Лёшкин Дом

С П А С И Б О
0909

Вместо привычного поста хочется в который раз, вас поблагодарить)

Спасибо, что весь этот год были здесь: читали, слушали, приходили на концерты, занимались со мной, писали сообщения, поддерживали мои идеи и каждый раз соглашались отправиться со мной ещё в одну музыкальную историю.

За этот год произошло очень много всего. И очень большая часть этого благодаря людям, которые появились в моей жизни через музыку.

Спасибо, что путешествуете по этому маршруту вместе со мной. А если захотите сделать подарок, я знаю, куда его с удовольствием направлю, в следующий этап всех этих музыкальных приключений https://tbank.ru/cf/4YCx18Rs3HB А можно просто написать пару слов, это более чем прекрасный подарок.

Теперь я на неделю исчезаю из канала. Немного отдохну, соберусь с мыслями и вернусь.

До встречи через неделю.

✦Доброго утра! ✦
И напоследок: что вам больше всего запомнилось за этот год здесь?

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
ростроприколы

После того как рассказал вам историю о том, как Ростропович переодевался в лебедя, я решил немного покопаться в его биографии. Потому что выяснилось, что у Ростроповича был какой-то совершенно отдельный талант устраивать людям сюрпризы.

Особенно Галине Вишневской. Например, во время их поездки в Прагу Ростропович однажды предложил ей перелезть через забор. Вишневская, напомню, была примадонной Большого театра и совершенно справедливо спросила:
— Я, примадонна Большого театра, через забор?
Но Ростропович уже решил задачу. Он подсадил её, сам перемахнул через стену и позвал за собой. Только за забором оказалась огромная лужа после дождя. И тогда он снял с себя светлый плащ, бросил его на землю и предложил Вишневской пройти по нему. То есть ухаживание у Ростроповича выглядело примерно так: сначала перелезаем через забор, потом расстилаем плащ по грязи)

Однажды за ужином он заметил, что Вишневская очень любит солёные огурцы, запомнил и закрепил. Позже пробрался в её гостиничный номер, поставил в шкаф большую хрустальную вазу, налил туда воды, положил ландыши и добавил туда же солёные огурцы. Рядом оставил записку, объясняющую, что он не знает, как она отнесётся к такому букету, поэтому решил гарантировать успех предприятия и добавить любимые огурцы. Вишневская открыла шкаф и увидела это произведение флористического искусства.

А с подарками у него был уже настоящий театр. Однажды на важную дату Ростропович сначала подарил Вишневской небольшую брошь в виде зверюшки. Она подарок не оценила и в итоге бросила брошь со словами, что на такую дату можно было придумать что-нибудь поинтереснее. Примадонна как никак.

Ростропович молча выслушал всё недовольство. А потом достал из кармана старый потрёпанный спичечный коробок.
— Ну, раз тебе не нравится брошка, дарю тебе спичечный коробок.

Вишневская осторожно открыла его. Внутри, завёрнутый в ватку, лежал оогромный бриллиантовый перстень. Причём Ростропович заранее подгадал момент и включил в комнате всё освещение, люстры и подсветки. Камень вспыхнул, Вишневская расплакалась и бросилась ему на шею.

Эту историю Ростропович сам рассказывал пианистке Вере Горностаевой. И после всего этого я уже совершенно не удивляюсь историям про лебедя.

Похоже, Ростропович вообще воспринимал жизнь как пространство для импровизации: если можно было просто подарить кольцо, он сначала подарит брошь, потом спичечный коробок, а в финале включит все люстры. Если можно было пройти через парк, сначала обязательно нужно перелезть через забор. А если женщина любит солёные огурцы, почему бы не поставить их в вазу с ландышами?

Вот такой человек)

Доброго вечера!

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
почемуугитарышестьструн

Почему именно шесть? Казалось бы, если одна дополнительная струна даёт больше нот, почему бы сразу не сделать семь, восемь или десять?

Само собой, современная шестиструнная гитара появилась не по принципу что то-то решил, что шесть, это самое удобное число.

Первые гитары XV века вообще имели четыре курса струн, то есть четыре пары. В XVI–XVII веках распространение получили инструменты с пятью и шестью курсами. Поэтому старинная «шестиструнная» гитара могла фактически иметь двенадцать струн, объединённых попарно. Почти как привычная нам двенадцатиструнная гитара.

