Композиция смыслов

Милота и Кавай в искусстве

Вчера посетила новую выставку в музее современного искусства Ludwig Museum в Будапеште и очень очень кайфанула от эстетики и посыла всей экспозиции, развернувшейся на первом этаже. На входе меня встретил игрушечный танк, заваленный трупами игрушек, и я подумала, что выставка обещает быть сочной =)

Милота, часто воспринимаемая как эстетический элемент, может нести в себе глубокое политическое и социальное послание, потому что через мемы с котиками мета-нарртативы доходят куда надо и не вызывают сопротивления. Это же всего-лишь мем, c'mon!

Одной из движущих сил, стоящей за увеличивающимся спросом на няшный контент, является ощущение нестабильности на глобальном уровне. В ответ на войны, пандемии и экологические кризисы люди ищут убежище в легкой эстетике с милыми котиками, вызывающем положительные эмоции. В моменты бедствия милота предлагает некое убежище.

Вообще мне показалось, что это весьма сложная область, несмотря на то, что на выставке было много блесток, розового, пиксельного и мультяшного. Ну и конечно там было много антикапиталистической подоплеки, что не могло мне не понравится по определению.
Если подумать, то милота становится мягкой плюшевой силой в руках иерархических организаций, тонко воздействуя на общественное восприятие. Она имеет способность манипулировать, открывать окна Овертона. Милота, помимо того что это инструмент маркетинга и потребительской культуры (ну кто не хотел купить милую акулу из Икеи?), также может придать менее пугающий облик в глазах общества совсем ужасным событиям и явлениям. Например насилию.

Что скрывается за желанием обладать куклой или плюшевой игрушкой? Некоторые ученые утверждают, что милота содержит садистский элемент - тенденцию эстетизировать бессилие и деформированность. Она включает в себя бессознательное стремление к изуверству и уничижению. Садистский аспект милоты проявляется, когда милые объекты вызывают одновременное желание заботиться о них и стремление дальше деформировать их. Ну например как мы в детстве отрывали мишкам лапы, а во взрослом мире - ну скажем есть хентай. Мы персонифицируем наши игрушки, давая им имена, и объективизируем людей, например женщин, которые превращаются в подстилку или кухонный гарнитур.

Пройдя выставку дважды и перечитав все сопроводительные тексты у меня возникло сложное и многогранное ощущение. Милота навигирует между взрослостью и детством, знакомым и незнакомым, безопасностью и нестабильностью, поджигая непрерывное взаимодейтсвие и увлекая внимание своей антропоморфностью (или наоборот зооморфностью). Она одновременно и для детей, которым надо транслировать взрослые ценности и для нового поколения инфантильных взрослых.

Милоте быть!

Вот такие мысли, друзья. Фотки с выставки ниже!

Сегодня снова почувствовала себя в своей среде, потому что за раз посетила 7!!! галерей Будапешта (тут было что-то типа дня открытых дверей с медиациями), порасспрашивала, позадавала неудобные вопросы, получила откровенные ответы. Вынесла несколько дельных советов.

- А как галереи ищут новых художников?
- n e t w o r k i n g !

- С чего начинать карьеру молодому иностранному художнику в новой стране?
- n e t w o r k i n g !

- А с чего начинали карьеру Венгерские коллеги?
- n e t w o r k i n g !

Тут все по старинке. Скучаю по российским бесконечным Опен Колам.

А ещё несмотря на обилие нефигуративной абстрактной живописи, говорят, что снова появляется запрос на фигуратив.

Это радует.

История путешествия в искусстве - это история с открытым финалом. Художник все время находится в середине истории и не знает, чем кончится его путь. У художника появляется отличная идея, он трудится, чтобы претворить ее в жизнь, а затем отпускает эту идею в мир. Иногда идея оказывается успешной, иногда она проваливается, но чаще всего она просто не производит никакого эффекта.

Сегодня я захотела рассказать историю о чувстве вины, которое я ощущаю после переезда. Я зафиксировала эти чувства лаком с блестками. Чушь какая-то. Или символический акт.

