт вокалистки. Особенно вступление на пластинке хорошее, оно с первых нот задает тон на всё, что вы услышите дальше. Вторая половина альбома немного проседает по динамике, но в целом я советую вам Actor, если любите сочный джей-рок. А если зашло, то смело слушайте и все остальные альбомы, откровенно провальных у них нет.

Слушать на доступных площадках

🇺🇸 Torche – Restarter (2015) / Admission (2019)
#shoegaze #stoner #sludge

Вы когда-нибудь слышали шугейз-метал? Не блэкгейз, а что-то более близкое к классическому металу. Хотя кого я обманываю, наверняка слышали, это до меня всё доходит с опозданием. Но благодаря знакомству с группой Torche, я открыл для себя мир абсолютно нового звучания. Вообще Torche начинали как достаточно типичная сладж/cтоунер/дум команда. Из классического сладжа их выделял, пожалуй, только вокал, хотя при этом я не могу сказать, что в перечисленных выше жанрах обязательно принято петь как-то очень агрессивно. Зато вот риффы на первых альбомах очень напоминают просто грязный стоунер с долей психоделики. Это, кстати, не негативная характеристика, я такое обожаю, но поговорить хочу о более позднем творчестве, когда музыка стала больше напоминать шугейз. Дрим-метал, если хотите. Вообще Torche – команда не молодая, они образовались в 2004 году из очень разношерстных музыкантов: кто-то играл скримо, кто-то грайндкор, но основные действующие лица угарали именно по сладжу. Несмотря на старт в роли металистов, их первые туры были именно с пост-рокерами: Mogwai, Boris, Jesu. Даже с уже известными нам The Sword они скатались в турне. Советую перечитать посты про Age of Winters и Warp Riders, классная группа. Так вот, смена вектора в сторону шугейза вызвана уходом основателя, Хуана Монтойи, место которого занял Эндрю Элстнер, гитарист Riddle of Steel и Tilts. Это случилось как раз перед выходом альбома Restarter, который для меня ощущается как глоток свежего воздуха на фоне классического стоунера и сладжа.

Restarter, а также вышедший после него Admission, были записаны на лейбле Relapse Records, и если изменение в звучании это их заслуга, то продюсеры красавчики. Сначала пару слов о Restarter. Представьте, что ранние Black Sabbath возьмут фузз-педальки, выкрутят реверб на максимум и будут играть то же самое, что мы слышали в 70-е, со спокойным вокалом Оззи и мастерски написанными риффами, но при этом без долбежки по ушам. Вот так звучит Restarter. Один из критиков даже назвал такой жанр "дум-поп". Он действительно очень легко слушается, если постараться раствориться в этом звучании, а не вслушиваться в каждую гитарную партию. Последовавший следом Admission продолжает ту же линию группы, но звучит ещё попсовее. Не в плане тяжести, а именно в плане построения композиций. Это уже, скорее, My Bloody Valentine, которые просто выкручивают gain на максимум. Оба альбома получили отличные отзывы от критиков и фанатов, однако с 2019 года у коллектива вышел только один сингл, и там они звучат сильно тяжелее, больше в духе ранних работ. Я очень надеюсь, что парни живы и здоровы, и будут продолжать делать такой же шугейз-метал. Кстати, их нынешний фронтмен – один из немногих открытых геев на метал-сцене

Слушать Restarter на доступных площадках
Слушать Admission на доступных площадках