Постепенно ситуация изменилась. В начале XIX века стали широко доступны качественные металлические струны. Они были громче и прочнее кишечных, поэтому необходимость в двойных струнах стала уменьшаться. Музыканты и мастера всё чаще переходили к одиночным струнам, и именно шестиструнная конструкция постепенно стала стандартной.

Но семиструнные гитары никуда не исчезли. Например, в России в конце XVIII, начале XIX века, сформировалась собственная традиция семиструнной гитары. Она строилась вокруг открытого строя D–G–B–D–G–B–D, то есть уже при открытых струнах звучал аккорд соль мажор. Инструмент оказался настолько популярным, что для него создавали отдельный репертуар и целую школу исполнительства.

А в Бразилии семиструнная гитара стала важнейшим инструментом шору: дополнительная басовая струна позволила гитаристам играть более самостоятельные басовые линии поверх аккомпанемента.

То есть правильнее сказать не почему у гитары шесть струн, а почему именно шестиструнная версия стала международным стандартом. И ответ довольно прозаичный: она оказалась очень удачным компромиссом между диапазоном, удобством, конструкцией инструмента и уже сформировавшимся репертуаром.

А остальные варианты просто нашли свои музыкальные ниши.

Доброго утра!
А если бы вы сегодня впервые проектировали гитару с нуля, оставили бы шесть струн или добавили ещё одну?

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
последжанго

Продолжу знакомить вас с крутыми гитаристами. Сегодня наш современник, французский гитарист Biréli Lagrène.

Он родился в 1966 году в Эльзасе, в семье музыкантов. Офигеть, но начал играть примерно с четырёх лет, а уже в семь лет разбирал на слух музыку Джанго Рейнхарда и пытался воспроизводить его соло. В подростковом возрасте Бирели был настолько виртуозен, что его начали называть наследником Джанго.

В 1980 году, когда ему было всего 13 лет, вышел его первый альбом Routes to Django. У меня воооооообще нет слов на сколько это феноменальный старт.

Примерно к 18 годам Лагрен начал специально уходить от влияния джипси-кумира. Ему было важно перестать быть человеком, который очень хорошо играет Джанго, и стать самостоятельным музыкантом. Он увлёкся Wes Montgomery, George Benson, а затем вообще ушёл в фьюжн и музыку Jaco Pastorius и Weather Report.

И тут начинается уже совершенно другая история. Лагрен играл со всеми этими величинами: Jaco Pastorius, John McLaughlin, Paco de Lucía, Al Di Meola, Larry Coryell, Stanley Clarke и другими музыкантами, которые находятся совершенно в разных музыкальных мирах. Успел некоторое время серьёзно позаниматься бас-гитарой, под влиянием Джако.

А потом он снова триумфальное возвращение в джаз-мануш. Но уже не как копия.

В 2001 году появился его проект Gipsy Project, а позднее Лагрен продолжил соединять традиционный свинг с современным джазом, блюзом и роком. Поэтому у него можно услышать совершенно разные стороны одного музыканта: от очень чистого манушского свинга до потрясающего фьюжена.

Мне безумно нравится как Бирели показывает, что виртуозность это не конечная точка. Можно сначала научиться говорить на языке своего кумира настолько хорошо, что тебя принимают за его продолжение, а потом сознательно этот язык сломать и собрать собственный. Причём он делает это уже почти пятьдесят лет и продолжает играть.

Доброго вечера!

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
самаястараязаписьдляпродажи

В 1888 году компания Томаса Эдисона решила, что фонограф может быть не только устройством для записи и воспроизведения музыки.Его попробовали превратить в игрушку.

Внутрь небольшой куклы помещали миниатюрный фонографический механизм с восковым цилиндром. Кукла могла «говорить» и петь. Например, на цилиндрах записывали детские песенки вроде Twinkle, Twinkle, Little Star.

Идея была более чем замечательной, но сама игрушка получилась довольно пугающей: механизм был дорогим, хрупким, а голос из маленькой металлической куклы звучал совсем не так мило, как хотелось производителю. Производство быстро прекратили.