Искусство - это путь. Не конечный результат, как я думала раньше. И боялась шагнуть за пределы стабильного результата.

Даю себе время на обретение внутренней свободы и эксперименты.

Проблематика в искусстве - а что, обязательно надо говорить о какой-то проблеме (читай депрессухе и грустняшке)?

Этот вопрос мне периодически задают студенты во время консультаций по поводу их композиций.

Краткий ответ - нет, ведь проблематика не равно проблема.

Проблематика - это развертывание темы в процессе размышления, исследование точно поставленной задачи с разных сторон. Это трансформация мыслей по поводу выбранного топика в процессе философской рефлексии, когда художник все глубже и шире начинает смотреть в суть проблемы.

В искусстве, которое можно увидеть на выставках в Союзах, чаще всего есть какой-то посыл, какая-то идея, поэтому классическое реалистическое академическое искусство нельзя назвать бездумным, просто констатирующим факт наличия чего-то в природе. Но тем не менее в таком искусстве часто отсутствует проблематика - широкий взгляд на тему. Для примера возьму весеннюю ежегодную выставку в СХ, на которой можно увидеть много разных авторов. Где-то романтическая парочка гуляет по Санкт-Петербургу в белую ночь, где-то изображена цветущая сирень. На одной из картин рождается ребенок и совершает свои первые шаги, или можно увидеть просто красивый пейзаж с цветущими яблонями. Это действительно прекрасно, вечно, жизнеутверждающе, но это одномерный взгляд на тему - весна, молодость, красота, вечное обновление. Проблематика же подразумевает внутреннее скрытое противоречие - та самая Гегелевская диалектика)

Ширины охвата проблематики сложно достигнуть, если не шагнуть за свои когнитивные границы и не потратить время на дополнительное исследование - посмотреть что уже было сделано, почитать разные статьи, углубиться в философские труды, поэкспериментировать и т.д. Без этой исследовательской работы можно закончиться на идеях с первой полки, которые не будут отличаться от первых идей 10 других авторов. Но представьте, если вы месяц, целый год, 10 лет, 20 лет жизни посвятили исследованию какой-то проблематики?
Это все равно, что разговаривать с человеком, который прочитал статью на википедии про Малевича, и с человеком, который занимался исследованием его творчества всю жизнь - насколько будет глубокий диалог с этими людьми?

Цельного большого высказывания сложно добиться одной композицией, но можно добиться серией или целым выставочным проектом. Если это коллективная выставка, то очень большую роль играет куратор, который следит за цельностью и раскрытием идеи. Если это персональный проект художника - то куратором будет выступать сам художник.

Отвечая на вопрос выше: "Обязательно надо говорить о какой-то проблеме" - нет, проблематика может быть и позитивной, но желательно подсвечивать разные стороны темы - выявлять скрытые противоречия, размышлять, давать разные углы зрения.

Медиа (живопись на холсте, графика, вышивка, скульптура, керамика, инсталляция, новые медиа и проч.) - это инструмент, материальный носитель для передачи идеи.

Я сейчас нахожусь в такой точке, когда уже давно хочется шагнуть дальше живописи (но не слишком далеко, пока что).

Стараюсь двигаться к внутренней свободе.

Развивать Инстаграм и популяризировать свое искусство через онлайн или заниматься развитием институциональной карьеры?

Вопросы, которые так сильно всех интересуют и вызывают больше всего вопросов.

Чтобы понять, куда тратить свои ресурсы, нужно увидеть всю картину целиком - какие плюсы и минусы есть у каждого пути развития. А они есть у обоих. В идеале совмещать оба варианта. Но каждый пусть решит для себя сам. Видео ниже закроет некоторые гештальты.