При этом именно эти цилиндры сегодня имеют огромное значение для истории звукозаписи. Один из сохранившихся экземпляров с Twinkle, Twinkle, Little Star считается одной из самых ранних коммерчески распространявшихся звукозаписей.

Получается что, одним из первых товаров, на которых попытались заработать с помощью технологии записи звука, стала не пластинка и даже не музыкальный альбом, а поющая детская кукла.

Доброго утра!
Как думаете, вы бы купили ребёнку такую куклу в 1888 году или после первого «пения» сразу спрятали бы её подальше?)

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
спасибовсем

Спасибо всем, кто вчера пришёл в ЦПР, было хорошо) Спасибо тем, кто пел вместе с нами, тем, кто подошёл после концерта, и тем, кто просто сидел и слушал.

И отдельное спасибо тем, кто не смог прийти, но всё равно следит за моими концертами, музыкой и этим каналом. Я вижу ваши сообщения, реакции и фотографии, это безумно приятно.

Вообще, концертов в последнее время становится всё больше. Ещё недавно я бы не поверил, если бы сказали, сколько всего будет происходить за одну осень.

Так что будем продолжать)

Доброго вечера!

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
колонкакоторуюиспользовалинетак

Дональд Лесли придумал свою знаменитую акустическую систему вовсе не для вокала и не для гитары. Он хотел сделать звук органа Hammond менее сухим и заставил звук физически двигаться.

Внутри деревянной колонки стояли обычные динамики, а перед ними вращались рупоры. Из-за этого звук постоянно немного менял громкость, фазу и высоту. Получался эффект, будто источник звука кружится вокруг слушателя.

А потом инженеры поняли: если через эту штуку пропустить не орган, а голос, получится совершенно другой инструмент.

В 1966 году именно так обработали вокал Джона Леннона на Tomorrow Never Knows. Голос начал плавать и вращаться вместе с акустикой Leslie, для своего времени это звучало почти инопланетно.

Так устройство, созданное для органа, стало одним из самых узнаваемых эффектов в студийной музыке.

✦ А через час играем с «Я дружу с тиграми» в ЦПР на Литейном, 28.

Доброго вечера!

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
какзвукоказалсянакиноплёнке

Больше ста лет назад плёнка умела хранить только картинку. Звук приходилось создавать отдельно и ооочень аналогово, это музыкантами, которые играли прямо в зале.

В начале 1920-х американский изобретатель Ли де Форест занялся системой, которую назвал Фонофильм. Не хранить звук на отдельной пластинке, а записать его непосредственно на киноплёнку.

Микрофон превращал колебания звука в электрический сигнал. Этот сигнал управлял светом, а свет оставлял на плёнке оптический след, своеобразный рисунок звука. При воспроизведении происходило обратное: свет проходил через эту дорожку, фотоэлемент считывал изменения, а электрический сигнал снова превращался в звук.

Поэтому если посмотреть на старую звуковую плёнку под увеличением, рядом с кадрами можно увидеть странные полосы и узоры. Это не изображение и не пометки для киномеханика. Это сама музыка, только записанная не нотами, а светом.

12 апреля 1923 года де Форест впервые продемонстрировал фонофильм перед инженерами в Нью-Йорке, а через несколько дней, 15 апреля, система была показана широкой публике в театре Rivoli. В программе были певцы, танцоры, актёры и музыканты. Зрители впервые могли видеть человека на экране и одновременно слышать именно его выступление.

Само собой звук был далёк от идеального, а подходящего оборудования в кинотеатрах почти не было. Но по итогу именно оптическая звуковая дорожка впоследствии стала одним из главных способов хранения звука в кино на десятилетия.

А сегодня вечером предлагаю оставить звук на плёнке, или где бы он там ни хранился) и встретиться с ним вживую. В 20:00 играем «Я дружу с тиграми» в ЦПР на Литейном, 28. Вход свободный.

Доброго вам утра!

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
первыйосеннийконцерт

Пора официально открывать осенний концертный сезон)

Завтра играем с дуэтом «Я дружу с тиграми» в ЦПР. Это первый концерт этой осенью, поэтому особенно хочется увидеть вас, с кем уже встречались на концертах и тех, кто давно собирался, но всё никак не доходил.

Будем играть вдвоём. Начинаем в 20:00, а вход, что особенно приятно, свободный.

✦ 20:00
✦ ЦПР
✦ Литейный проспект, 28
✦ вход свободный

После летних концертов, поездок, выступлений и всей этой августовской суеты наконец начинается новый сезон. И давайте начинать его с живой музыки)

Так что если завтра будете в центре Петербурга, приходите. А я буду рад открыть эту осень вместе с вами.

Доброго вечера!

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
детройтmotown

В 1959 году у Berry Gordy было всего $800, которые он занял у семейного кооператива. На эти деньги он основал собственный лейбл Tamla и начал строить в Детройте то, что позже станет Motown. Это сокращение от Motor Town, с позволения сказать — автомобильный город.

Горди до этого успел поработать на автомобильном заводе, побыть боксёром, открыть магазин пластинок и написать несколько успешных песен. И неожиданно, опыт работы на автомобильном производстве пригодился ему в музыке.

Даже скорее вдохновил что ли. Он решил, что создание хитов можно организовать почти как производство: отдельно искать артистов, отдельно работать с авторами, продюсерами и музыкантами, отдельно заниматься сценическим образом и постоянно проверять результат.

В том же 1959 году в его студии появился Barrett Strong. Однажды Горди вместе с автором Janie Bradford обсуждал новую песню и сказал, что сейчас ему нужны не любовь и не романтика, а деньги. Strong услышал разговор, сел за пианино и вместе с ними начал складывать песню.

Так появилась “Money (That’s What I Want)”, это первый большой хит будущей Motown. Песня поднялась до второго места в R&B-чарте США.

А дальше Горди купил двухквартирный дом на West Grand Boulevard в Детройте. Сам поселился наверху, а первый этаж превратил в офис и студию. На здании появилась вывеска Hitsville U.S.A. и именно здесь в следующие годы будут записываться The Miracles, Marvin Gaye, The Supremes, The Temptations, Stevie Wonder и мнооооооогие другие.

За несколько десятилетий влияние Motown вышло далеко за пределы Детройта. На его песнях учились The Beatles и The Rolling Stones, а музыканты Motown фактически сформировали язык ритм-секции, который потом разошёлся по всей популярной музыке. Без Motown трудно представить и дальнейшее развитие соула, фанка и поп-музыки, а значит и огромное количество артистов, которые пришли уже после них. Один небольшой лейбл из Детройта в итоге оказался одной из главных музыкальных школ XX века.

Доброго утра!

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
тотальныйэкспериментвсевкабеле

Ещё раз хочу пригласить вас на Тотальный эксперимент. Это бооольшой кросс-жанровый проект, в котором на одной сцене соберутся сразу около 50 артистов.

Оркестр, хор, танцовщики, брейк-данс, художник и каллиграф, всё это будет существовать одновременно и взаимодействовать друг с другом.

Мне очень нравится идея проекта: нет одного главного жанра или одного привычного формата концерта. Музыка будет пересекаться с движением, визуальным искусством и конечнл импровизацией, поэтому каждый участник становится частью общего действия.

Проходит всё это в Севкабеле, и билеты сейчас стоят довольно недорого.

Нооо, если что напишите, могу поделиться промокодом на скидку.

Буду очень рад увидеть вас)

Доброго вечера!
Кто-нибудь уже был на подобных проектах? Или вам интереснее всё-таки классический концерт, где каждый отвечает только за свою часть?

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
светлыерешения

Есть музыкальные постановки, для которых место действия выбирают не ради эффекта, а потому что оно идеально подходит самой истории.

В 1924 году в Блу-Хилле, штат Мэн, поставили H.M.S. Pinafore, одну из самых известных оперетт Гилберта и Салливана. Вся история происходит на борту военного корабля, поэтому организаторы решили не изображать корабль на сцене, а вполне себе отправить спектакль на настоящую воду.
Актёры играли на палубе большой яхты Shawna. Плюс ещë яхта для музыкантов, там разместили пианино и струнных.

Оставалась одна проблема: спектакль был вечерним. Театральных прожекторов на воде, разумеется, не было. Поэтому свет нашли там, где он был под рукой: на берегу поставили автомобили и направили их фары на яхту. Так автомобильные фары на несколько часов превратились в сценическое освещение.