Проблема с соцсетями:
1. Количество > качество из-за низкой конверсии (пилим дешевый контент, много, но зато каждый день)
2. Недолговечность (соцсети могут закрыться, алгоритмы поменяться)
3. Не включенность в культурную среду (каждый сам по себе, сложность развития нетворкинг)
4. Низкий ценовой диапазон
5. Финансовый потолок (до 3500-5000€)

Проблема с художественными галереями:
1. Конкуренция
2. Отсутствие быстрых результатов (да.. это долгие инвестиции
3. Нет потолка цен

Давайте в комментариях обсудим?

https://youtu.be/wP2CHxRoba0?si=MCPbLcFX9yXWt3wn

Погружаясь в анализ чужих произведений художник активирует систему анализа собственных, а это необходимо, потому что никто кроме самого художника не является лучшим специалистом его работ, чем он сам. Это нужно для осознанного творчества + для арт.доков. Очень важно уметь рассуждать и артикулировать переживаемый спектр ощущений от искусства и замечать те средства, которыми художник смог передать свой месседж.

Искусство - это коммуникация, это язык, такой же как иностранный.

Важно уходить от простых формулировок - «нравится/не нравится», «красиво/некрасиво», «мощно/фигня» и проч. Это нисколько не поможет осознать увиденное и обогатить личный опыт, расширить словарный запас.

Эту заметку я привязываю к анонсу анонса 3-го потока курса по композиции, который хочу провести в октябре. На курсе я максимально подробно рассказываю о визуальном коде, в который художник облекает свое послание миру. Средства композиции - это один ключевых аспектов языка искусства.

Следите за обновлениями.
На фото и видео А.Кифер

Представьте себе зал начала 20 века в музее искусств в 2459 году (принимая что мы ещё не исчезли как вид).

Будет ли там мастерски сделанный пейзаж, констатирующий факт красоты природы?

В актуальном искусстве поднимаются темы актуальные для нашего времени. Это радио вещает о нас и мы как никто способны услышать его.
Красивый пейзаж закрывает потребность зрителя в красоте. Но в человеке это не единственная потребность. Есть, например, еще потребность быть услышанным и понятым.

Представьте, какой отклик будет, если автор, вместо того чтобы закрыть дырку в стене покупателя, закроет дырку в его душе? Поговорит об инклюзивности матери одиночки, об ее чувствах, потерянности?

Актуальные темы не всегда красивые. Классический язык чаще красив, гармоничен, эстетичен. Но если стать заложником красоты, то сложно говорить об актуальном. И в этом вся сложность проблемы искусства - найти тот язык, который способен объять и отразить такое сложное явление, как современность

Каждому времени - свое искусство.

На днях мама (она искусствовед) прислала мне запрос поискать на английском про австрийского автора Eduard Boehm (1830-1890). Я нашла удивительно мало информации - родился/учился/страдал/умер. На аукционах его работы стоят от 200$ до 8000$ на Christie's. Это несказанно мало для такого мастера.

Мне стало за него обидно. Представляете, человек всю жизнь учился, выписывал листики..Умер. И даже смерть не принесла признания, хотя казалось рынок должен был бы использовать его смерть для извлечения прибыли - лимитированный товар!

Причин такого непризнания может быть много, но одна из них точно в том, что автор не попал в нерв своей эпохи. В то время когда импрессионисты сместили акцент с объекта на субъект, с объективности и правдивости на субъективное ощущение, закрытый новому Эдуард продолжал настаивать на реалистическом пейзаже. Он не смог настроить свой тонкий радиоприемник на колебания внешнего мира, не услышал его, и мир в ответ не услышал Эдуарда.

Послушала потрясающий подкаст с какой-то нереальной инсайдерской информацией об устройстве арт рынка, о том, как работают аукционы и коллекционеры. Арт-консультант из Казахстана, из моего родного города Алматы, которому посчастливилось работать у Гагосяна сейчас активно развивает культуру Казахстана.

Честно, у меня такое ощущение, что там где я училась - в Академии Репина - просто закапсулировался 18 век. Пока я там находилась - мир оброс чуть-ли не магической мифологией.
И сейчас (через два года после нее) - начиная действительно соприкасаться с миром, я как будто бы заново рождаюсь) Простите за пафос))))

В подкасте много много исторических справок и очень приятной атмосферы. Даже тем, кто не из Казахстана - будет очень полезно. А Алматинцам вообще кайф)

https://youtu.be/UmJFR8RbFM4?si=FgiUUC2XiCDCUCFH