Похожая история произошла двадцать лет спустя в Сиднее. В декабре 1945 года там должен был состояться первый концерт ансамбля Musica Viva. В день выступления отключилось электричество. Для зала нашли генератор, а автомобильные фары использовали у входа в консерваторию. Зрителям раздали фонари, вот это мерч конечно) И концерт состоялся.

В одном случае фары освещали яхту посреди воды, в другом помогали зрителям добраться до концертного зала. Удивительно, насколько много разных вещей может однажды оказаться частью музыкального оборудования.

Доброго вам и светлого утра!)

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
голосгитары

Джордж Бенсон, пооотрясающий артист и один из тех музыкантов, у которых довольно сложно разделить певца и гитариста. Он начал выступать ещё ребёнком, первую запись сделал в десять лет, а в подростковом возрасте уже пел, танцевал и играл на гитаре. Причём сам Бенсон вспоминает, что изначально он вообще был прежде всего певцом, а гитара пришла немного позже.

В 15 лет Бенсон пел в группе, где для аккомпанемента наняли отдельного гитариста. Но Джордж постоянно подсказывал ему, какие аккорды играть, пока остальные не сказали: Так почему бы тебе самому не играть? Пришлось одновременно петь, играть и танцевать. Иии у него более чем получилось)

Возможно, именно поэтому спустя годы у Бенсона появилась его знаменитая манера: во время гитарного соло он одновременно поёт ту же мелодию голосом.

Сам Бенсон рассказывал, что заметил: он и так постоянно напевает гитарные линии про себя. Тогда решил просто перестать это скрывать и попробовать петь вслух. По его словам, голос заставляет гитарную фразу становиться более мелодичной.

Послушайте, например, This Masquerade. Там очень хорошо слышно, как голос и гитара буквально разговаривают друг с другом.

И я очень советую попробовать это как отдельное упражнение. Не просто иногда подпевать во время игры, а специально выделить на это время.

Берёте простую мелодию или своё соло и сначала медленно пропеваете каждую фразу, а потом пытаетесь одновременно сыграть и спеть её. Очень быстро становится понятно, где вы действительно слышите мелодию, а где пальцы просто привычно бегают по грифу.

Для импровизации, фразировки и развития слуха, это прям отличное упражнение.

Доброго вечера!
А вы пробовали когда-нибудь одновременно петь и играть своё соло?

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
самыйдорогойриффthepolice

Когда The Police приехали записывать Synchronicity на остров Монтсеррат, Every Breath You Take уже существовала, Стинг привёз демо и как видете, чего-то не хватает)

С ней вообще долго не могли разобраться. Стинг хотел очень простой барабанный рисунок. Стюарт Коупленд, наоборот, хотел играть по своему, с привычными для него сбивками и акцентами. Они спорили, переделывали партию снова и снова. Продюсер Хью Пэдэм позже вспоминал, что за десять дней работы у группы практически не было пригодного материала.

В какой-то момент Стинг просто сказал Энди Саммерсу: Иди и сделай это по-своему. Саммерс взял гитару. До этого в песне вообще не было той партии, которую мы сейчас узнаём с первой секунды. Он услышал последовательность аккордов и придумал арпеджио, вдохновлённое Бартоком.

Первый дубль оказался тем самым. Саммерс вспоминал, что после записи все в студии встали и начали аплодировать.

А барабаны в это время записывали в столовой студии. Там было настолько жарко, что у Коупленда из рук постоянно выскальзывали палочки. Пэдэм в итоге просто примотал их к рукам клейкой лентой.

В результате песня, которая чуть не развалилась из-за споров внутри группы, стала одним из главных хитов 1983 года: восемь недель на первом месте Billboard Hot 100.

Но есть некоторое 14 лет спустя) В 1997 году Puff Daddy использовал музыку Every Breath You Take в I'll Be Missing You. После разбирательства Стинг получил все авторские отчисления от новой песни.

Sting рассказывал, что Every Breath You Take приносит ему около $2 000 в день авторских отчислений. Это примерно $730 000 в год. И песня продолжает зарабатывать спустя больше сорока лет после записи.

В 2019 году BMI насчитала почти 15 миллионов радиопроигрываний и назвала её самой исполняемой песней в своём каталоге.
Не является инвестиционной рекомендацией)

А началось всё с нескольких секунд гитары Энди Саммерса, записанных практически с первого дубля.

Доброго утра!
Вопрос не много не в тему но, есть ли у вас любимая песня, где вы в первую очередь слышите именно инструментальную партию, а не вокал?

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
сентябрьскийкалендарь

Ну что, с первым сентября!
Мощнейшим образом поздравляю всех учеников, чему бы вы ни учились) А моим ученикам отдельно желаю в этом учебном году не только больше заниматься, но и чаще замечать тот момент, когда то, что ещё недавно казалось сложным, вдруг начинает получаться.

И по традиции, немного музыкальных историй девятого месяца:

4 сентября 1954 года Элвис Пресли впервые выступил на сцене Grand Ole Opry. Выступление прошло настолько неудачно, что менеджер Opry Джим Денни посоветовал Элвису вернуться к своей прежней работе водителем грузовика. Через две недели он выступил на Louisiana Hayride и именно там начался настоящий взлёт его карьеры.

5 сентября 1977 года с Земли отправился Voyager 1. На борту находилась знаменитая Золотая пластинка Voyager Golden Record. Послание потенциальным обитателям других миров, в котором среди прочего была музыка со всей Земли: Бах, Бетховен, Стравинский, Луи Армстронг, Чак Берри и музыка разных народов. В этот день человечество буквально отправило музыку в межзвёздное пространство.

9 сентября 2009 года The Beatles впервые выпустили весь свой оригинальный каталог в цифровом ремастированном виде. Ремастеринг продолжался около четырёх лет. Но был ооочень чëткий дедлайн, это дата эффектная дата 09.09.09. В тот же день вышла игра The Beatles: Rock Band.

10 сентября 1991 года вышел сингл Smells Like Teen Spirit. Песня не мгновенно стала хитом, но вскоре благодаря радио и MTV превратилась в один из главных символов гранжа и вообще начала девяностых.

23 сентября 1977 года Дэвид Боуи выпустил сингл Heroes. Песня была записана в Западном Берлине, в Hansa Studio, буквально неподалёку от Берлинской стены. А история её создания со временем стала ещё интереснее: Боуи рассказывал, что вдохновился парой влюблённых, которую видел из окна студии, но позже продюсер Тони Висконти признался, что на самом деле той самой парой были он сам и бэк-вокалистка Антония Маас.

26 сентября 1969 года в Великобритании вышел Abbey Road, это последний альбом The Beatles, записанный группой целиком, хотя Let It Be был выпущен позже. И именно на нём впервые на стороне A сингла появилась моя любимая песня Джорджа Харрисона Something.

А ещё в сентябре 1967 года вышел Strange Days The Doors. На заглавной композиции впервые появился один из самых ранних примеров использования модульного синтезатора Moog на записи крупной рок-группы: Пол Бивер обработал голос Джима Моррисона с помощью Moog, а сам Моррисон управлял эффектом с клавиатуры.

Ну и, конечно, сентябрь богат людьми.

5 сентября 1946 года родился Фредди Меркьюри.

9 сентября 1941 года — Отис Реддинг. И да, там ещë в 94 я начался)

23 сентября 1930 года родился Рэй Чарльз.

29 сентября 1935 года Джерри Ли Льюис.

Получился довольно эффектный месяц: Элвис впервые выходит на сцену, Voyager отправляет музыку в космос, The Beatles возвращаются в цифровом качестве, появляется Smells Like Teen Spirit, Боуи выпускает Heroes, выходит Abbey Road, а синтезатор Moog впервые пробирается в большую рок-музыку.

Так что сентябрь, это не только новый учебный год. Это ещё и месяц, в котором музыка успела сделать довольно много важных вещей. И пусть у каждого из нас в этом сентябре будет хотя бы одна такая маленькая история, которую потом приятно будет вспомнить.

С первым сентября!
Доброго вечера)

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
ставкирастут

Помните, я недавно рассказывал, что планируется собрать Слепой оркестр большим составом, примерно 25 человек?

Теперь это уже не просто большой состав Слепого оркестра, а импровизация на 50 артистов в огромном пространстве на Севкабеле.

И там будут не только музыканты: хор, танцы, перформанс и ещё огромное количество всего, что пока даже сложно нормально представить в одном предложении.

Я пока сам не знаю, что получится, когда пятьдесят человек одновременно окажутся в одном пространстве и начнут импровизировать. Но именно поэтому мне ужасно интересно там оказаться.

Так что записывайте:

16 сентября | 19:30
Севкабель Порт
Билет 500 ₽

Это будет очень большой эксперимент, и я надеюсь, что вы придёте посмотреть на него вместе с нами.

Доброго вам утра!

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
дофендера

Говоря об электрогитаре, очень легко представить, что её история начинается с Fender: Telecaster, Stratocaster, первые большие усилители и дальше уже привычная нам история рок-музыки. Но к тому моменту, когда Лео Фендер начал делать свои инструменты, музыканты уже больше двадцати лет пытались решить одну и ту же проблему: как сделать струнный инструмент достаточно громким, чтобы его было слышно среди других инструментов.

Одними из первых всерьёз занялись этим музыканты, игравшие на гавайской стальной гитаре. В 1930-х годах этот инструмент становился всё популярнее в американской музыке, но его мягкий акустический звук совершенно терялся в больших ансамблях. Поэтому инженеры начали устанавливать на него электромагнитные звукосниматели, которые превращали колебания струн в электрический сигнал, а затем отправляли его в усилитель.

И довольно быстро стало понятно, что электричество даёт гораздо больше возможностей, чем просто сделать инструмент громче.

В 1931 году Джордж Бошамп вместе с Адольфом Рикенбакером создал один из первых коммерчески успешных электрических струнных инструментов, знаменитую Rickenbacker A-25, которую из-за её металлического корпуса и длинного грифа прозвали Frying Pan. Она действительно напоминала сковороду, но за этой странной формой стояла вполне практическая идея: если инструмент всё равно снимается звукоснимателем, акустический корпус больше не является обязательным.

Это был важный момент. Музыканты постепенно начали понимать, что электрический инструмент можно проектировать уже не как увеличенную версию акустического, а совершенно с нуля.

Мы как-то говорили что, в следующие годы появились электрические гитары Gibson, Epiphone и другие инструменты, однако большинство из них всё ещё сохраняло традиционный полый корпус. Это было логично: музыканты привыкли к внешнему виду и ощущениям акустической гитары, а производители ещё не до конца понимали, насколько далеко можно зайти с новой технологией.

И вот здесь появляется Лео Фендер. Он не изобрёл звукосниматель, не был первым человеком, придумавшим электрогитару, и даже не первым сделал цельнокорпусный инструмент. Его заслуга оказалась в другом: он посмотрел на электрогитару прежде всего как на серийно производимый инструмент.

В 1950 году появилась Broadcaster, вскоре переименованная в Telecaster. У неё был простой цельный корпус, съёмный гриф, относительно незамысловатая конструкция и детали, которые можно было производить и заменять независимо друг от друга. Для музыканта это означало прочный инструмент, а для производителя гораздо более понятный процесс сборки. И именно поэтому Fender оказался настолько важен.

К моменту его появления электрический звук уже существовал. Были звукосниматели, усилители, электрические гитары и даже электрические басы. Но всё это ещё не стало единой, удобной и массовой системой.

Фендер помог превратить набор отдельных экспериментов в новую норму.

А дальше электричество уже начало менять не только громкость инструментов, но и сам язык музыки: перегруз, фузз, тремоло, реверберация, педали эффектов, огромные усилители и совершенно новый подход к тому, каким вообще может быть звук гитары.

Доброго вечера!

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
музыкакоторойвообщенебыловпланах

Есть музыка, которую мы слышим и сразу представляем фильм.
Первые ноты «Так говорил Заратустра» и в голове уже появляется огромная планета, космос и «2001: Космическая одиссея». Часто, даже если вы её не смотрели)

Нооо этой музыки в фильме вообще не должно было быть. Когда Стэнли Кубрик начал работу над «2001: Космическая одиссея», он пригласил американского композитора Алекса Норта написать оригинальный саундтрек.

Норт уже был известен музыкой к кино и работал с крупными режиссёрами. Он получил от Кубрика довольно сложную задачу: нужно было создать музыку для фильма, который практически невозможно было сравнить с обычным голливудским кино. Норт написал музыку и Кубрик её записал.

Но, как часто и бывает, во время монтажа режиссёр использовал временные записи классической музыки то, что в кино обычно называют temp track. Там были Рихард Штраус, Иоганн Штраус, Лигети и другие композиторы.

Ииии по итогу, временная музыка оказалась слишком хороша. Кубрик понял, что она идеально работает с изображением.

Знаменитое вступление с медленно нарастающим аккордом идеально совпало с восходом Солнца над Землёй и Луной. Музыка буквально создала ощущение масштаба сцены. А потом появился «Голубой Дунай» Иоганна Штрауса. Космические корабли начали двигаться по экрану так, будто они танцуют в огромном невидимом вальсе. Так вот, Кубрик отказался от музыки Норта.

Кстати, вот оригинальна версия Норта

Он узнал о решении уже после того, как работа была закончена. Позже он признавался, что был совершенно потрясён, его музыка Норта долгое время вообще оставалась практически неизвестной.

Лишь в 1990 году Джерри Голдсмит записал её для отдельного альбома, и публика наконец получила возможность услышать, каким мог быть оригинальный саундтрек «2001».


Доброго вам утра!
А у вас есть фильм, где музыка настолько прочно срослась с картинкой, что теперь вы вообще не можете представить их отдельно?

В Е Ч Е Р Н И Й П О С Т
всречаемсявцентре

Призываю перестать откладывать хороший вечер на потом)
5 сентября мы с Аней снова будем играть в ЦПР.

По плану песни, которые мы уже давно играем вместе, есть те, которые очень хочется наконец сыграть, а что-то наверняка появится прямо в процессе.

Так что если будете свободны вечером 5 сентября
Никаких билетов и сложных планов, просто музыка и несколько часов вместе.

📅 5 сентября | 21:00
📍 ЦПР, Литейный проспект, 28
Вход свободный

Призываю приходить одному, с друзьями, случайно оказаться рядом или специально приехать через весь город) В любом случае будем очень рады вас видеть. До встречи в ЦПР!

И доброго вечера)

У Т Р Е Н Н И Й П О С Т
каквпервыеуслышализвукподводой

В какой-то момент человеку стало мало научиться записывать звук на суше, захотелось понять, что происходит под водой.

И это оказалось совсем не такой простой задачей, как можно подумать. В 1914 году американский физик Реджинальд Фессенден проводил эксперименты с устройством, которое сегодня назвали бы одним из первых гидрофонов, прибором для приёма звука под водой.

Но его интересовала не музыка. Фессенден хотел обнаруживать айсберги и другие объекты под водой. После катастрофы «Титаника» в 1912 году такая проблема стала особенно актуальной. Радиосвязь уже существовала, но радиоволны плохо распространяются в морской воде. А вот звук распространяется в воде очень хорошо.

Фессенден придумал использовать для этого электромагнитный преобразователь. Его устройство представляло собой массивный металлический диск, который мог вибрировать под воздействием звуковых волн и превращать эти колебания в электрический сигнал. По сути, это был оочень ранний подводный микрофон.

Как вы знаете, под водой звук ведёт себя совсем не так, как в воздухе. В воде он распространяется примерно в четыре с половиной раза быстрее, это около 1500 метров в секунду против примерно 343 метров в секунду в воздухе. Но главное даже не скорость, из-за гораздо большей плотности воды звуковые волны передают энергию иначе. Поэтому обычный воздушный микрофон практически бесполезен под водой: его конструкция рассчитана на совершенно другую среду.

Фессендену удалось не просто принимать подводные звуки, его система могла работать и как передатчик. Он обнаружил, что достаточно мощный источник звука можно услышать на значительном расстоянии под водой. И это стало важным шагом к появлению сонаров.

Хотя современный сонар появился позже и использует гораздо более сложную технологию, принцип оказался простым: послать звук, дождаться отражения, измерить время ну и понять где находится объект.

Фессенден даже использовал своё устройство для обнаружения айсбергов и подводных объектов, а позже подобные технологии стали особенно важны для обнаружения подводных лодок.

Довольно забавно наблюдать как поначалу, он был нужен людям, которые хотели понять, что происходит там, где человек сам находиться не может.ьА уже потом подводный звук стал отдельным огромным миром, от китов и подводных лодок до музыки и современного кино.

Доброго вам утра!